Arte archivos - La vida con ella

Mondongo

Mondongo es un colectivo artístico argentino reconocido internacionalmente por sus obras innovadoras y provocativas que exploran la identidad, la cultura popular y la crítica social a través de técnicas meticulosas y materiales inusuales. Fundado en 1999 en Buenos Aires por Juliana Laffitte, Manuel Mendanha y Agustina Picasso, el grupo ha ganado renombre por su enfoque único en la creación de obras tridimensionales hiperrealistas utilizando materiales no convencionales como alimentos, juguetes, plásticos y objetos cotidianos. En la actualidad, Agustina Picasso ya no forma parte del colectivo.

¿Por qué "Mondongo"?

El nombre «Mondongo» evoca la idea de la complejidad y la diversidad cultural, así como la referencia a un guiso tradicional argentino que combina diferentes ingredientes, reflejando la mezcla ecléctica de influencias y estilos en su trabajo artístico.

Obra realizada con hilo

Desde sus primeras exposiciones, Mondongo ha desafiado las fronteras entre arte popular y alta cultura, produciendo obras que sorprenden y cautivan a la audiencia por igual. Utilizan técnicas como el collage, el modelado y la pintura detallada para crear retratos y escenas que invitan a reflexionar sobre temas contemporáneos como la identidad nacional, la globalización, el consumismo y la política.

Clavos, hilo de plata y resina sobre madera

A lo largo de su trayectoria, Mondongo ha exhibido en galerías y museos de prestigio internacional, incluyendo el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), el Museo Nacional de Bellas Artes de Argentina, y en exposiciones individuales y colectivas en ciudades como Nueva York, Miami, Madrid, Londres, São Paulo y Berlín, entre otras.

Sus obras han sido elogiadas por su complejidad técnica y su capacidad para narrar historias visuales profundas y conmovedoras, a menudo desafiando las convenciones estéticas y provocando debates sobre la naturaleza del arte contemporáneo y su papel en la sociedad actual.

A través de su constante experimentación y su compromiso con la innovación estética, Mondongo continúa siendo una fuerza creativa prominente en el panorama artístico global, inspirando y desafiando a nuevas generaciones de artistas a explorar nuevos medios y conceptos en su búsqueda por entender y expresar la complejidad del mundo moderno.

Serie roja – Plastilina sobre madera

Hoy por hoy (junio 2024) Mondongo se encuentra realizando la exposición «Manifestación» en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) la cual propone un homenaje al gran artista rosarino Antonio Berni. Este artista siempre estuvo muy comprometido con las cuestiones sociales y creía que ante una tremenda realidad que “rompe los ojos”, “los artistas están obligados a vivir con los ojos abiertos”. Mondongo retoma esta idea y esta perspectiva y nos hace reflexionar sobre lo que «la ciudad» significa hoy en día. ¿Realmente se trata de modernidad y de progreso?

En esta exposición, muestran una pieza de gran formato realizada principalmente con plastilina en la cual podemos ver un retrato colectivo como aquel que Berni pinto en sus tiempos.

Si les interesa conocer un poco más de estos artistas, a continuacion les dejo una capitulo dedicado a ellos de la serie «Los visuales»

Por Mica, hace 4 meses15 junio 2024

Arte

David Hockney

David Hockney nació el 9 de julio de 1937 en Bradford, Yorkshire, en el norte de Inglaterra. Creció en una familia modesta y desde una edad temprana mostró un gran interés por el arte.

«A los once años decidí en mi fuero interno que quería ser artista, pero, para mi, el significado de la palabra artista era muy vago: el hombre que hacia tarjetas de Navidad era artista, el que pintaba carteles era artista, el que se limitaba a rotular los carteles era artista. Cualquiera que en su trabajo tuviera que agarrar un pincel y pintar algo era artista… La idea de que un artista se dedicara simplemente a pintar cuadros para si mismo no se me pasó por la cabeza. Por supuesto, sabía que había cuadros que se podían ver en libros y galerías, pero pensaba que los artistas los hacían por las tardes, cuando habían terminado de pintar carteles o las tarjetas de Navidad o lo que fuera que les diera de comer.»

A los 16 años ingresó en la Bradford School of Art, donde comenzó a desarrollar sus habilidades artísticas. Empieza a estudiar arte comercial por razones pragmáticas, pero pronto de cambia al departamento de pintura, aun teniendo que fingir que quiere ser profesor. La formación que recibe es puramente académica, pero le gusta.

