alice bailly arte

Alice Bailly

Hoy:

Alice Bailly

Alice Bailly nació en Ginebra, Suiza en 1872. La familia de Alice era una familia modesta. Lamentablemente, a sus catorce años, sufre la muerte de su padre quien trabajaba en la oficina de correos.
Su madre era maestra de alemán y se ocupo de educar a Alice y sus dos hermanas.

Comenzó sus estudios de arte en la Escuela de Bellas Artes de Ginebra donde asistió a cursos realizados solo para mujeres. 
Más tarde vivió en Munich y luego, en 1906, se traslado a París. Allí Alice tuvo contacto y forjo amistad con varios pintores como Jean Metzinger, Fernand Léger, Juan Gris, Francis Picabia, Sonia Lewitska, Marie Laurencin y Albert Gleizes. Todos estos artistas influyeron tanto en sus obras como en su vida. 

En Paris, Bailly exhibió sus grabados en madera. Allí también se interesó por el fovismo por sus colores intensos, contornos oscuros y sus formas irrealistas.
En 1908 mostró en el Salón de Otoño algunas de sus obras y en 1912 Alice fue elegida representante de los artistas de Suiza para una muestra itinerante de pintores europeos. 

alice bailly arte

En 1914, ideo las “pinturas de lana” (cuadros pintados con lana) los que no quería que fuesen calificados como bordados.
Como la que ven a la derecha, estas pinturas las realizó con hebras cortas de hilos o lana de colores. La forma en la que estos hilos se entrelazan se asemejan mucho a pinceladas.
Esta técnica la utilizo para aproximadamente cincuenta obras que realizo entre 1913 y 1922.

Durante la Primera Guerra Mundial Bailly residio en Suiza donde participó en el movimiento Dadá que surgió allí.

En 1927, Alice pintó su obra más conocida. La obra consta de un autorretrato con un enfoque vanguardista que abarca varios estilos. (Autorretrato que pueden ver al principio de esta entrada)
El mismo fue ejecutado con un estilo tradicional mientras que los tonos rojos, azules y naranjas tienen una influencia fauvista, mientras que las manos, realizadas con lineas arqueadas muestras un estilo que re puede relacionar con el futurismo italiano.

Alice Bailly fue conocida por su particular visión del cubismo y del fauvismo. Pintó notables retratos, paisajes urbanos y campestres, naturalezas muertas y escenas con figuras.
Sus obras presentan una amplia paleta de colores y formas y composiciones de gran dinamismo. 

En el año 1936, se le encargo a la artista decorar el vestíbulo del Teatro de Lausana. Esta tarea le requirió mucho esfuerzo, lo cual la agoto y le genero daños a su salud. En esa época contrajo tuberculosis lo que lamentablemente causo su muerte en 1938.
Luego de su muerte, en 1946 se creo la Fundación Alice Bailly con el objetivo de sostener a jóvenes artistas suizos y franceses. Este fue un deseo de Alice quien pidió en su testamento que el dinero que se obtuviese de la venta de sus obras fuese a un fondo para ayudar a jóvenes artistas ●

Gabriele Münter

Gabriele Münter

Gabriele Münter nació en Berlín en febrero de 1877. Sus padres, quienes tenían una muy buena situación económica apoyaron su educación artística. A los veinte años asistió a una escuela de arte para mujeres en Düsseldorf (Alemania) 
En 1901, luego de un viaje de dos años por Estados Unidos, se estableció en Munich.
En aquel entonces, La Academia de Bellas Artes de Múnich no estaba abierta para las mujeres por lo que tuvo que estudiar en una asociación femenina de pintura que había en la ciudad. 

Pero al poco tiempo Gabriele se aburrió por lo que dejó la asociación para concurrir a la progresiva escuela de arte Phalanx. En ella trabajaba el artista Vasily Kandinsky con quien se comprometió en 1903.

autorretrato gabriele munter

En ese momento Kandinsky seguía casado y se divorció recién en 1911. Vivieron juntos varios años, hasta 1917 y viajaron a varios destinos como Italia, Holanda, Francia, Túnez, entre otros. 
Durante una de sus primeras visitas a Francia Münter conoció las obras de varios fauvistas (entre ellos Henri Matisse) lo que cambió su estilo.
Gabriele se convirtió en miembro fundadora de la Nueva unión de artistas de Múnich (Neue Künstlervereinigung München) iniciada por Kandinsky y que incluía a varios artistas del Blaue Reiter.

