Mequitta Ahuja

Mequitta Ahuja

Mequitta Ahuja

Mequitta Ahuja nació en Grand Rapids, Michigan, de padres indios y afroamericanos, provenientes de Nueva Delhi y Cincinnati, respectivamente.
Ahuja creció en una comunidad mayoritariamente blanca en Connecticut y tuvo poco contacto con las comunidades y la cultura afroamericana.

Mequitta Ahuja
Mequitta Ahuja

Acerca de su primer acercamiento al arte, ella misma cuenta que desde pequeña le gustaba todo lo que tuviera que ver con intervenir papel, asi es como comenzo a dibujar.

Ahuja estudió en Hampshire College en Massachusetts y en la Universidad de Illinois en Chicago donde conoció al artista Kerry James Marshall quien compartio algunos de sus conocimientos con ella.

Para crear sus pinturas, Ahuja se basa en un proceso de tres pasos que involucra performance, fotografía y dibujo. Es así que comienza desarrollando una serie de actuaciones que involucran disfraces, accesorios y poses. A las fotografias que obtiene las documenta como «material fuente no ficticio» y las utiliza para la creación de sus autorretratos.

Mequitta Ahuja
Mequitta Ahuja
Mequitta Ahuja
Mequitta Ahuja
Mequitta Ahuja

En su obra podemos observar una presencia femenina asertiva y autosuficiente y con frecuencia recurre a sus raíces afroamericanas y del sur de Asia. Al no haber tenido acercamiento a aquellas comunidades durante su infancia, Ahuja afirma que a través de su arte puede tener relaciones con estos grupos en sus propios términos.

Mequitta Ahuja
Mequitta Ahuja
Mequitta Ahuja
Mequitta Ahuja
Mequitta Ahuja
Mequitta Ahuja
Mequitta Ahuja
Mequitta Ahuja

En su obra tambien mezcla elementos históricos, autobiográficos, y mitológicos.
Ahuja cita su trabajo como «automitografía», una expansión del concepto de «biomitografía» de la feminista Audre Lorde. Ahuja describe la «automitografía» como una «combinación de narrativa personal con mitología cultural y personal».

Mequitta Ahuja
Mequitta Ahuja
Mequitta Ahuja

Ahuja a menudo pinta sobre su propio trabajo, considerando las pinturas fallidas como una oportunidad, que «permite el tipo de cosas que no puedes planificar».

Mequitta Ahuja
Mequitta Ahuja
Mequitta Ahuja

El trabajo de Ahuja se ha exhibido en los Estados Unidos , así como en París , Bruselas , Berlín , India , Dubai y Milán y ha recibido multiples premios.

Isabel Emrich

Isabel Emrich

Hoy quiero contarles un poco sobre esta artista que descubrí casi por casualidad y mostrarles algunas de sus obras que me parecieron muy interesantes y desde mi punto de vista, muy bellas.
Todo lo que tiene que ver con el agua, con el mar, suele atraerme por lo que sus pinturas probablemente llamaron mi atención porque conectaron con algo en mi interior. Y claro, ¿no es acaso eso lo que el arte hace?

Sobre ella

«Me sumerjo totalmente en la experiencia de la pintura y cuando lo hago, estoy conectando con el amor, la alegría y la paz. Tengo una necesidad de entender quién soy y quien es la gente que esta en mi vida. Mis pinturas tienen algo inusual porque expreso la música dentro de mi arte. Elijo los colores como instrumentos y defino el ritmo de la textura con la que voy a cantar las emociones que mi pintura expresara. Me esfuerzo por hacer tangibles las experiencias intangibles a través de mi arte; para hacer lo silencioso, resonar; el sin sabor una explosión de sabor, y lo invisible, visto. Hay sanación para mi en el proceso y a través de mi arte espero que haya sanación para el observador también.» Isabel Emrich

Isabel Emrich es una joven artista de California que trabaja en un estilo expresionista que mezcla abstracción y figuración. Sus pinceladas en óleo son fuertes y fluidas, cualidades que hacen eco de la naturaleza del agua.
En sus pinturas podrán ver como captura a la perfección los efectos que el agua presenta al ojo humano, caóticas refracciones en múltiples planos y espacios, luces brillantes, sombras distorsionadas y mucho más.

En sus obras la artista explora las sensaciones de paz y calma que sentimos cuando nos sumergimos en el agua. A su vez podemos ver el dinamismo del cuerpo moviéndose en ella. Vemos cuerpos flotar y sumergirse. Observamos también el cabello de sus figuras expandirse de una forma sutil y armoniosa.

La paleta de color es variada pero se ajusta perfectamente a las sensaciones que quiere transmitir. 

Espero que les hayan gustado sus obras, siempre es lindo conocer algo nuevo y compartirlo con otros.
Les dejo la página de la artista para quienes la quieran visitar y ver más de sus obras: http://www.isabelemrich.com/ También pueden encontrarla en Instagram, @isabelemrich, donde incluso podrán ver algunos videos mostrando cómo realiza sus pinturas.

¡Arte y barbijos!

¡Arte y barbijos!

El aislamiento social que produjo la pandemia del Covid 19, también llamado Coronavirus, causo un cambio de rutina para la mayoría de nosotros o quizás para todos. Nuestras actividades ya no son las mismas, muchas ya no podemos realizarlas y las que si, probablemente cambiaron sus formas.

Estamos más tiempo en casa, algunos solos, otros en pareja o en familia.
En la tv abundan noticias sobre la pandemia, y en internet también. Pero en el caso de este último, a pesar de que hay de todo, contenido bueno y otro no tan bueno, me alegro ver la cantidad de expresiones artísticas que surgieron. Probablemente expresiones que ya estaban ahí pero que la gente empezó a compartir más o empezó a consumir más.

Hoy les dejo unas imágenes que me llegaron que me parecieron muy creativas. Lamentablemente no pude encontrar el autor de dichas imágenes, pero si alguno lo sabe me gustaría recibir su comentario.

Se trata de imágenes de distintos pintores usando los famosos barbijos y en cada uno de ellos se encuentra una obra de su autoria.

Me parecieron originales y quería compartirlas con ustedes. Tocando en la imagen podrán ver el nombre del artista si no lo conocen. 

Más allá de esta pequeña reseña para mostrárselas, muy pronto, mi idea es poder empezar a compartir con ustedes lo que están realizando distintos artistas en la actualidad. Compartir contenido de valor para nuestro «tiempo libre» creo que puede ayudarnos a llevar mejor entre todos este difícil momento que nos toca vivir. 