«Al principio me interesaba todo. Era un chico inocente de 16 años y me creía todo lo que me decían,, todo. Si me decían que tenia que estudiar perspectiva, estudiaba perspectiva; si me decían que tenia que estudiar anatomía, estudiaba anatomía. Después de pasar por la escuela secundaria, era emocionante estar en una escuela en la que sabia que iba a disfrutar con todo lo que me pidieran hacer. Me encantaba todo y me pasaba doce horas al dia en la escuela de arte.»

Más tarde, en 1959, obtuvo una beca para estudiar en la Royal College of Art en Londres, donde se graduó en 1962.

Durante sus años de formación en el Royal College of Art, Hockney se destacó como un talentoso joven artista con un estilo distintivo y una fuerte personalidad creativa. Fue influenciado por artistas contemporáneos como Francis Bacon y Lucian Freud, así como por la obra de artistas clásicos como Pablo Picasso y Henri Matisse.

En la década de 1960, Hockney emergió como una figura prominente en la escena del arte británico y se convirtió en uno de los principales exponentes del movimiento del arte pop. Sus pinturas de este período, como «A Bigger Splash» (1967) y «Mr. and Mrs. Clark and Percy» (1970-71), se caracterizaban por su estilo audaz y colorido, así como por su representación de la vida cotidiana y la cultura popular.

Además de su trabajo en pintura, Hockney también experimentó con otras formas de expresión artística, incluyendo el dibujo, la fotografía y el grabado. En la década de 1970, comenzó a interesarse por la fotografía y desarrolló su técnica distintiva de «joiners», que consistía en ensamblar varias fotografías para crear una imagen compuesta.

Hockney se dedicó también a la realización de retratos en diferentes periodos de su carrera. Desde 1968 pintó a sus amigos, amantes y parientes a partir de fotografías. Su presencia queda implícita en estos retratos, ya que las líneas de perspectiva convergen de tal manera que sugieren el punto de vista del artista.

A lo largo de su carrera, Hockney ha sido un innovador constante, explorando nuevas técnicas y medios de expresión. En la década de 1980, se interesó por la tecnología digital y comenzó a utilizar programas de dibujo por computadora para crear obras de arte. Más tarde, en la década de 2000, se aventuró en el arte creado en dispositivos móviles, como el iPad, produciendo una serie de obras digitales que recibieron elogios de la crítica y del público.

La obra de Hockney ha sido objeto de numerosas exposiciones y retrospectivas en todo el mundo, y ha recibido numerosos premios y honores a lo largo de su carrera, incluyendo la Orden del Mérito del Reino Unido en 2012. Su influencia en el arte contemporáneo es innegable, y su legado perdura como uno de los artistas más influyentes e innovadores de su generación.

Por Mica, hace 8 meses24 febrero 2024

Arte

Magdalena Abakanowicz

Magdalena Abakanowicz fue una destacada artista polaca nacida el 20 de junio de 1930 en Falenty, cerca de Varsovia. Es reconocida a nivel internacional por su contribución al arte contemporáneo, especialmente en el ámbito de la escultura y la instalación.

Abakanowicz vivió una infancia marcada por los eventos turbulentos de la Segunda Guerra Mundial y la ocupación nazi en Polonia. Esta experiencia dejó una profunda huella en su vida y en su obra artística, ya que la violencia y el sufrimiento humano se convirtieron en temas recurrentes en su trabajo.

En 1950, Abakanowicz ingresó en la Academia de Bellas Artes de Varsovia, donde estudió escultura. Durante sus años de formación, Polonia estaba bajo el régimen comunista y el realismo socialista era el estilo artístico oficial. Sin embargo, Abakanowicz se resistió a adoptar este enfoque y se interesó por explorar nuevas formas de expresión.

En la década de 1960, Abakanowicz comenzó a ganar reconocimiento por su serie «Abakans», en la que creó grandes estructuras tejidas con fibra de yute. Estas piezas innovadoras y audaces desafiaron las convenciones artísticas y le valieron elogios tanto en Polonia como en el extranjero.

El término «abakan» se deriva del nombre de una tribu nómada de Siberia, conocida por su habilidad en la creación de textiles. Abakanowicz eligió este nombre para su serie de obras para hacer referencia a la conexión entre el ser humano y su entorno natural.

