Un regalo muy especial.

Un regalo muy especial

Hace unos años, aproximadamente en el 2010, vi en un stand de la feria del libro que se realizo en Buenos Aires dos libros titulados “Frida Kahlo & Diego Rivera”. Uno comprendía la historia e imágenes de las obras de la famosa pintora mexicana y el otro las del muralista y pintor que fue su pareja. Eran dos libros grandes y pesados, con una calidad de imágenes hermosas pero en ese momento yo no tenía suficiente dinero para comprarlos, los libros de arte suelen ser bastante caros. 
Recuerdo que cuando llegue a casa ese día, le conté a mi tía abuela del hallazgo, y sobre lo mucho que me gustaba aquel libro. Ella había sido vendedora de libros en alguna época por lo que le interesaban mucho.

 

En el año 2011 falleció, lo cual fue un hecho muy triste para mi ya que había compartido toda mi vida con ella y la quería mucho. De ahí en adelante toda la familia la extrañaría.

El día de mi cumpleaños de ese año, el primer cumpleaños que pasaba sin ella, mi mamá me hizo un regalo muy especial. Me contó que cuando mi tía abuela aun se encontraba con nosotras, había estado ahorrando dinero para poder regalarme aquellos libros que tanto me habían gustado. Mi mamá había encontrado el dinero en un monedero junto con un papel en el que se encontraba escrito el nombre del libro para no olvidarlo. Así fue que en ese cumpleaños se encargo de continuar con el deseo de mi tía abuela y me hizo este hermoso regalo que siempre me recordará el enorme cariño que me tenía.

Son dos libros que amo, por eso hoy les muestro algunas imágenes del tomo que pertenece a Frida Kahlo, más adelante les mostraré el de Diego Rivera.

Probablemente muchos de ustedes ya la conozcan pero les contare un poco sobre quién fue.
 

Frida Kahlo fue una pintora mexicana nacida en Coyoacán en 1907.
Su vida estuvo atravesada por bastante sufrimiento físico y enfermedades. En 1913 contrajo poliomielitis lo que la obligo a permanecer nueve meses en cama y le dejo algunas secuelas. Por su limitación motriz y sus constantes tratamientos médicos Frida no tuvo demasiado contacto con otros niños. Por eso cuando fue adulta pinto varios cuadros que reflejaban esa soledad que sintió en su infancia. Entre ellas esta la siguiente obra «Niña con mascara de muerte». Si bien esta obra tiene que ver también con el Día de los Muertos que se celebra en México también se comenta el sentimiento de soledad y cierta fragilidad que genera la niña representada en este cuadro.

En 1922 Frida ingreso a la Escuela Nacional Preparatoria de Ciudad de México. Esta era una prestigiosa institución que hacia muy poco había comenzado a incluir estudiantes de sexo femenino. En esta escuela conoció a futuros artistas e intelectuales mexicanos y formo parte de un grupo llamado «Los Cachucas» (denominados así por las gorras que usaban) En el había solo dos mujeres, Carmen Jaime y Frida, el resto eran hombres.
El grupo se definía como un grupo político de rebeldes. Criticaban la autoridad y protestaban contra las injusticias.

En 1925 ocurrió un hecho que una vez más marcaría su vida con sufrimiento físico. En septiembre de ese año Frida viajaba en un autobús cuando el mismo fue arrollado por un tranvía quedando aplastado contra un muro y completamente destruido. Dicen que un pasamanos la atravesó y su columna vertebral quedo fracturada en tres partes entre otras heridas de gravedad en sus costillas, clavicula, pelvis, hombros, pies y cadera. Esto la llevo a múltiples operaciones quirúrgicas y a utilizar corses de yeso y de otros tipos.
Antes del accidente Frida ya había comenzado a incursionar en el dibujo pero aún no había mostrado mayor interés por la pintura ni por las artes visuales.
Tras el accidente debió moverse lo menos posible para lograr sanarse. Es allí donde la pintura aparece para tomar un lugar importantisimo en su vida. Durante este largo periodo de sufrimiento y reposo Frida comenzó a pintar de manera más asidua
. En septiembre de 1926 pintó su primer autorretrato al oleo. Así fue que comenzó a reflejar en sus cuadros los sucesos de su vida y los sentimientos que le producían.