El Blaue Reiter fue un grupo de artistas expresionistas, fundado por Vasili Kandinski y Franz Marc en Berlín en 1911 hasta 1913. Este grupo transformó el expresionismo alemán. Sus fundadores defendían la idea de que cada persona posee una verdadera vivencia o experiencia interna y externa, que se dan la mano gracias al arte. A partir de esto Kandinsky construyó las bases teóricas que fundamentaban esta idea.

Durante la Primera Guerra Mundial, Kandinsky tuvo que salir forzadamente de Alemania. A partir de allí Gabriele vivió cinco años (entre 1915 y 1920) en Escandinavia y vio por última vez a Kandinsky en Estocolmo en 1916.

A partir de allí Münter vivió en varios lugares pero lamentablemente por una profunda depresión dejo de pintar.  En 1925, en Berlín, realizo algunos pocos retratos de mujeres hechos a lápiz y recién en el año 1929 en París volvió a impulsar su actividad artística. 

En 1932 regresó a su casa en Murnau (Alemania). Allí vivió con Johannes Eichner (historiador de arte)
Durante ese tiempo Gabriele realizó varias obras abstractas y pintó sobre todo flores. 

Lamentablemente en el año 1937 los nazis le prohibieron exponer su obra. Afortunadamente para el mundo del arte, durante la Segunda Guerra Mundial, Gabriele escondió muchas de sus obras, más de ochenta obras de su amor Vasily Kandinsky y de otros miembros de Der Blaue Reiter. De esta forma la artista las salvo de la destrucción regalándolas más tarde en 1957 a la ciudad de Múnich.  

Gabriele desarrolló un estilo propio, con brillantes colores, formas fuertes y  sólidos delineados.
Esta gran artista falleció en 1962 y la obra de Münter se encuentra en la actualidad en importantes museos del mundo.

La obra de Gabriele Münter es para mí de una gran belleza y expresión, quizás no tan conocida o quizás hasta un poco “opacada” por la figura de su amante Vasily Kandinsky pero demuestra ser una gran artista por si misma y hay que recalcar también que gracias a ella hemos podido conocer obras de otros muchos artistas que hubiesen sido destruidas y desconocidas para nosotros ●

remedios varo

Remedios Varo

Hoy!

Remedios Varo

remedios varo

Hoy les mostraré algunas imágenes de obras de la artista María de los Remedios Alicia Rodriga Varo y Uranga, también conocida como Remedios Varo.

A su vez, para quienes aún no la conocen, les dejare una pequeña biografía. 

remedios varo
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Remedios Varo fue una pintora surrealista, escritora y artista gráfica nacida el 16 de diciembre de 1908 en España. Su padre fue Rodrigo Varo y Zejalvo y su madre  Ignacia Uranga y Begareche. Remedios tuvo dos hermanos, Rodrigo y Luis.  
Desde pequeña, la niña, mostró una gran atracción por la pintura. En 1917 la familia viajó Madrid donde Remedios estudio en colegios católicos y luego recibió formación artística. 

Fue una de las primeras mujeres en estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Allí estuvo desde los quince años y compartió tertulias con personajes como Dalí y Garcia Lorca.

Una vez finalizados sus estudios se casó con Gerardo Lizarraga quien había sido compañero suyo en la Academia. Vivieron un año en París y luego se trasladaron a Barcelona.

remedios varo
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Allí, en 1932, trabajo como diseñadora publicitaria donde se sumo al grupo surrealista Logicofobista. Este grupo tenía como uno de sus objetivos representar los diferentes estados mentales internos del alma, utilizando distintas formas que sugerían aquellos estados.