Las esculturas de «Abakans» están hechas de cuerdas tejidas y materiales textiles, y a menudo presentan una apariencia voluminosa y enmarañada. Estas obras evocan una sensación de movimiento y vida, al mismo tiempo que sugieren una fragilidad y vulnerabilidad inherente.

A través de «Abakans», la artista exploró temas como la identidad individual y colectiva, la relación entre el hombre y la naturaleza, y la condición humana en un mundo industrializado. Con estas obras desafió las nociones tradicionales de la escultura y sus materiales utilizando textiles para crear formas escultóricas imponentes.

A lo largo de su carrera, Abakanowicz experimentó con una amplia gama de materiales y técnicas, y creó obras en diversos formatos, desde instalaciones hasta esculturas monumentales. Sus piezas a menudo representaban figuras humanas estilizadas y sin rostro, evocando la idea de la desindividualización y la alienación en la sociedad moderna.

En relación a esto último, uno de sus trabajos más conocidos es «Hurma», una serie de esculturas de tamaño humano realizadas en resina y arpillera. Estas figuras de adultos y niños sin rostro y despojadas de características individuales se agrupan en formaciones densas y evocadoras, invitando a la reflexión sobre la condición humana y la relación entre el individuo y la masa.

La escultura «Hurma» representa una figura humana sin cabeza ni extremidades. La figura está envuelta en una especie de caparazón rugoso y texturizado que sugiere una especie de armadura o exoesqueleto. La ausencia de cabeza y extremidades imparte un sentido de anonimato y universalidad a la figura, permitiendo al espectador proyectar sus propias experiencias y emociones en ella.

La obra aborda temas como la vulnerabilidad, la opresión y la alienación. La figura sin cabeza (y algunas sin extremidades) puede interpretarse como una metáfora de la falta de voz y poder de las personas en situaciones de opresión o injusticia. La textura rugosa y el aspecto desgastado de la escultura también pueden evocar la idea del paso del tiempo y las cicatrices emocionales y físicas que llevamos como seres humanos.

Años antes de «Hurma» la artista realizó también una serie de esculturas llamada «Crowds» que se compone de figuras humanas estilizadas y sin rostro, que se agrupan en formaciones densas y masivas, evocando la idea de multitudes o congregaciones humanas.

Estas esculturas transmiten una sensación de multiplicidad y presencia abrumadora, explorando la desindividualización y la pérdida de identidad en las multitudes. Las figuras de «Crowds» fusionan y se funden entre sí, creando una imagen poderosa de la interdependencia humana.

Aunque ambas series pueden resultarnos parecidas, «Crowds» se centra en la multiplicidad y la desindividualización en las multitudes, mientras que «Hurma» destaca la vulnerabilidad y la opresión a través de la representación de figuras humanas desprovistas de rasgos identificables. Ambas series abordan temas relacionados con la experiencia colectiva y la condición humana, pero con diferentes enfoques estilísticos y conceptuales.

A lo largo de su carrera, Abakanowicz recibió numerosos premios y reconocimientos por su contribución al arte contemporáneo. En 1999, se convirtió en la primera mujer polaca en exhibir una obra individual en la Bienal de Venecia. Sus obras se encuentran en importantes museos y colecciones de todo el mundo, y su legado continúa inspirando a generaciones de artistas.

Magdalena Abakanowicz falleció el 20 de abril de 2017 en Varsovia, dejando un legado artístico significativo y una profunda influencia en la escena artística internacional. Su trabajo desafió las convenciones establecidas, explorando temas universales y conectando con el espectador a través de su poderosa expresión visual.

"El arte seguirá siendo la actividad más asombrosa de la humanidad, nacida de la lucha entre la sabiduría y la locura, entre el sueño y la realidad en nuestra mente. Cada descubrimiento científico abre puertas tras las cuales encontramos nuevas puertas cerradas. El arte no resuelve problemas pero nos hace conscientes de nuestra existencia. El arte prepara nuestros ojos para ver y nuestro cerebro para imaginar."

Magdalena Abakanowicz

Por Mica, hace 1 año20 junio 2023

Arte

Mujeres ilustradoras

Mujeres Ilustradoras - Parte I

Hoy quiero dejarles algunos nombres e imagenes de obras de Mujeres Ilustradoras del mundo. En una segunda instancia, pueden buscar más información sobre ellas y visitar sus redes para conocer su trabajo. El objetivo de esta entrada es acercarles algunos nombres y algunas obras que abran paso a la curiosidad.