Edvard Munch

Frida Kahlo

Gustav Klimt

Michelangelo Merisi da Caravaggio

Pablo Picasso

Salvador Dalí

Vincent Van Gogh

alice bailly arte

Alice Bailly

Hoy:

Alice Bailly

Alice Bailly nació en Ginebra, Suiza en 1872. La familia de Alice era una familia modesta. Lamentablemente, a sus catorce años, sufre la muerte de su padre quien trabajaba en la oficina de correos.
Su madre era maestra de alemán y se ocupo de educar a Alice y sus dos hermanas.

Comenzó sus estudios de arte en la Escuela de Bellas Artes de Ginebra donde asistió a cursos realizados solo para mujeres. 
Más tarde vivió en Munich y luego, en 1906, se traslado a París. Allí Alice tuvo contacto y forjo amistad con varios pintores como Jean Metzinger, Fernand Léger, Juan Gris, Francis Picabia, Sonia Lewitska, Marie Laurencin y Albert Gleizes. Todos estos artistas influyeron tanto en sus obras como en su vida. 

En Paris, Bailly exhibió sus grabados en madera. Allí también se interesó por el fovismo por sus colores intensos, contornos oscuros y sus formas irrealistas.
En 1908 mostró en el Salón de Otoño algunas de sus obras y en 1912 Alice fue elegida representante de los artistas de Suiza para una muestra itinerante de pintores europeos. 

alice bailly arte

En 1914, ideo las «pinturas de lana» (cuadros pintados con lana) los que no quería que fuesen calificados como bordados.
Como la que ven a la derecha, estas pinturas las realizó con hebras cortas de hilos o lana de colores. La forma en la que estos hilos se entrelazan se asemejan mucho a pinceladas.
Esta técnica la utilizo para aproximadamente cincuenta obras que realizo entre 1913 y 1922.

Durante la Primera Guerra Mundial Bailly residio en Suiza donde participó en el movimiento Dadá que surgió allí.

En 1927, Alice pintó su obra más conocida. La obra consta de un autorretrato con un enfoque vanguardista que abarca varios estilos. (Autorretrato que pueden ver al principio de esta entrada)
El mismo fue ejecutado con un estilo tradicional mientras que los tonos rojos, azules y naranjas tienen una influencia fauvista, mientras que las manos, realizadas con lineas arqueadas muestras un estilo que re puede relacionar con el futurismo italiano.

Alice Bailly fue conocida por su particular visión del cubismo y del fauvismo. Pintó notables retratos, paisajes urbanos y campestres, naturalezas muertas y escenas con figuras.
Sus obras presentan una amplia paleta de colores y formas y composiciones de gran dinamismo. 

En el año 1936, se le encargo a la artista decorar el vestíbulo del Teatro de Lausana. Esta tarea le requirió mucho esfuerzo, lo cual la agoto y le genero daños a su salud. En esa época contrajo tuberculosis lo que lamentablemente causo su muerte en 1938.
Luego de su muerte, en 1946 se creo la Fundación Alice Bailly con el objetivo de sostener a jóvenes artistas suizos y franceses. Este fue un deseo de Alice quien pidió en su testamento que el dinero que se obtuviese de la venta de sus obras fuese a un fondo para ayudar a jóvenes artistas ●

Gabriele Münter

Gabriele Münter

Gabriele Münter nació en Berlín en febrero de 1877. Sus padres, quienes tenían una muy buena situación económica apoyaron su educación artística. A los veinte años asistió a una escuela de arte para mujeres en Düsseldorf (Alemania) 
En 1901, luego de un viaje de dos años por Estados Unidos, se estableció en Munich.
En aquel entonces, La Academia de Bellas Artes de Múnich no estaba abierta para las mujeres por lo que tuvo que estudiar en una asociación femenina de pintura que había en la ciudad. 

Pero al poco tiempo Gabriele se aburrió por lo que dejó la asociación para concurrir a la progresiva escuela de arte Phalanx. En ella trabajaba el artista Vasily Kandinsky con quien se comprometió en 1903.

autorretrato gabriele munter

En ese momento Kandinsky seguía casado y se divorció recién en 1911. Vivieron juntos varios años, hasta 1917 y viajaron a varios destinos como Italia, Holanda, Francia, Túnez, entre otros. 
Durante una de sus primeras visitas a Francia Münter conoció las obras de varios fauvistas (entre ellos Henri Matisse) lo que cambió su estilo.
Gabriele se convirtió en miembro fundadora de la Nueva unión de artistas de Múnich (Neue Künstlervereinigung München) iniciada por Kandinsky y que incluía a varios artistas del Blaue Reiter.

El Blaue Reiter fue un grupo de artistas expresionistas, fundado por Vasili Kandinski y Franz Marc en Berlín en 1911 hasta 1913. Este grupo transformó el expresionismo alemán. Sus fundadores defendían la idea de que cada persona posee una verdadera vivencia o experiencia interna y externa, que se dan la mano gracias al arte. A partir de esto Kandinsky construyó las bases teóricas que fundamentaban esta idea.

Durante la Primera Guerra Mundial, Kandinsky tuvo que salir forzadamente de Alemania. A partir de allí Gabriele vivió cinco años (entre 1915 y 1920) en Escandinavia y vio por última vez a Kandinsky en Estocolmo en 1916.

A partir de allí Münter vivió en varios lugares pero lamentablemente por una profunda depresión dejo de pintar.  En 1925, en Berlín, realizo algunos pocos retratos de mujeres hechos a lápiz y recién en el año 1929 en París volvió a impulsar su actividad artística. 

En 1932 regresó a su casa en Murnau (Alemania). Allí vivió con Johannes Eichner (historiador de arte)
Durante ese tiempo Gabriele realizó varias obras abstractas y pintó sobre todo flores. 

Lamentablemente en el año 1937 los nazis le prohibieron exponer su obra. Afortunadamente para el mundo del arte, durante la Segunda Guerra Mundial, Gabriele escondió muchas de sus obras, más de ochenta obras de su amor Vasily Kandinsky y de otros miembros de Der Blaue Reiter. De esta forma la artista las salvo de la destrucción regalándolas más tarde en 1957 a la ciudad de Múnich.  

Gabriele desarrolló un estilo propio, con brillantes colores, formas fuertes y  sólidos delineados.
Esta gran artista falleció en 1962 y la obra de Münter se encuentra en la actualidad en importantes museos del mundo.

La obra de Gabriele Münter es para mí de una gran belleza y expresión, quizás no tan conocida o quizás hasta un poco «opacada» por la figura de su amante Vasily Kandinsky pero demuestra ser una gran artista por si misma y hay que recalcar también que gracias a ella hemos podido conocer obras de otros muchos artistas que hubiesen sido destruidas y desconocidas para nosotros ●

remedios varo

Remedios Varo

Hoy!

Remedios Varo

remedios varo

Hoy les mostraré algunas imágenes de obras de la artista María de los Remedios Alicia Rodriga Varo y Uranga, también conocida como Remedios Varo.