De allí en adelante no paro de pintar.

Frida frecuento muchos ambientes políticos, artísticos e intelectuales. Asistió a las reuniones del Partido Comunista de México donde Diego Rivera militaba desde 1922.

Frida conoció a Diego Rivera a través de su amiga Tina Modotti. Compartió con el varias reuniones a las que asistía con su amiga pero nunca había hablado con el. Un día Frida lo visito mientras el trabajaba en una serie de murales que realizaría para el edificio de la Secretaria de Educación Publica y le mostró algunas de sus pinturas. A Diego le causaron una excelente impresión y la animo a seguir pintando.

La artista se caso con Diego Rivera en 1929. Su relación tuvo amor pero también aventuras con otras personas. Tuvieron ademas un gran vínculo creativo. En 1939 se divorciaron y un año después volvieron a casarse. Por las lesionas que había tenido de joven, Frida nunca pudo tener hijos. A pesar de su deseo de hacerlo, su cuerpo no lo resistiría.

Diego admiraba y amaba la pintura de Frida. Dicen que ella por su parte fue la mayor crítica de Diego.

Separar la vida personal de Frida Kahlo de su obra parece una tarea casi imposible ya que en su temática, en su simbología se ve muy reflejada. Frida es sujeto y objeto de su pintura.

Es difícil clasificarla en una escuela, su obra se caracteriza por tener elementos expresionistas y surrealistas con una temática popular. Aun así Frida expresaba al respecto:
«Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad»

Durante un viaje a Paris Frida logra impresionar a Picasso y a Kandinsky con sus trabajos. Picasso escribió más tarde a Diego Rivera donde expresaba sus elogios hacia Frida: 
 «Ni tú, ni Derain, ni yo somos capaces de pintar un rostro como los que pinta Frida Kahlo de Rivera»

En 1953 en la Ciudad de México se organizó una exposición individual de la artista en la Galería de Arte Contemporáneo, la única durante su vida pero su salud estaba deteriorada y solo pudo asistir en ambulancia en una cama de hospital. Todos quedaron muy impresionados. 

Lamentablemente la artista vivió muchos otros momentos duros, como la amputación de una pierna debido a una infección. Esto la llevo a una gran depresion que la hizo intentar suicidarse en un par de ocasiones.

 

Frida Kahlo muere en Coyoacán en julio de 1954. Sus restos fueron velados en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. Sus cenizas se conservan en la Casa Azul de Coyoacán, el lugar que también la vio nacer.

Frida Kahlo nos dejo una extensa cantidad de obras de una gran belleza a pesar de tratar generalmente temas relacionados con el sufrimiento, con el dolor. Pero a pesar de todo lo que vivió a lo largo de los años, expresa en una de sus ultimas pinturas «¡Viva la vida!» 

Lo que me atrae de ella como artista además del uso que realiza de su paleta es su capacidad de transformar el dolor en arte, de utilizar el arte como una forma de sublimación, de transformación. 

Es interesante también recordarla como una de las primeras pintoras que expresó en su obra la identidad femenina desde su propia óptica. Rechazo la visión de lo femenino que se dibujaba desde el tradicional mundo masculino. Ella fue una artista que contribuyo en la formación de un nuevo tipo de identidad para la mujer y es reconocida, hoy, por muchos, como un símbolo.

Pintura y memoria

Carlos Alonso

Pintura y memoria

El día domingo estuve en el Museo Nacional de Bellas Artes viendo la muestra «Pintura y memoria» de Carlos Alonso. El museo es muy amplio y tiene todo tipo de muestras, algunas permanentes y otras temporales. Vale la pena recorrerlo pero quizás conviene hacerlo en dos o tres salidas distintas para poder observar con tranquilidad cada espacio y poder detenerse a leer la información que cada sala ofrece.
A continuación les contare un poco de lo que pude aprender de él y les mostrare algunas de sus interesantes obras.

Carlos Alonso es un pintor, dibujante y grabador argentino nacido en Tunuyan, Mendoza.  A los catorce años ingresó en la Academia Nacional de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Cuyo donde fue alumno de grandes maestros del arte.
En 1947 recibió su primer premio en el Salón de Estudiantes y en 1953 expuso en la Galeria Viau de Buenos Aires. Gracias a esto, obtuvo los fondos necesarios para viajar a Europa donde expuso su obra en París y Madrid. En 1961 descubre en Londres el acrílico, técnica que luego adoptaría en su pintura.
Realizó múltiples exposiciones tanto individuales como colectivas junto a otros artistas de renombre.