¿Empezamos?

ANA PENYAS

Ilustradora española.

https://anapenyas.es/ www.instagram.com/ana_penyas

ANETE MELECE

Animadora, ilustradora y dibujante de cómics letona.

https://www.anetemelece.lv/ www.instagram.com/anetemelece/

ISABELLE ARSENAULT

Ilustradora canadiense.

https://www.isabellearsenault.com/ www.instagram.com/isabelle_arsenault/

JOSEFINA SCHARGORODSKY

Ilustradora y diseñadora argentina.

https://joschargo.com/ www.instagram.com/josefinaschargo/

MARÍA LUQUE

Ilustradora argentina.

www.cargocollective.com/marialuque www.instagram.com/maria.j.luque/

MARÍA WERNICKE

Ilustradora y escritora argentina.

mariawernicke.blogspot.com/ www.instagram.com/wernicke_maria/

FRANCISCA MENESES

Ilustradora chilena.

www.frannerd.cl/ www.instagram.com/frannerd/

Por Mica, hace 2 años1 abril 2023

Arte

Arte e ídolos populares. Hoy: Lionel Messi

Arte e Ídolos populares. Hoy: Lionel Messi

Lionel Andrés Messi, futbolista argentino nacido en la Ciudad de Rosario el 24 de junio de 1987, no necesita muchas presentaciones ni biografías. En la actualidad es, indudablemente, el mejor jugador de futbol del mundo.

Hoy les comparto algunas imágenes sobre distintas expresiones artísticas dedicadas a él.

En la provincia de Córdoba (Argentina) el artista Ramon Cortez realizo el siguiente mural luego de la consagración de Messi en el Maracaná.

(Imagen: Diario El Periódico)

Luego de que Argentina ganara la copa del mundo, Ramón agrego a su mural la siguiente figura del jugador.

Conocé más del artista en: @monchitocortez

Por otro lado, en el barrio de Saavedra, Buenos Aires, en Avenida Balbín y Jaramillo se encuentra el siguiente mural:

Dicho mural fue realizado por un artista entrerriano llamado Javier López junto a su asistente Martín Battaglia. El instagram donde pueden encontrar más de su trabajo: @toto_ilustrador

En la ciudad de Rosario, Santa Fé, podemos encontrar esta pintura de 534 metros cuadrados. La misma llevó un mes de trabajo y pertenece a Imagina Pintura Mural (@imagina.pinturamural)

Dos artistas realizaron este mural: @marlene_zuriaga y @lisandro.urteaga ¡Visítenlos para conocer más de su trabajo!

Los mismos artistas hicieron también el siguiente mural del jugador en su casa natal.

En la calle Leguizamon al 1000 en la ciudad de Neuquén se encuentra esta pintura del artista @sider1_

Foto de Twitter de @marubaraldo

El siguiente mural se encuentra en la provincia de Córdoba, Argentina y fue realizado por el artista Ariel Ocampo (@arielocmpopinturas)

¿Conocen algún otro mural u obra realizada para homenajear a este gran ídolo popular? ¡Los leo!

Por Mica, hace 2 años31 diciembre 2022

Arte

Mequitta Ahuja

Mequitta Ahuja nació en Grand Rapids, Michigan, de padres indios y afroamericanos, provenientes de Nueva Delhi y Cincinnati, respectivamente.
Ahuja creció en una comunidad mayoritariamente blanca en Connecticut y tuvo poco contacto con las comunidades y la cultura afroamericana.

Acerca de su primer acercamiento al arte, ella misma cuenta que desde pequeña le gustaba todo lo que tuviera que ver con intervenir papel, asi es como comenzo a dibujar.

Ahuja estudió en Hampshire College en Massachusetts y en la Universidad de Illinois en Chicago donde conoció al artista Kerry James Marshall quien compartio algunos de sus conocimientos con ella.

Para crear sus pinturas, Ahuja se basa en un proceso de tres pasos que involucra performance, fotografía y dibujo. Es así que comienza desarrollando una serie de actuaciones que involucran disfraces, accesorios y poses. A las fotografias que obtiene las documenta como «material fuente no ficticio» y las utiliza para la creación de sus autorretratos.

En su obra podemos observar una presencia femenina asertiva y autosuficiente y con frecuencia recurre a sus raíces afroamericanas y del sur de Asia. Al no haber tenido acercamiento a aquellas comunidades durante su infancia, Ahuja afirma que a través de su arte puede tener relaciones con estos grupos en sus propios términos.