A su vez, para quienes aún no la conocen, les dejare una pequeña biografía. 

remedios varo
remedios varo

Remedios Varo fue una pintora surrealista, escritora y artista gráfica nacida el 16 de diciembre de 1908 en España. Su padre fue Rodrigo Varo y Zejalvo y su madre  Ignacia Uranga y Begareche. Remedios tuvo dos hermanos, Rodrigo y Luis.  
Desde pequeña, la niña, mostró una gran atracción por la pintura. En 1917 la familia viajó Madrid donde Remedios estudio en colegios católicos y luego recibió formación artística. 

Fue una de las primeras mujeres en estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Allí estuvo desde los quince años y compartió tertulias con personajes como Dalí y Garcia Lorca.

Una vez finalizados sus estudios se casó con Gerardo Lizarraga quien había sido compañero suyo en la Academia. Vivieron un año en París y luego se trasladaron a Barcelona.

remedios varo
remedios varo
remedios varo

Allí, en 1932, trabajo como diseñadora publicitaria donde se sumo al grupo surrealista Logicofobista. Este grupo tenía como uno de sus objetivos representar los diferentes estados mentales internos del alma, utilizando distintas formas que sugerían aquellos estados.

Durante la guerra civil española conoció al poeta surrealista Benjamin Péret, quien fue nombrado en las crónicas de la artista como «su gran amor». Por esto, en 1937, rompió su relación con Gerardo Lizarraga y cinco años después viajo a París junto con Benjamin Péret.

Con la llegada de los nazis, Remedios fue detenida por ser la compañera de Péret pero en 1941 lograron exiliarse en México donde pudieron naturalizarse. Allí, Remedios trabajó con otros artistas.

remedios varo
remedios varo
remedios varo
remedios varo
remedios varo

En 1941 se separó de Benjamín Péret quien volvió a París pero siguieron manteniendo el contacto y Remedios lo ayudo económicamente hasta su muerte. 
Luego, la artista viajó a Venezuela donde trabajo como ilustradora entomológica (entomología: parte de la zoología que estudia los insectos) hasta 1949 que volvió a México donde continuó trabajando como ilustradora publicitaria. 

En 1952 se caso con el político refugiado austriaco Walter Gruen quien era gran admirador de su obra y que la convenció de dedicarse totalmente a la pintura brindándole su ayuda económica. 

remedios varo
remedios varo

Durante su estancia en México, Remedios conoció a artistas como Frida Kahlo y Diego Rivera. También creo un gran lazo de amistad con la pintora y escritora surrealista británica Leonora Carrington. 

En 1958 Remedios obtuvo el primer lugar en el Primer Salón de la Plástica Femenina en las Galerías Excélsior.

remedios varo
remedios varo
remedios varo

Como habrán observado en las imágenes, la obra de Varo es muy particular. Nos muestra un mundo donde se mezcla lo místico, lo esotérico, lo mágico y lo científico. Entre sus obras Remedios realiza en 1961 el siguiente tríptico que consta de las obras Hacia la torre, Bordando el manto terrestre La huida. En ellas traduce y muestra su propia historia de vida con una representación surrealista.

remedios varo
remedios varo

El misticismo en las pinturas de Remedios estuvo influido por el psicoanálisis de Sigmund Freud, Carl Jung y Alfred Adler. Esto podemos observarlo en su obra «Mujer Saliendo del Psicoanalista» sobre la cual la artista menciona lo siguiente en una carta a su hermano:

«Esta señora que sale del psicoanalista arrojando a un pozo la cabeza de su padre (como es correcto hacer al salir del psicoanalista). En el cesto lleva otros desperdicios psicológicos: un reloj, símbolo del temor de llegar tarde, etcétera. El doctor se llama Dr. FJA (Freud, Jung, Adler).»

remedios varo
remedios varo

En la obra de Varo aparecen con frecuencia figuras humanas estilizadas realizando tareas simbólicas con elementos pertenecientes al mundo onírico y de los arquetipos. Aparecen también diferentes planos de la realidad: la materia y el espíritu, el mundo animal, el humano y el vegetal.

remedios varo
remedios varo

Lamentablemente Remedios Varo no logro vivir de la pintura, supervivió en parte realizando trabajos como ilustradora publicitaria. Pinto también instrumentos musicales, muebles, decorados. Diseño también trajes y tocados para teatro y ballet junto a su amiga Leonora Carrington.

remedios varo
remedios varo
remedios varo

Remedios Varo falleció el 8 de octubre de 1963 en la Ciudad de México. En este país que la acogió su obra ha tenido un gran impacto en el mundo del arte, Remedios fue allí muy popular. En cambio, en España, a pesar de que su obra fue homenajeada en alguna ocasión en Barcelona, no fue tan conocida. 

A su muerte, el poeta André Breton escribió: “El surrealismo reclama toda la obra de una hechicera que se fue demasiado pronto” 

Diego Rivera

Hoy!

Diego Rivera

Como les conté hace un tiempo en el año 2011 mi madre me hizo para un cumpleaños un regalo muy especial. Un libro de dos tomos llamado «Frida y Diego» de Gerry Souter de la editorial Edimat.

En ese momento les mostré algunas imágenes del libro de Frida Kahlo. Hoy les mostrare imágenes del tomo referido a Diego Rivera y les contare un poco de él.

¿Quién fue Diego Rivera?

Sus padres fueron Diego Rivera Acosta y María del Pilar Barrientos.

Su padre quería que ingresase en el Colegio Militar, pero el quiso tomar clases en la Academia de San Carlos, en la capital mexicana. Allí fue donde conoció al paisajista José María Velasco.
Entre 1905 y 1907 recibe distintas pensiones que le permiten luego viajar a España para realizar estudios de obras de distintos artistas como El Greco y Goya. En España ingresa también al taller de Eduardo Chicharro, un retratista sobresaliente de Madrid.
En 1909 se traslada a París donde conoce a la pintora rusa Angelina Beloff con quien tuvo una relación durante diez años y con quien más tarde tuvo un hijo.

Desde allí hasta 1916 tuvo residencia en distintos países como España, Francia, Argentina, Ecuador, Bolivia, entro otros.
En Francia tiene contacto con varios artistas como Pablo Picasso, Alfonso Reyes y Ramón del Valle Inclán. Allí Diego se acerco al cubismo. Luego, influido por las pinturas de Paul Cezanne se introdujo también en el postimpresionismo. 

En 1920 Rivera abandona Francia para emprender un viaje a Italia donde comenzó a estudiar el arte renacentista.

Diego de regreso en México

En 1921 Diego regresa a Mexico. Allí se encontraba Jose Vasconcelos como secretario de Educación. Rivera participo allí del renacimiento de la pintura mural patrocinado por el gobierno acompañado de otros grandes muralistas como David Alfaro Siqueiros y Jose Clemente Orozco.