Residió en Argentina hasta que un año después del golpe de Estado de 1976, desaparece su hija. Alli es cuando decide exiliarse en Italia para luego en 1979 trasladarse a Madrid.
Dos años después regresa a Argentina donde realiza numerosas exposiciones.

Silencio

La censura ,1969

La siguiente obra forma parte de la serie dedicada al Che Guevara, donde Carlos Alonso muestra su compromiso social y político. Retomando la conocida obra de Rembrandt, el artista realiza una nueva construcción visual en la que podemos observar el cadáver del Che Guevara con distintos personajes alrededor observándolo y preguntándose por su muerte. 

En 1969 el artista argentino fue convocado a participar de la muestra Panorama de la Pintura Argentina 2, en el Palais de Glace, donde expondría dos de sus obras de «Lección de anatomía» pero la subsecretaria de Cultura de la Nación ordeno retirar las piezas en las que aparecía representado el Che Guevara. Por este acto de censura Alonso decidió cancelar su intervención.

Lección de anatomía. 

Por otra parte, algo que llamo mi atención, fue la reconstrucción de la instalación «Manos anónimas». Esta instalación fue realizada originalmente para ser exhibida en una exposición llamada «Imagen del hombre actual» que tendría lugar en el Museo Nacional de Bellas Artes en 1976 pero que fue suspendida como consecuencia del golpe de Estado. Las imágenes son muy claras en su mensaje.

Manos anónimas – Instalación 1976 / Reconstrucción 2019

La imagen que ven a continuación pertenece al único registro fotográfico conservado de la instalación «Manos anónimas» de 1976 a partir de la cual en la actualidad se realizo su reconstrucción.

Lo que se puede observar en el recorrido de las distintas obras es la recurrente aparición de la carne. Al respecto Andres Duprat (director del museo) expresa:
«En Alonso siempre hay un exceso: de representación, de clausura de la representación, de alegorismo político y de enigma irresuelto. La carne se vuelve violencia, historia del drama argentino que retoma como pesadilla desde la gauchesca del siglo de las montoneras federales hasta los desaparecidos. Pero demás se vuelve carne, materia primaria de la vida que muestra la muerte. Hay cadáveres, una y otra vez. Para que haya Argentina, ha de haber cadáveres (…)»

Sin pan y sin trabajo, 1966

Tres niños, 1968

Mal de amores

Mal de amores n°2, 1986

Pequeña historia, 1966

Juguete rabioso, 1967

Entre las obras que se pueden observar en esta muestra se encuentra una serie de ellas en la que el artista le realiza un homenaje a otros grandes artistas como Lino Enea Spilimbergo y Van Gogh.

El hospital, 1974

La muestra de Carlos Alonso genera muchas sensaciones. Entre colores vívidos se observan imágenes que llevan a la reflexión. Imágenes que tienen que ver con nuestra historia, imágenes de dolor, de censura, de muerte. 
En cuanto a lo técnico es bello observar los gestos de sus pinceladas tanto de acrílico como de oleo. Las paletas de colores que elige utilizar acompañan perfectamente lo que busca expresar ●

Del 12 de abril al 14 de julio.

Una noche distinta en el C. C. Recoleta – Parte II

Una noche distinta en el C. Cultural Recoleta parte II

Como les conté en estos días, el martes por la noche estuve en el Centro Cultural Recoleta.
Hoy paso a dejarles algunas fotos de otras dos muestras que vi ese día en exposición. 

Juguete Rabioso:

En esta muestra participaron todo tipo de artistas: pintores, escultores, tejedores, ceramistas, animadores. En ella se exponen más de 100 juguetes no tradicionales. Quienes componen esta muestra crean juguetes que no están pensados o basados en la lógica comercial, en lo que el mercado exige, sino que fueron creados pensando en interpelar a los niños, en generarles nuevos interrogantes que abran paso al juego. 

Grupo Bondi

Viral mural:

Esta muestra esta compuesta por intervenciones murales realizadas por artistas argentinos y extranjeros que provienen del arte urbano o que reflexionan sobre él. 