En su obra tambien mezcla elementos históricos, autobiográficos, y mitológicos.
Ahuja cita su trabajo como «automitografía», una expansión del concepto de «biomitografía» de la feminista Audre Lorde. Ahuja describe la «automitografía» como una «combinación de narrativa personal con mitología cultural y personal».

Ahuja a menudo pinta sobre su propio trabajo, considerando las pinturas fallidas como una oportunidad, que «permite el tipo de cosas que no puedes planificar».

El trabajo de Ahuja se ha exhibido en los Estados Unidos , así como en París , Bruselas , Berlín , India , Dubai y Milán y ha recibido multiples premios.

Por Mica, hace 2 años15 abril 2022

Arte

Marcos López

Todavía recuerdo el día que conocí la obra de Marcos López. Me encontraba tomando café en un bar de San Telmo con un fotógrafo que me ayudó en mi primer acercamiento a la fotografía. Yo aún era adolescente, estábamos en aquel café hablando sobre fotografía y él sacó de su mochila un libro de retratos en blanco y negro y comenzó a mostrármelo. Eran retratos para nada convencionales que me dejaron fascinada, un tipo de fotografía que yo aún no conocía.

Les cuento un poco sobre este artista...

Marcos López es un fotógrafo nacido en la provincia de Santa Fe, Argentina, en el año 1958.

Vivió en Gálvez (centro-sur de la provincia) hasta los doce años que se muda con su familia a la ciudad de Santa Fe.

Allí, descubrió la fotografía como hobbie en el FotoClub Santa Fe.

Estudió Ingeniería en la universidad hasta el año 1982. Él mismo relata sobre esos años: «Yo iba a la universidad, fría. Para mi siempre era invierno en la Universidad Tecnológica Nacional. Calculaba hormigones pretensados, vigas, momentos de inflexión. Y yo quería ser un poeta, una bailarina de cajita de música.»

Más tarde, abandona sus estudios para dedicarse a la fotografía.

Se traslada y vive un tiempo en Buenos Aires hasta 1989 que integra la primera promoción de becarios extranjeros de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños en Cuba.

En 1993 publica su libro Retratos, aquel libro que les conté que fue el primero que conocí del artista.

Luego, Marcos López comienza a investigar el color, el color local y desarrolla su trabajo Pop Latino que publica en el año 2000.

En el año 2003 la Universidad de Salamanca publica Sub-realismo Criollo que comprendió trabajos en color que Marcos López realizo entre 1993 y 2003.

Como podrán ver en las imágenes que acompañan el texto, observar sus fotografías es como observar cuadros llenos de imágenes que remiten a la imaginería latinoamericana, imágenes que nos recuerdan a murales mexicanos, a telenovelas, imágenes de santos, de ídolos populares, de publicidades de distintas épocas. Todo esto rodeado por lo general de estridentes colores.

A medida que volvemos a observar su obra es posible encontrar aún más detalles, personajes en distintas acciones, objetos cotidianos convertidos en una obra de arte.

En el año 2013 realiza un documental sobre el músico, poeta y pintor Ramón Ayala, uno de los grandes folcloristas del Alto Paraná.

Su obra forma parte de la colección Daros-Suiza del Museo Reina Sofia (Madrid), del Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires y del Museo del Barrio de Nueva York.

Pueden encontrarlo en Instagram en: @marcoslopezvirtual y visitar su página web: www.marcoslopez.com

Dado que lo que hoy les comparto es una brevísima biografía del artista, les dejo también a continuación el capítulo dedicado a Marcos López de la serie Los Visuales del Canal Encuentro, para quienes quieran acercarse un poquito más a conocer a este artista a través de su propia voz.

Por Mica, hace 3 años27 noviembre 2021

Arte

Yolanda Domínguez: arte para cambiar el mundo.

Yolanda Domínguez: arte para cambiar el mundo

Para Yolanda Domínguez el arte puede cambiar el mundo y ese es uno de los motivos que la mueven a utilizarlo para despertar la conciencia social y empoderar a las personas.

Yolanda estudió en Madrid Administración y Dirección de Empresas, Bellas Artes, y tiene además un Máster en Arte y Nuevas Tecnologías.