Durante la guerra civil española conoció al poeta surrealista Benjamin Péret, quien fue nombrado en las crónicas de la artista como “su gran amor”. Por esto, en 1937, rompió su relación con Gerardo Lizarraga y cinco años después viajo a París junto con Benjamin Péret.

Con la llegada de los nazis, Remedios fue detenida por ser la compañera de Péret pero en 1941 lograron exiliarse en México donde pudieron naturalizarse. Allí, Remedios trabajó con otros artistas.

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En 1941 se separó de Benjamín Péret quien volvió a París pero siguieron manteniendo el contacto y Remedios lo ayudo económicamente hasta su muerte. 
Luego, la artista viajó a Venezuela donde trabajo como ilustradora entomológica (entomología: parte de la zoología que estudia los insectos) hasta 1949 que volvió a México donde continuó trabajando como ilustradora publicitaria. 

En 1952 se caso con el político refugiado austriaco Walter Gruen quien era gran admirador de su obra y que la convenció de dedicarse totalmente a la pintura brindándole su ayuda económica. 

remedios varo
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Durante su estancia en México, Remedios conoció a artistas como Frida Kahlo y Diego Rivera. También creo un gran lazo de amistad con la pintora y escritora surrealista británica Leonora Carrington. 

En 1958 Remedios obtuvo el primer lugar en el Primer Salón de la Plástica Femenina en las Galerías Excélsior.

remedios varo
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Como habrán observado en las imágenes, la obra de Varo es muy particular. Nos muestra un mundo donde se mezcla lo místico, lo esotérico, lo mágico y lo científico. Entre sus obras Remedios realiza en 1961 el siguiente tríptico que consta de las obras Hacia la torre, Bordando el manto terrestre La huida. En ellas traduce y muestra su propia historia de vida con una representación surrealista.

remedios varo
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El misticismo en las pinturas de Remedios estuvo influido por el psicoanálisis de Sigmund Freud, Carl Jung y Alfred Adler. Esto podemos observarlo en su obra “Mujer Saliendo del Psicoanalista” sobre la cual la artista menciona lo siguiente en una carta a su hermano:

“Esta señora que sale del psicoanalista arrojando a un pozo la cabeza de su padre (como es correcto hacer al salir del psicoanalista). En el cesto lleva otros desperdicios psicológicos: un reloj, símbolo del temor de llegar tarde, etcétera. El doctor se llama Dr. FJA (Freud, Jung, Adler).”

remedios varo
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En la obra de Varo aparecen con frecuencia figuras humanas estilizadas realizando tareas simbólicas con elementos pertenecientes al mundo onírico y de los arquetipos. Aparecen también diferentes planos de la realidad: la materia y el espíritu, el mundo animal, el humano y el vegetal.

remedios varo
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Lamentablemente Remedios Varo no logro vivir de la pintura, supervivió en parte realizando trabajos como ilustradora publicitaria. Pinto también instrumentos musicales, muebles, decorados. Diseño también trajes y tocados para teatro y ballet junto a su amiga Leonora Carrington.

remedios varo
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Remedios Varo falleció el 8 de octubre de 1963 en la Ciudad de México. En este país que la acogió su obra ha tenido un gran impacto en el mundo del arte, Remedios fue allí muy popular. En cambio, en España, a pesar de que su obra fue homenajeada en alguna ocasión en Barcelona, no fue tan conocida. 

A su muerte, el poeta André Breton escribió: “El surrealismo reclama toda la obra de una hechicera que se fue demasiado pronto” 

Pensamientos

Hoy:

Pensamientos

En el año 2016 empece en la facultad un proyecto de grabado que termine a fines del 2017. La temática que decidí abordar fue la de los pensamientos y comencé trabajando a partir de textos escritos por mi misma.

Pensar, valga la redundancia, sobre los pensamientos fue algo que siempre recorrió mi mente. Reflexionar sobre ellos, sobre su procedencia, sobre su frecuencia siempre me interesó. 