Desde hace mucho tiempo los muros de las ciudades han sido utilizados para la expresión de la comunidad, ya sea en forma de protesta, en forma de propaganda política o como practica artística. Estas manifestaciones, al estar plasmadas en las pareces de la ciudad, entran en constante vinculo con quienes transitan por el lugar, buscan «atrapar» sus miradas y muchas veces hasta hacer reflexionar. 

A diferencia de las obras tradicionales que se presentan en el ámbito del museo, a las cuales no todo el mundo tiene acceso, los murales se mezclan con lo cotidiano y podríamos decir que son por lo general de «libre acceso».
Hoy en día hay muchos tipos de propuestas artísticas que conjugan distintas técnicas, ya sea el grafitti, el stencil, la pintura, los afiches callejeros, etc. 

Rodrigo Alonso, curador de esta muestra, expresa:

«La exposición Viral Mural busca poner de manifiesto esta multiplicidad a través del trabajo de algunos destacados protagonistas de este circuito, que actúan tanto en el ámbito nacional como internacional. Mediante intervenciones en lugares destinados a actividades comunitarias, se propone enfatizar, además, que el Centro Cultural Recoleta no sólo es la sede de producciones culturales y artísticas, sino que es, ante todo, un espacio público. 

Murales y pintadas callejeras son antecedentes, por otra parte, de un tipo de expresión que se infiltra hoy en las redes sociales, en memes, tweets, hashtags y acciones virales. La estructura básica de una red como Facebook propone expresarse a través de un “muro”, que incluso otras personas pueden intervenir. Los espacios públicos son cada vez más complejos y expansivos, pero por sobre todas las cosas, debemos celebrar que existan. Ellos aseguran uno de los derechos más genuinos y primordiales de la auténtica vida social.»

⇩ ¿Dónde? ⇩

¡Tomamos el paraíso!

¡Tomamos el paraiso!

Una noche distinta en el Centro Cultural Recoleta

El día lunes comencé hablando sobre cómo encarar la semana cuando lo que nos espera suele ser una rutina de preocupaciones o estrés. No es una fórmula mágica, claro. Solo es una manera de intentar sentirse mejor, de repensar nuestros días, de darnos lugar a nosotros mismos en medio de tanto «deber».
Por eso, ayer a la noche, decidí darme una vuelta por el Centro Cultural Recoleta al cual hacía mucho que no iba. 
Apenas salí del trabajo – había estado durante la tarde pensando en ir a la salida – me sentí cansada y bastante agobiada. Fue un día muy pesado en lo laboral y por un momento pensé «mejor me voy a casa a cenar y dormir». 
Por suerte, mi pareja, quien me habia ido a buscar al trabajo y a quien le habia comentado mi idea de ir a ver las muestras que hoy por hoy se exponen me insistió para que fuésemos y nos distrajeramos un rato. ¡Y así fue! 

Empezamos a recorrer las exposiciones entrando por el ala izquierda. Allí nos esperaba un pasillo aparentemente blanco super luminoso que al entrar, te sorprendía con coloridas ilustraciones en sus paredes.  Al detenerme a observarlas me alegre al ver el mensaje que transmitían. Les muestro algunas imágenes. ☟

Recorriendo los pasillos se puede observar una pegada de afiches e ilustraciones cubriendo las paredes con imágenes y frases que invitan a reflexionar y a formar parte de un cambio que busca ponerle un freno a la subestimación, la desigualdad y los femicidios que cada vez son más.  

¿Cómo surgió el nombre de la muestra?

Para elegir el titulo de la muestra la curadora y artista Irana Douer se inspira en el mito de Lilith. Como muchos sabrán siempre se dice que los primeros humanos en el paraíso fueron Adán y Eva. Pero otra leyenda cuenta que existió una mujer antes de Eva llamada Lilith que fue creada a la par de Adán (no a partir de una costilla de él, como se dice se Eva) y de barro. Lilith era una mujer poderosa y libre. Dicen que esto causó su expulsión del paraíso. Hoy en día su mito no es tan conocido, como si lo es el de Eva, quién es relegada bajo la figura de Adán.
Probablemente la propagación de un relato de una mujer libre, a la par del hombre, hubiese hecho de nuestro mundo un lugar distinto en la actualidad, pero no fue así.
Esta muestra encarna entonces el espíritu libre de Lilith a través de varias artistas feministas que pondrán voz a través de las imágenes a lo que por mucho tiempo fue callado. 