Tengo que decirles, que yo no conocía a Yolanda Domínguez hasta que Pilar (de @escueladearte) me la hizo conocer como parte de la investigación que realizamos para el taller que estamos dando de Mujeres en las Artes Visuales.
Esta artista ya hace 11 años que viene creando trabajos de participación colectiva y piezas audiovisuales cuyo objetivo es desenmascarar el machismo normalizado en nuestra cultura.

Además de su vida artística Yolanda se desempeña también en el ámbito educacional dando hace ya nueve años talleres y conferencias en universidades o institutos de todo el mundo. En ellos analiza junto a los alumnos la importancia de las imágenes en la construcción de nuestra identidad, dándoles pautas para utilizarlas de una manera más comprometida para combatir la desigualdad. También ha dado charlas en diversos festivales.

En mi opinión cada persona que crea, que hace arte (ya sea arte visual, audiovisual, escritura, música), puede hacerlo por diversos motivos. Algunas personas lo hacen pensando mayormente en la técnica, algunos con un fin mayormente decorativo, otros como una forma de expresión y algunos, como Yolanda, lo utilizan como un medio para provocar un cambio en la sociedad en la que viven. Todos los motivos son válidos pero creo que aquellos que brindan su arte pensando en crear un mundo mejor están siendo muy valientes porque probablemente no siempre sean comprendidos.

En su página (yolandadominguez.com) la artista comparte distintas acciones que ha realizado a lo largo de los años, les recomiendo entrar allí y leer un poco acerca de ellas. Son todas muy interesantes y algunas de ellas muy impactantes. Pero hoy les quiero compartir este video que a mi me pareció muy claro e interesante y creo que puede llevarnos a reflexionar sobre distintas cuestiones. En él, a través de un personaje femenino conocido, la princesa Elsa de la película Frozen, distintas mujeres comparten su testimonio acerca de cómo les afectan los estereotipos y la falta de referentes en los medios.

Luego de ver el video, o de ver y leer en su página sobre algunas de sus acciones, ¡espero sus comentarios!

Por Mica, hace 3 años26 junio 2021

Arte

Edward Gorey

Edward Saint John Gorey nació en Chicago, Illinois, el 22 de febrero de 1925. Su madre fue Helen Dunham y su padre Edward Lee Gorey. Se dice que a los tres años y medio ya había aprendido a leer.

Concurrió a varias primarias locales y cuando terminó la secundaria estudio solo un semestre de arte en el Chicago Art Institute por lo que el mismo declaraba que su aprendizaje artístico formal había sido insignificante.

Luego, fue oficinista del servicio militar en una base del Ejercito de los Estados Unidos en Utah. Más tarde, en 1946, estudio en Harvard. Allí conoció a Frank O´Hara (que llegaría a ser el más celebre poeta de la Escuela de Nueva York) Dicen que George llamó la atención desde el comienzo por su aspecto y sus excentricidades. Era muy alto, llevaba los dedos llenos de anillos y hablaba de manera muy histriónica.

A fines de los años 40 junto con otros jóvenes formaron el Poet´s Theater de Cambridge. Algunos escribían, otros actuaban y Gorey hacia los decorados.

En los años 50 vivió en Nueva York donde trabajo ilustrando portadas de libros para el Departamento de Arte de Doubleday Anchor. Allí ilustro portadas de algunos libros como: El Libro de los gatos habilidosos del viejo Possum de T. S. Eliot, Drácula de Bram Stoker y La guerra de los mundos de H. G. Wells.

El primer libro escrito e ilustrado por él mismo fue The Unstrung Harp en 1953. Al principio no tuvo muchos lectores y algunos editores lo aceptaron y lo abandonaron. Fue entonces cuando decidió crear su propio sello: Fantod Press y hacer ediciones artesanales de aquellos libros que nadie le quería publicar.

Algunas veces publicaba bajo el seudónimo Ogdred Weary (anagrama de su primer nombre y apellido)

Sus dibujos e historias ilustradas estaban enmarcadas en las épocas victoriana y eduardina. La mayoría de sus dibujos presentan un estilo algo oscuro, un poco macabro y que maneja cierta ironía o humor.

En 1963 publicó su tríptico La fábrica de vinagre: Tres tomos de enseñanza moral. Dos de los libros se ocupan de trágicos destinos y son un modelo de transgresión: Los pequeños macabros y El dios de los insectos. En el tercero, El ala oeste, no hay palabras y la protagonista es una casa llena de grietas y fantasmas.