En 1922 comenzó a pintar su mural La creación en el interior del Anfiteatro Simón Bolivar de la entonces Universidad Nacional de México.  El tema de este mural es la formación de la raza mexicana y la figura central es un hombre que nace del árbol de la vida. 
En diciembre de ese año Diego se casa con Guadalupe Marin con quien tuvo dos hijas. 

En septiembre de 1922 inicio el fresco en la Secretaria de Educación Pública. En ese mismo año, el artista se afilia al Partido Comunista Mexicano.

A partir de allí comienza también las pinturas y los murales del Palacio de Cortes y en la Escuela Nacional de Agricultura y en el Palacio Nacional de la Ciudad de México donde creo un ciclo narrativo sobre la historia del país.

Hacia 1928 Rivera se divorcia de Guadalupe Marin y contrae luego en 1929 matrimonio con la pintora Frida Kahlo. En ese año Diego es expulsado del Partido Comunista Mexicano.  

Diego y Frida

En el año 1929 se casan Diego y Frida en una ceremonia en Coyoacán. Frida tenía veintidós años y Diego cuarenta y dos. 
Luego de casarse Frida acompaño a Diego tomando un papel de esposa devota. Aprendió a cocinar las comidas preferidas de Diego las cuales preparaba y se las llevaba para el almuerzo al andamiaje mientras él pintaba el famoso mural del Palacio Nacional. Dado que sus tareas como esposa afectuosa le exigían mucho tiempo, Frida dejo de pintar.
No obstante en 1929 logra «ordenar su cabeza» y pinta El bus. En esta obra se representa el interior de un autobús en el que viajan seis pasajeros, un retrato de la vida cotidiana. Esta obra no tiene un tinte dramático. Muestra a cada pasajero inmerso en sus propios pensamientos, sin mirarse entre si. Es como si Frida hubiese podido volver a subirse en un autobús sin sentir miedo. Frida muestra así haber podido seguir con su vida. 

Frida pasaba bastante tiempo viendo trabajar a Diego en sus proyectos. En esos momentos ella le hacia algunas preguntas y hasta alguna critica. A Diego no le molestada esto, sino que muchas veces sus sugerencias le resultaban muy útiles. Diego respetaba los conocimientos artísticos de Frida.

diego sobre frida

Dolor e infidelidades

Más adelante, Frida sufre un aborto en Cuernavaca a los tres meses de su primer embarazo. Luego de ese triste momento Frida descubre que Diego la había estado engañando con una de sus ayudantes. En ese momento pronuncia su conocida frase «He sufrido dos grandes accidentes en mi vida: uno fue un autobús y el otro Diego»

Frida y Diego viajan luego a Estados Unidos. La artista se mantendría en esta posición de esposa sumisa durante un tiempo pero durante los ocho meses que Diego se encontraría trabajando haciendo el mural de la Bolsa de San Francisco ella atravesaría un proceso de cambio.
En Estados Unidos mientras Diego trabajaba, Frida tenia mucho tiempo a su disposición. Diego continuo teniendo algunos amoríos con otras mujeres y Frida cambio de postura y también los tuvo.
En esos tiempos la salud de Frida empezaba a deteriorarse cada vez más. Los médicos le recomendaban a la artista llevar un estilo de vida saludable que apaciguara sus dolores físicos y mentales pero Frida no hizo caso.

Frida decidió volver a concentrarse en su arte y se dedico a pintar nuevamente. 
Una vez que Diego acabo de hacer los murales que le habían encargado, los Rivera regresaron a México. Pero esto no duro mucho tiempo ya que Diego recibió una invitación del Museo de Arte de Nueva York para organizar una retrospectiva de su obra así que nuevamente emprendieron juntos el viaje. 
A poco tiempo de llegar Frida descubre que estaba embarazada, lo cual la alegraba pero también le daba mucho miedo ya que no estaba segura de que su cuerpo pudiese afrontar el embarazo y llevarlo a buen termino. 
Luego de haber hablado con algunos médicos Frida decide continuar con su embarazo pero lamentablemente cuatro meses después sufre un aborto espontaneo. Esto obviamente le causo mucho dolor. Frida quería estar muerta, estaba agotada física y emocionalmente. En ese terrible momento la pintura le serviría como consuelo. Frida logro convertir su depresión y su soledad en actividad creativa.

La relación de Frida y Diego continuaría entre infidelidades, amor, admiración y dolor. En 1939 la pareja se divorcia y un año después vuelven a casarse.

Lee "Un regalo muy especial"

Si aún no lo leiste, te invito a pasar. Te cuento más sobre la vida de Frida Kahlo y cómo este hermoso libro llegó a mi.

Rivera y Rockefeller

Como ya les conté, en 1930 Rivera viaja a Estados Unidos acompañado de Frida donde pinta un mural para el club de la ciudad de la Bolsa de San Francisco y un fresco en la Escuela de Bellas Artes de California. 

En 1933 el conocido Nelsol Rockefeller contrato al pintor para realizar un mural en el vestíbulo de un edificio perteneciente a un conjunto de construcciones que luego se conocería como el Rockefeller Center. Allí Rivera diseño el mural El hombre controlador del universo pero cuando estaba por terminarlo el artista incluyo en el mismo mural un retrato de Lenin que Rockefeller recibió como un insulto por lo que mando más tarde a destruir el mural.

Murales en México

Luego de esto, Rivera, regresa a México donde pinto el mismo mural llamándolo El hombre en el cruce de caminos en el Palacio de Bellas Artes. 

En el mural del Palacio Nacional Diego pinto a sus esposas y amigos. En el mural también aparece Cristina Kahlo, hermana menor de su esposa Frida con quien dicen que Diego habría tenido un amorío. 

En 1953 el artista crea una de sus grandes obras en el Teatro de los Insurgentes en Ciudad de México donde cada una de las imágenes allí representadas se refiere a parte de la historia del país. En el primer plano del mural se observa el teatro, representado por un antifaz y un símbolo en el centro representando el día y la noche como símbolo de la dualidad. Detras se encuentra un escenario donde aparece el comediante popular mexicano Cantinflas recibiendo dinero de las clases altas de la sociedad mexicana y repartiéndolo con las clases mas desprotegidas que se encuentran a su izquierda. Detrás de este escenario podemos observar la antigua Basílica de Guadalupe. 

En el mural también aparecen imágenes de personajes importantes para la historia mexicana como Benito Juarez entre otros. Se pueden observar también imágenes de músicos populares y escenas de la Revolución Mexicana y de la época prehispánica. 

Diego Rivera fallece en noviembre de 1957 en el sur de la Ciudad de México en su casa estudio actualmente conocida como Museo Casa Estudio de Diego Rivera y Frida Kahlo.