A partir de aquellos textos, me pregunté de que manera representaría los pensamientos de los que hablaba si tuviese que darles forma. De esta manera apareció con la indagación una analogía entre el cabello y los pensamientos; Algunos creen que el cabello es la manifestación física de nuestros pensamientos y una extensión de nosotros mismos y se dice que cada uno de nuestros cabellos nos representa, que son puntos de conexión fuertes tanto de nuestro cuerpo como de nuestro espíritu. Esta relación de los pensamientos con el cabello me sirvió para encontrar su forma de representación: lineas que se ondulan, que pueden cruzarse, trenzarse, entretejerse. Comencé así a realizar bocetos, a dibujar distintas formas de pensamientos, porque claro, no todos son iguales. 

Realice distintos tipos de bocetos, algunos con marcadores, otros incluían collages y a otros les agregue también hilos.

Más tarde empece a realizar las linografías a partir de los bocetos (técnica que nunca había trabajado) 
El grabado no es fácil, es una técnica que requiere mucha paciencia en la realización de las matrices y muchas veces las estampas no salen bien al primer intento, pero es un trabajo para mi muy placentero.

Incluso aquellas estampas que no salían perfectas las utilizaba para realizar nuevos bocetos como los que verán a continuación.

El proceso de poner en imágenes aquello que imaginaba, aquello en lo que creía y que por momentos deseaba fue difícil pero finalmente sentí que de a poco me encaminaba. Obviamente la ayuda de mis profesores fue fundamental.

linocut

Aquel trabajo que comencé en el 2016 sufrió varios cambios a través del tiempo. Primero solo se trato de estampas, luego decidi realizar cajas que contuvieran aquellas estampas en relacion a la idea de contener los pensamientos. Por ultimo deje fluir algunos de esos pensamientos en móviles realizados con estampas caladas. 

Este trabajo formo parte a fines del 2017 de la ultima materia que rendiría para recibirme de Profesora de Artes Visuales. 

linografia pensamientos
linografia pensamientos
linografia pensamientos

En el año 2018, ya recibida, quienes habian sido mis profesores de grabado me invitaron a realizar junto a ellos y mis compañeros de cursada una muestra de grabado donde cada uno presentaria su proyecto. 

linografia

A continuación les muestro algunas fotos de cómo quedo montado. En la caja que verán, cada persona debía escribir y colocar adentro un pensamiento que no la dejara dormir. Al lado de la caja se encuentra un pequeño librito con los textos que dieron inicio a este proyecto. Enmarcadas se encontraban algunas linografías de la serie, linocollages y linografías con gofrados.

linografia pensamientos
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linocollage linografia
linografia
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Les comparto un video con el texto que se encontraba en el librito.

Finalmente puedo decir que mi proyecto busco ser un trabajo de indagación sobre los pensamientos como lineas, sobre su recorrido, sobre el lugar que ocupan, sobre los espacios que dejan, sobre su grosor, sobre el momento en el que se cruzan, sobre los nudos y los mundos interiores que generan, sobre mi manera de intentar ordenarlos y a su vez de dejar que fluyan 

Yves Klein

¿Conoces a Yves Klein?

Hoy!

Yves Klein

Yves Klein

En el año 2017 se realizo en Fundación Proa (Buenos Aires, Argentina) una exposición del artista francés Yves Klein. A ella concurrí sin saber de qué se trataba. 

Estudié Artes Visuales por lo que al ver obras hay ciertos aspectos técnicos que puedo llegar a conocer o que no puedo obviar al verlas. Pero siempre me pregunto qué observaran o qué les llamará la atención a aquellos que por ahi no tienen conocimiento o interés acerca de lo técnico. 

Yves Klein

Porque el arte tiene que ver también con la contemplación y algunas veces con la participación. En el caso de obras que no permiten la interacción del público, solo queda observar. 
En mi caso, al observar la obra de Yves Klein, sin pensar en lo técnico, verla me produjo cierta intriga, porque sin dudarlo es diferente, y curiosidad al observar esos inmensos lienzos de aquel color azul vibrante. 