Su mayor popularidad llegó con su introducción a la serie Mystery! en el año 1980 y también con sus diseños para la obra Drácula en Broadway. Por este último trabajo gano el Tony Award al Mejor Diseño de Vestuario.

Más tarde vivió en Yarmouth Port en Massachusetts en una casona de dos siglos que lleno de libros, películas, muñecos y gatos. Allí escribió y dirigió numerosos espectáculos donde solía utilizar marionetas que el mismo hacía de papel maché. Permaneció allí viviendo solo hasta su fallecimiento.

Edward Gorey tenía un gran amor por el ballet y por los gatos, que a menudo aparecen en su obra. Admiraba mucho al coreógrafo de ballet George Balanchine, quien reconocía que había sido la mayor influencia de su vida.

También dicen que le gustaba mucho el cine y que tenía gran conocimiento del mismo. Incluso el escritor Marcial Souto en una pequeña biografía de Gorey cuenta que dedicaba más tiempo a leer y ver cine y televisión que a escribir y dibujar.

Tenía una gran fascinación por todo lo relacionado con las eras victoriana y eduardina. Su autora preferida dicen que era Jane Austen. Le gustaba también leer libros de Agatha Cristie, Beckett y Borges.

Gorey falleció en abril del año 2000. Publicó en vida más de cien libros y dejo otros setenta escritos pero sin ilustrar.

La casa de dos siglos donde Gorey paso sus últimos catorce años ahora se llama Gorey House y es un museo. Allí se pueden ver exhibidos los diarios de infancia, ositos de felpa, títeres. También se puede ver allí el famoso abrigo de piel que solía utilizar en una vitrina, el tablero en el que dibujaba, entre muchos otros objetos personales.

Edwar Gorey dejo todo su dinero a grupos protectores de animales.

Por Mica, hace 3 años16 mayo 2021

Arte

Marianne North

La artista viajera que pintó la naturaleza

Marianne North nació en el año 1830 en Inglaterra. Dicen que desde temprano estudio y se formo para ser cantante pero que como sus aptitudes vocales no eran suficientes terminó renunciando a ese proyecto y fue en ese momento que empezó a pintar flores.
Dicen también que al fallecer su madre, en 1855, realizo algunos viajes junto a su padre que era político adinerado.
Durante algunos de sus viajes a Europa y el Medio Oriente, Marianne tuvo la oportunidad de conocer a distintos artistas botánicos, con quienes aprendió técnicas pictóricas.
Cuando su padre fallece, decide continuar viajando por el mundo para poder dibujar en su recorrido las especies vegetales que fuera conociendo.

Recorrio varios paises, entre ellos, Estados Unidos, Canadá, Jamaica y Brasil. En este último permaneció un año, vivió en la selva y pinto muchísimo. En 1875, estuvo en Tenerife varios meses donde pinto alrededor de 29 obras basadas en la flora característica del lugar. También pinto especies vegetales de Japón, California y Borneo.

En 1878 viajo a la India y luego volvió a su país natal donde realizo una exposición de sus pinturas.

Más tarde dono al Real Jardín Botánico de Kew parte de su obra con la condición de tener una galería para montar su muestra en ella. Así sucedió.

Luego, siguiendo los consejos de Charles Darwin (que había sido amigo de su padre), se traslado a Australia, Nueva Zelanda y más tarde a Sudáfrica, Seychelles y Chile (pintó más de 30 óleos sobre la flora chilena), donde pudo ampliar su colección con gran cantidad de obra.

Se puede decir que Marianne North no solo fue una gran artista naturalista sino que su trabajo resulta un gran aporte científico teniendo en cuenta que en la época aun no era habitual el uso de la fotografía.
En honor a esta gran artista inglesa fueron bautizadas con su apellido varias plantas.

Marianne North fallece el 30 de agosto de 1890. Su hermana edito en su recuerdo dos volúmenes de sus diarios de viajes. Estos se titularon: Recollections of a Happy Life (Recuerdos de una vida feliz) y Some Further Recollections of a Happy Life (Más recuerdos de una vida feliz).

Interior de la Galería Marianne North, Real Jardín Botánico de Kew

Marianne fue una artista que dejó una gran cantidad de obras en las que se ve un gran compromiso y observación, en las que combina paletas de colores super vívidos y una composición perfecta. Como si esto fuera poco su obra es una documentación científica y minuciosa sobre la flora y la fauna de distintos lugares del mundo de su época.

Por Mica, hace 3 años3 mayo 2021