☛ A quienes les gusten las obras de estos grandes artistas mexicanos les recomiendo mucho este libro. Las imágenes tienen una gran calidad y hay muchas obras que incluso en internet no se encuentran. Ademas de esto cuentan con textos super interesantes sobre las vidas de ambos artistas que son tantos y tan extensos que sería imposible contarles sobre todos aquí. A continuación y para finalizar les dejo algunas imágenes más de obras de Diego Rivera.

Imagenes de obras de Diego Rivera

pablo cedron

Pablo Cedrón: la obra secreta.

HOY!

Pablo Cedrón: la obra secreta.

pablo cedron

El día sábado visite en la «Casa Nacional del Bicentenario» la muestra «La obra secreta» del actor y guionista argentino Pablo Cedrón, fallecido en el año 2017.

Llegue a la muestra casi de casualidad. Había ido para ver la obra de un grabador argentino y cuando ingrese al lugar me comentaron que había en exposición varias muestras, entre ellas la de Pablo Cedrón, quien para mi hasta ese momento era conocido solo como actor. 

pablo cedron

Al ingresar a la sala de exposición, situada en el segundo piso, me lleve una gran sorpresa. Al principio no comprendía bien, porque como les comente, para mi Pablo Cedrón era un actor argentino que sabia ya había fallecido.

Comencé a recorrer la sala, encontrándome para mi sorpresa con pinturas de todo tipo, realizadas con distintas técnicas, de grandes y pequeños formatos, pero sobre todo pinturas que contaban historias. Pinturas que en su esquina derecha inferior presentaban la firma «Cedrón». Comprendí entonces que estaba frente a una faceta para mi y seguramente para muchos desconocida de este gran actor. 

Pequeña biografía

Al ingresar a la muestra encontramos el siguiente texto, una pequeña biografía escrita por él mismo:

Mi nombre es Pablo Cedrón, me dediqué a varios oficios: gastronomía, fui guía del parque Nacional Los Glaciares, guía de cabalgatas, cazador, actor, guionista, trabajé en el campo, viví ocho años en París donde también me desempeñé en gastronomía, pintura de casas, fabricación de fijador para el cabello, carpintería. Muchas de esas actividades constituyen los temas que elegí para pintar, cosa que empecé a hacer a fines del 2009. Aunque nunca estudié artes ni participé de exposiciones ni fui a taller alguno de chico me gustaba el dibujo aunque no desconozco que debiera recibir algún tipo de formación”.

pablo cedron
pablo cedron

Comencé a recorrer la muestra sin ninguna idea de lo que encontraría. Me intereso ver que entre las distintas pinturas también había textos que en mi caso me ayudaron a acercarme al pensamiento y sentimiento del artista.

pablo cedron
pablo cedron

«Tenemos algo que nos une a ese lugar. Yo ya habia soñado con ese lugar hace muchos años cuando estaba en Francia, ante de conocerlo, tenía 16 o 17 años y  nunca habia estado en el sur, pero si tenia algunos sueños recurrentes con superficies enormes con lagos, mesetas; yo las veía desde muy arriba y muchos troncos blancos. Cuando la conocí me dí cuenta que era eso»

pablo cedron
pablo cedron
pablo cedron
pablo cedron

Cuadernos y bocetos

En una vitrina se presentaban, como verán en la imagen siguiente, algunos cuadernos con bocetos y escritos del artista.  

pablo cedron
pablo cedron

Por otro lado se observaba un storyboard realizado para el cortometraje «El ojo de la sardina» escrito por Cedrón y Paula Manzone. A su vez, se trata de un extracto de la película «El pájaro de fuego» que relata su historia personal. Ambas piezas se encuentran inéditas. 
Me fue muy interesante ver, que lamentablemente no se aprecia tanto en las fotos, el detalle de cada una de las imágenes, la paleta de colores que utilizó para crear un clima especial, el clima que necesitaba cada escena.

pablo cedron

Aquí vemos bocetos de escenografía/vestuario y personajes para la obra «Jamel», teatro sin animales, realizados en acuarela. En cada uno de ellos se ve la dedicación y la pasión que claramente le ponía el actor a sus proyectos.

pablo cedron
pablo cedron

En estas fotos verán los bocetos y la versión final del diseño gráfico de la obra, a cargo del historietista e ilustrador Lucas Varela. También hay fotografías de la puesta en escena de la obra, que se realizó en la Ciudad Cultural Konex y en el teatro Lorange. En el centro, fragmentos de textos intervenidos durante los ensayos.

pablo cedron
pablo cedron

En el centro de la sala se encontraba la maqueta de la escenografía de la obra y mascaras utilizadas por los personajes. En la fotografía no se observa tan bien pero los detalles de la maqueta son increíbles. 

Otra de las cosas que descubrí del actor Pablo Cedrón al recorrer la muestra es que vivió en Calafate y fue guía de parques nacionales. Aquí pueden verse varias pinturas de esos paisajes.

pablo cedron

Fui hasta Río Gallegos con otro guía a buscar un contingente de suizos que llegaban, hay que salir a las seis de la mañana a buscarlos al aeropuerto y traerlos al Calafate, creo que debe ser el traslado de turistas hasta el hotel más largo del mundo, el aeroparque esta a trescientos km, regresas a la noche totalmente regalado, cruzas toda Patagonia, el día siguiente los llevas hasta el glaciar Perito Moreno. Había un gallego que se empeñaba en llamarlo Perico Moreno y no hubo forma de hacerle entender el proceso de ruptura ni siquiera cuando estuvo frente al glaciar, creía que cada cuatro años todo el glaciar, desde su nacimiento hasta su frente, unos 35km, se derrumbaba, quién sabe por qué extraño sortilegio, como si de gigantescos palos de bowling se tratase y volvieran a emerger de la nada cuatro años más tarde a la manera de hongos silvestres. Pero fuera de todo comentario jocoso debo decirte que el espectáculo del Moreno es algo impresionante, no podes dejar de verlo, ojalá tengas la ocasion de venir a conocer, no se puede expresar con palabras, yo he ido varias veces, noventa metros de alto que a veces pierde pedazos grandes como vagones de ferrocarril que van a estrellarse en el canal con un estruendo que se escucha a kilometros, cóndores por aca, guanacos por alla, en fin, una maravilla.

Fragmento de una carta a su primo Román Cedrón.
Calafate, 3 de octubre 1990.

pablo cedron
pablo cedron
pablo cedron
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Otra faceta de la cual habla la muestra, es quizás la faceta más conocida de este artista, la faceta actoral. Las distintas pinturas nos acercan nuevamente a su forma de ver su tarea como actor y también sobre el ambiente actoral, los representantes de actores, los actores mismos, los extras. Se cuenta en la muestra que Cedrón tenia una fascinación por lo personajes marginales, en este caso los extras, los olvidados de la industria del entretenimiento, personas/personajes que se utilizan de relleno, ahí él decidió hacer foco y capturar su esencia.

 
pablo cedron

Como siempre la película está fuera de cuadro. Extras, rostros de tenacidad y trabajo y poseedores de una nobleza que ignoran, inocencia, costumbres de morondanga y pasiones paganas que jalonan el sendero de sus vidas castas y dignas, perros que entran por la ventana, ruinas grandiosas del eterno «podría haber sido» de nuestra Argentina, paisaje desesperado de planeta, paisaje de la postergación y la indiferencia, paisaje que no alcanza a ser dramático no obstante caber en él el modesto drama de nuestras existencias actorales.