Irana Douer expresa:  «Si Lilith hubiera reclamado su lugar en el paraíso, las cosas probablemente hoy serían muy distintas. Hechas del mismo barro y no de las sobras de una costilla del hombre, las mujeres hubiesen vivido otra historia. Por eso acá estamos las que luchamos, las que reclamamos lo que nos pertenece, desafiamos los límites y vivimos nuestras vidas sin pedir permiso. Somos las hijas de Lilith y venimos a tomar el Paraíso en su nombre.»

«La estrella

Una mujer joven es lo que se ve en la imagen esta a la orilla de un río.

El río se lleva toda la oscuridad del pasado.
Preparándose para un nuevo renacer el cielo está repleto de estrellas, alrededor el terreno es fértil donde todo crece con facilidad.

Las estrellas son también una señal de que no estamos solxs.
Ellas nos iluminan, si levantamos la mirada podremos verlas allí y dejar de sentirnos solxs y abandonadxs.»

Esta muestra me encantó por sus imágenes, sus colores, las hermosas ilustraciones pero sobre todo por el importante mensaje que transmite en una época en la que en distintas partes del mundo las mujeres luchamos para que no haya más femicidios, para poder caminar tranquilas por donde vivimos, por no tener más miedo, por no ser subestimadas, por ser escuchadas.

Realmente espero para las futuras generaciones un mundo en el que las mujeres no sigan muriendo, donde todos podamos caminar hacia delante, uno al lado del otro sin hacer distinciones de genero, sin lastimar al otro. Un mundo con más amor ●

Street Art en Villa Crespo

Street Art en Villa Crespo

Mi día comenzó acompañando a mi novio a tatuarse por la zona de Villa Crespo, uno de los barrios porteños.

Cuando nos conocimos hace diez años, el había comenzado a realizarse un tatuaje en uno de sus brazos. Paso el tiempo y con el la rutina, el trabajo, los vaivenes de la vida misma y nunca se termino el tatuaje.

Hoy, diez años después pudo finalizarlo, con el mismo tatuador de hace diez años.

Cuando salimos del estudio de tatuajes, comenzamos a caminar por el barrio de Villa Crespo.
Allí fue que nos encontramos con un colegio que en sus paredes exteriores le regala al barrio estas obras de arte callejero y sus colores. Los murales fueron realizados por alumnos del taller de Georgina Ciotti.

Artista: Louie Herzog

Artista: Ann Burkiewicz

Mientras yo fotografiaba aquellas obras, mi novio, que en su infancia vivía cerca de Villa Crespo, me contaba que cuando era pequeño muchas tardes corría hacia aquel colegio para ir a jugar al fútbol con sus amigos.

Artista: Pablo Rajs

Seguimos caminando mientras observábamos las pinturas, mientras las fotografiaba. 
Los colores que utilizaron me parecieron hermosos, las paletas muy bien elegidas y las imágenes muy creativas. 

En mi opinión, el arte es importante para la sociedad, para la comunidad y los individuos. El arte nos muestra otra forma de ver el mundo, nos muestra que todo es posible, nos muestra caminos alternativos. Se relaciona con nuestra cultura, con nuestra forma de vivir, de observar, de producir. Se relaciona con nuestro imaginario.
La practica artística nos hace creativos, nos ayuda a abrir la mente, nos permite pensar un mismo objeto, una misma situación, de varias formas diferentes. Resolver problemas de formas creativas.

Por eso me encanta ver en las calles de Buenos Aires arte callejero. Porque acerca a quienes transitan por allí un poco de la magia del arte. Les regalan sus colores, sus formas, sin ninguna pretensión. Da mensajes, muchas veces protesta. Acerca el arte a gente que quizás no suela estar en contacto con el y también a quienes no podemos pensar este mundo sin su existencia.

Artista: Florencia Neve

Artista: Belén Nuñez


Por eso, si llegan a estar por el barrio de Villa Crespo, les sugiero acercarse a los muros del colegio Andres Ferreyra y deleitar su imaginación con sus propios ojos.