Febrero 17, 2015.

pablo cedron

Hoy entrevista con otro señor que afirma ser representante de actores. No tengo palabras para expresar la mala impresión que me causa. Hay en su oficina un ligero pero persistente olor a talco que me recuerda constantemente a mi abuelo Martín, aunque mi abuelo solo usaba talco en los zapatos cada vez que emprendía un viaje a Buenos Aires. El representante habla y habla con conceptos imprecisos y gomosos destacando sus profundos conocimientos en la materia y cantidad de contactos que maneja en el fascinante mundo del periodismo. Sé que cuando termine de hablar me dirá que lo pensemos y que luego nos comuniquemos, sé que ninguno de los dos lo hará. Me dejo llevar por el olor a talco y éste me conduce hacia unas figuras inciertas que ondulan en un cuadro muy feo detrás de su cabeza. Las figuras, el talco, mi abuelo. De golpe se me aparecen con intensidad los dibujos animados que mi abuelo me llevaba a ver al cine, estaban musicalizados con jazz y allí dentro de las personas de raza negra se movían y bailaban con cadencias ondulantes como las formas de este cuadro. ¿Por qué no vi nunca fantasmas de raza negra? Tiene que haber. Éste hombre también es muy gomoso, pero sin ninguna gracia y también es un fantasma pero que da risa, si miente así ahora que recién me conoce qué no hará a los seis meses de trabajar juntos.

pablo cedron
pablo cedron
pablo cedron
pablo cedron

Maqueta de una ciudad

Otra parte que me sorprendió gratamente  de esta muestra fue esta maqueta de una ciudad. Llamaron mi atención los detalles de las ventanas de los edificios, de las puertas, los pequeños faroles, todo de una minuciosidad que admiro de algunos artistas.

pablo cedron
pablo cedron

Adjuntos a cada obra, como ya leyeron, en la exposición se exhibían escritos del actor que nos permiten acercarnos a su pensamiento y sentir, muchos de esos textos me resultaron algo tristes pero a pesar de ello me parecieron muy bellos.

«Con unas cajitas, de mis antidepresivos vacíos, hice unas casas. Esto después se hizo un pueblo y despues una ciudad… Concebí una sociedad imaginaria, del futuro, cruel, diferente, absurda, hostil, en la que está prohibida la música y el humano es un ser confundido y desamparado que aceptó lo absurdo como normal y lo normal como utopía, que pugna por encontrar un sentido a su camino lleno de dolorosos disparates.»

pablo cedron
pablo cedron
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pablo cedron
pablo cedron
pablo cedron

«En estación Pueyrredón un hombre se ha arrojado a las vías y el tren hizo el resto.
Gran aglomeración y se interrumpe el servicio. Tendré que bajar y tomar la otra línea que queda lejos. Al bajar, en el amontonamiento humano que pugna por ganar la escalera mecánica alcanzo a ver parte del cuerpo del desdichado. Hay poca sangre, lo que a veces resulta todavía más impresionante, un pequeño reguero de un metro de largo, se aprecia que el chorro salió a presión y ha dejado una especie de efecto spray, el cuerpo ha sido rápidamente cubierto por una caja de cartón de papas Pehuamar. Asoma un pie con un zapato, observo que el mismo es de la marca que promociona Pablo Echarri.
Llego tarde al representante que no ha tenido paciencia para esperar veinte minutos y se ha ido.»

pablo cedron

«Hay un bandoneonista en uno de los corredores del subte. Toca del mismo modo que tantos otros, luego de pasar por su interior, la música sale tal como él la va leyendo en la partitura, no hay una sola imagen, un momento particular, una intimidad, una opinión.
No he vuelto a escuchar nunca más el fraseo y el sonido de los bandoneones de mi niñez. Se ha perdido todo aquello y no se si felicitarme o ponerme triste por haberlo conocido porque cuando hayamos muerto los que fuimos testigos de eso, habrán muerto nuevamente esos hombres.»

pablo cedron

Además de ser actor, guionista y pintar, Cedrón también practicó boxeo y tocaba la trompeta. Era un gran admirador del jazz.

pablo cedron
pablo cedron boxeo

El lunes me pondrán un aparato colgado que deberé llevar veinticuatro horas. Es para saber. Saber del corazón. Saber cuánto dolor aún puede resistir el corazón.
Mi existencia amenaza siempre con el vacío, sin emociones, con muy poca expectativa. Falto también de deseo vital, converso únicamente con Reno Dragonziuk, el policía de la esquina. No tengo siquiera una doble vida, para eso primero habría de tener una.

pablo cedron

A continuación observaran algunos afiches de películas en las que participó.

Pablo Cedrón participo también como actor en muchos programas que en Argentina fueron muy conocidos como: Cha Cha Cha, Carola Casini, Campeones, Tiempo final, Malandras, Sin código, Mujeres asesinas, Sos mi vida, Historia de un clan, Farsantes, entre otros.

pablo cedron peliculas

Para finalizar quiero decir que me hubiese gustado conocer la obra de este artista antes. Él nunca realizo ninguna muestra, esta se realiza ya habiendo fallecido, lo cual es una pena porque creo que de haberla hecho en vida hubiese recibido muchos buenos comentarios y siempre es grato cuando uno puede mostrar lo que hizo con tanta pasión y dedicación. 

Lo que rescato de su obra es la continua reflexión, la forma de componer, la paleta que utilizaba, el compromiso. Claramente lo actoral se entrevera en su forma de componer, de crear ciertos climas en sus imágenes, casi como si se tratara de la fotografía de una película. 

Me llaman la atención y me gustan los artistas que logran trasmitir a través de su obra. Me interesan mucho también aquellos artistas integrales. Aquellos que no solo nos dejan imágenes sino que también nos dejan escritos, dejan su historia plasmada de distintas formas, que muestran en su arte su pasión y muchas veces su dolor.

Lamentablemente esta muestra al día siguiente finalizaba, por lo que no puedo recomendarles que vayan a verla, pero les traigo algunas imágenes, que no son lo mismo que ver la muestra «en vivo» pero que es una forma de compartir lo que tanto me agrado y sorprendió ver esta exposición. Ojala vuelvan a mostrarla en alguna otra ocasión y tengan la oportunidad de verla •

pablo cedron
Yves Klein

¿Conoces a Yves Klein?

Hoy!

Yves Klein

Yves Klein

En el año 2017 se realizo en Fundación Proa (Buenos Aires, Argentina) una exposición del artista francés Yves Klein. A ella concurrí sin saber de qué se trataba. 

Estudié Artes Visuales por lo que al ver obras hay ciertos aspectos técnicos que puedo llegar a conocer o que no puedo obviar al verlas. Pero siempre me pregunto qué observaran o qué les llamará la atención a aquellos que por ahi no tienen conocimiento o interés acerca de lo técnico. 

Yves Klein

Porque el arte tiene que ver también con la contemplación y algunas veces con la participación. En el caso de obras que no permiten la interacción del público, solo queda observar. 
En mi caso, al observar la obra de Yves Klein, sin pensar en lo técnico, verla me produjo cierta intriga, porque sin dudarlo es diferente, y curiosidad al observar esos inmensos lienzos de aquel color azul vibrante. 

Es común querer «entender» las obras de arte. Cuando uno crea su obra es común recibir preguntas como «¿y con eso que quisiste decir?» o «¿qué significa?» sobre todo cuando son no figurativas. Y cuando uno crea obviamente esta pensando en algo, uno tiene un concepto que quiere plasmar o representar, pero no necesariamente el observador debe conocer ese «detrás de bambalinas». La obra debe decir por si misma y de alguna forma no importa si «entendimos bien». 

A pesar de esto, es de utilidad para quienes buscan de todas formas «entender» (porque siempre queremos entender) o saber más de una obra, conocer el contexto histórico-cultural en el que se produjo, conocer sobre el artista, sus motivaciones, sus ideales, muchas veces su formación, etc. Esto nos ayudara a respondernos algunos por qué si nos interesa profundizar y no quedarnos solamente con lo que nos produjo la obra al verla. 
Por esto, además de mostrarles algunas fotos que saqué en la exposicion, hoy les contaré un poco acerca de la vida de Yves Klein.

Yves Klein fue un artista francés que nació en 1928 en Niza. Es considerado una importante figura dentro del movimiento neodadaísta.
Sus padres también fueron pintores. Klein estudió en la «Escuela Nacional de la Marina Mercante» y en la «Escuela Nacional de Lenguas Orientales» En esa época comenzó a pintar.
Se dice que a los diecinueve años, estando en la playa con dos amigos (Arman Fernández y Claude Pascal) decidieron dividir el mundo entre ellos. Uno de sus amigos eligió la tierra, otro las palabras, y Klein escogió el espacio etéreo que rodeaba el planeta. Aquello daría sentido luego a su arte. la búsqueda por alcanzar el lejano lado del infinito.
En el 1947, Klein compuso su primera Sinfonía monótona. La misma consiste en el sonido de un acorde sostenido durante 20 minutos seguido de 20 minutos de silencio. Se la considera un precedente de la obra 4’33» de John Cage.
El artista practicaba además judo y utilizo las técnicas del mismo para pintar.

Yves Klein
Yves Klein
Yves Klein
Yves Klein

Sus primeros trabajos fueron pinturas monocromáticas en una amplia variedad de colores. Entre ellos utilizo el color rosa, el dorado y el azul y cada color tenía un significado.

Para su producción artística experimentó utilizando diferentes herramientas para aplicar la pintura en el soporte. Utilizo rodillos, esponjas y hasta cuerpos de mujer cubiertos de pintura como pincel. A este ultimo tipo de trabajo lo llamo «antropometría» Por otro lado realizo también grabaciones de lluvia y de su propia voz hablando sobre su obra.

A principios de 1957 realizó en Milán su exposicion Proposte Monocrome, Epoca Blu. La misma consistía en 11 idénticas obras azul ultramarino. Para la creacion del famoso azul Klein utilizaba una resina sintética que al ser mezclada con el oleo conservaba el brillo del pigmento azul.

Yves Klein arte

Esta exposicion tuvo tanto éxito que también se expuso en París, Düsseldorf y Londres. Para la inauguracion de la exposición de París se lanzaron 1001 globos azules y Klein mandó postales azules con sellos del mismo color. Yves patento el azul intenso que utilizaba y lo llamo International Klein Blue (IKB).

Yves Klein murió en Paris en 1962 sin poder conocer a su hijo que nació poco después.

Yves Klein
Yves Klein

La muestra en Fundación Proa presentó las primeras pinturas monocromaticas de Klein, sus célebres cuadros de azul IKB, las pinturas de fuego, Las Cosmogonías, sus esculturas de esponjas y las obras en oro.

Yves Klein

Antropometría sin título – 1960

Yves Klein
Yves Klein

Las esculturas realizadas en esponja se encontraban colocadas en distintas bases de un blanco inmaculado que las hacia resaltar no solo por sus colores sino por sus texturas.Las esponjas naturales fueron para el artista un descubrimiento y lo fascinaron por su poder de absorción del color. Klein explicaba que las esculturas de esponjas podrían ser una metáfora del arte  y de como deseaba que el espectador se impregne de sensibilidad frente a sus monocromos.

Yves Klein
Yves Klein

Esta obra me sorprendió al verla, el hombre pareciera estar saliendo del lienzo dorado. Por otra parte el azul intenso no deja de llamar tu atención durante todo el recorrido de la muestra. Es muy vibrante y «limpio».

Yves Klein
Yves Klein
Yves Klein
Yves Klein

Para Pinturas de fuego Klein realizó experimentaciones de distinto tipo: por medio de la combustión directa sobre cartón, vertiendo agua sobre el soporte para que la acción de las llamas imprimiera los trazos del agua, combinando además Antropometrías y manchas de color. Buscando la inmaterialización del arte, el fuego significo un paso más cerca del vacío en donde este, para Klein, arde constantemente.

Yves Klein

Esta muestra me mostró una vez más que el mundo del Arte es infinito y que en el podemos encontrar infinitas y diversas miradas sobre lo que nos rodea. 

Yves Klein

☟ Fundación Proa se encuentra en el barrio de La Boca. A continuación les dejo el mapa para quienes quieras visitar futuras exposiciones.

Un regalo muy especial.

Un regalo muy especial

Hace unos años, aproximadamente en el 2010, vi en un stand de la feria del libro que se realizo en Buenos Aires dos libros titulados “Frida Kahlo & Diego Rivera”. Uno comprendía la historia e imágenes de las obras de la famosa pintora mexicana y el otro las del muralista y pintor que fue su pareja. Eran dos libros grandes y pesados, con una calidad de imágenes hermosas pero en ese momento yo no tenía suficiente dinero para comprarlos, los libros de arte suelen ser bastante caros. 
Recuerdo que cuando llegue a casa ese día, le conté a mi tía abuela del hallazgo, y sobre lo mucho que me gustaba aquel libro. Ella había sido vendedora de libros en alguna época por lo que le interesaban mucho.

 

En el año 2011 falleció, lo cual fue un hecho muy triste para mi ya que había compartido toda mi vida con ella y la quería mucho. De ahí en adelante toda la familia la extrañaría.

El día de mi cumpleaños de ese año, el primer cumpleaños que pasaba sin ella, mi mamá me hizo un regalo muy especial. Me contó que cuando mi tía abuela aun se encontraba con nosotras, había estado ahorrando dinero para poder regalarme aquellos libros que tanto me habían gustado. Mi mamá había encontrado el dinero en un monedero junto con un papel en el que se encontraba escrito el nombre del libro para no olvidarlo. Así fue que en ese cumpleaños se encargo de continuar con el deseo de mi tía abuela y me hizo este hermoso regalo que siempre me recordará el enorme cariño que me tenía.

Son dos libros que amo, por eso hoy les muestro algunas imágenes del tomo que pertenece a Frida Kahlo, más adelante les mostraré el de Diego Rivera.

Probablemente muchos de ustedes ya la conozcan pero les contare un poco sobre quién fue.
 

Frida Kahlo fue una pintora mexicana nacida en Coyoacán en 1907.
Su vida estuvo atravesada por bastante sufrimiento físico y enfermedades. En 1913 contrajo poliomielitis lo que la obligo a permanecer nueve meses en cama y le dejo algunas secuelas. Por su limitación motriz y sus constantes tratamientos médicos Frida no tuvo demasiado contacto con otros niños. Por eso cuando fue adulta pinto varios cuadros que reflejaban esa soledad que sintió en su infancia. Entre ellas esta la siguiente obra «Niña con mascara de muerte». Si bien esta obra tiene que ver también con el Día de los Muertos que se celebra en México también se comenta el sentimiento de soledad y cierta fragilidad que genera la niña representada en este cuadro.

En 1922 Frida ingreso a la Escuela Nacional Preparatoria de Ciudad de México. Esta era una prestigiosa institución que hacia muy poco había comenzado a incluir estudiantes de sexo femenino. En esta escuela conoció a futuros artistas e intelectuales mexicanos y formo parte de un grupo llamado «Los Cachucas» (denominados así por las gorras que usaban) En el había solo dos mujeres, Carmen Jaime y Frida, el resto eran hombres.
El grupo se definía como un grupo político de rebeldes. Criticaban la autoridad y protestaban contra las injusticias.

En 1925 ocurrió un hecho que una vez más marcaría su vida con sufrimiento físico. En septiembre de ese año Frida viajaba en un autobús cuando el mismo fue arrollado por un tranvía quedando aplastado contra un muro y completamente destruido. Dicen que un pasamanos la atravesó y su columna vertebral quedo fracturada en tres partes entre otras heridas de gravedad en sus costillas, clavicula, pelvis, hombros, pies y cadera. Esto la llevo a múltiples operaciones quirúrgicas y a utilizar corses de yeso y de otros tipos.
Antes del accidente Frida ya había comenzado a incursionar en el dibujo pero aún no había mostrado mayor interés por la pintura ni por las artes visuales.
Tras el accidente debió moverse lo menos posible para lograr sanarse. Es allí donde la pintura aparece para tomar un lugar importantisimo en su vida. Durante este largo periodo de sufrimiento y reposo Frida comenzó a pintar de manera más asidua
. En septiembre de 1926 pintó su primer autorretrato al oleo. Así fue que comenzó a reflejar en sus cuadros los sucesos de su vida y los sentimientos que le producían.

De allí en adelante no paro de pintar.

Frida frecuento muchos ambientes políticos, artísticos e intelectuales. Asistió a las reuniones del Partido Comunista de México donde Diego Rivera militaba desde 1922.

Frida conoció a Diego Rivera a través de su amiga Tina Modotti. Compartió con el varias reuniones a las que asistía con su amiga pero nunca había hablado con el. Un día Frida lo visito mientras el trabajaba en una serie de murales que realizaría para el edificio de la Secretaria de Educación Publica y le mostró algunas de sus pinturas. A Diego le causaron una excelente impresión y la animo a seguir pintando.

La artista se caso con Diego Rivera en 1929. Su relación tuvo amor pero también aventuras con otras personas. Tuvieron ademas un gran vínculo creativo. En 1939 se divorciaron y un año después volvieron a casarse. Por las lesionas que había tenido de joven, Frida nunca pudo tener hijos. A pesar de su deseo de hacerlo, su cuerpo no lo resistiría.

Diego admiraba y amaba la pintura de Frida. Dicen que ella por su parte fue la mayor crítica de Diego.

Separar la vida personal de Frida Kahlo de su obra parece una tarea casi imposible ya que en su temática, en su simbología se ve muy reflejada. Frida es sujeto y objeto de su pintura.

Es difícil clasificarla en una escuela, su obra se caracteriza por tener elementos expresionistas y surrealistas con una temática popular. Aun así Frida expresaba al respecto:
«Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad»

Durante un viaje a Paris Frida logra impresionar a Picasso y a Kandinsky con sus trabajos. Picasso escribió más tarde a Diego Rivera donde expresaba sus elogios hacia Frida: 
 «Ni tú, ni Derain, ni yo somos capaces de pintar un rostro como los que pinta Frida Kahlo de Rivera»

En 1953 en la Ciudad de México se organizó una exposición individual de la artista en la Galería de Arte Contemporáneo, la única durante su vida pero su salud estaba deteriorada y solo pudo asistir en ambulancia en una cama de hospital. Todos quedaron muy impresionados. 

Lamentablemente la artista vivió muchos otros momentos duros, como la amputación de una pierna debido a una infección. Esto la llevo a una gran depresion que la hizo intentar suicidarse en un par de ocasiones.

 

Frida Kahlo muere en Coyoacán en julio de 1954. Sus restos fueron velados en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. Sus cenizas se conservan en la Casa Azul de Coyoacán, el lugar que también la vio nacer.

Frida Kahlo nos dejo una extensa cantidad de obras de una gran belleza a pesar de tratar generalmente temas relacionados con el sufrimiento, con el dolor. Pero a pesar de todo lo que vivió a lo largo de los años, expresa en una de sus ultimas pinturas «¡Viva la vida!» 

Lo que me atrae de ella como artista además del uso que realiza de su paleta es su capacidad de transformar el dolor en arte, de utilizar el arte como una forma de sublimación, de transformación. 

Es interesante también recordarla como una de las primeras pintoras que expresó en su obra la identidad femenina desde su propia óptica. Rechazo la visión de lo femenino que se dibujaba desde el tradicional mundo masculino. Ella fue una artista que contribuyo en la formación de un nuevo tipo de identidad para la mujer y es reconocida, hoy, por muchos, como un símbolo.