Es común querer “entender” las obras de arte. Cuando uno crea su obra es común recibir preguntas como “¿y con eso que quisiste decir?” o “¿qué significa?” sobre todo cuando son no figurativas. Y cuando uno crea obviamente esta pensando en algo, uno tiene un concepto que quiere plasmar o representar, pero no necesariamente el observador debe conocer ese “detrás de bambalinas”. La obra debe decir por si misma y de alguna forma no importa si “entendimos bien”. 

A pesar de esto, es de utilidad para quienes buscan de todas formas “entender” (porque siempre queremos entender) o saber más de una obra, conocer el contexto histórico-cultural en el que se produjo, conocer sobre el artista, sus motivaciones, sus ideales, muchas veces su formación, etc. Esto nos ayudara a respondernos algunos por qué si nos interesa profundizar y no quedarnos solamente con lo que nos produjo la obra al verla. 
Por esto, además de mostrarles algunas fotos que saqué en la exposicion, hoy les contaré un poco acerca de la vida de Yves Klein.

Yves Klein fue un artista francés que nació en 1928 en Niza. Es considerado una importante figura dentro del movimiento neodadaísta.
Sus padres también fueron pintores. Klein estudió en la “Escuela Nacional de la Marina Mercante” y en la “Escuela Nacional de Lenguas Orientales” En esa época comenzó a pintar.
Se dice que a los diecinueve años, estando en la playa con dos amigos (Arman Fernández y Claude Pascal) decidieron dividir el mundo entre ellos. Uno de sus amigos eligió la tierra, otro las palabras, y Klein escogió el espacio etéreo que rodeaba el planeta. Aquello daría sentido luego a su arte. la búsqueda por alcanzar el lejano lado del infinito.
En el 1947, Klein compuso su primera Sinfonía monótona. La misma consiste en el sonido de un acorde sostenido durante 20 minutos seguido de 20 minutos de silencio. Se la considera un precedente de la obra 4’33” de John Cage.
El artista practicaba además judo y utilizo las técnicas del mismo para pintar.

Yves Klein
Yves Klein
Yves Klein
Yves Klein

Sus primeros trabajos fueron pinturas monocromáticas en una amplia variedad de colores. Entre ellos utilizo el color rosa, el dorado y el azul y cada color tenía un significado.

Para su producción artística experimentó utilizando diferentes herramientas para aplicar la pintura en el soporte. Utilizo rodillos, esponjas y hasta cuerpos de mujer cubiertos de pintura como pincel. A este ultimo tipo de trabajo lo llamo “antropometría” Por otro lado realizo también grabaciones de lluvia y de su propia voz hablando sobre su obra.

A principios de 1957 realizó en Milán su exposicion Proposte Monocrome, Epoca Blu. La misma consistía en 11 idénticas obras azul ultramarino. Para la creacion del famoso azul Klein utilizaba una resina sintética que al ser mezclada con el oleo conservaba el brillo del pigmento azul.

Yves Klein arte

Esta exposicion tuvo tanto éxito que también se expuso en París, Düsseldorf y Londres. Para la inauguracion de la exposición de París se lanzaron 1001 globos azules y Klein mandó postales azules con sellos del mismo color. Yves patento el azul intenso que utilizaba y lo llamo International Klein Blue (IKB).

Yves Klein murió en Paris en 1962 sin poder conocer a su hijo que nació poco después.

Yves Klein
Yves Klein

La muestra en Fundación Proa presentó las primeras pinturas monocromaticas de Klein, sus célebres cuadros de azul IKB, las pinturas de fuego, Las Cosmogonías, sus esculturas de esponjas y las obras en oro.

Yves Klein

Antropometría sin título – 1960

Yves Klein
Yves Klein

Las esculturas realizadas en esponja se encontraban colocadas en distintas bases de un blanco inmaculado que las hacia resaltar no solo por sus colores sino por sus texturas.Las esponjas naturales fueron para el artista un descubrimiento y lo fascinaron por su poder de absorción del color. Klein explicaba que las esculturas de esponjas podrían ser una metáfora del arte  y de como deseaba que el espectador se impregne de sensibilidad frente a sus monocromos.

Yves Klein
Yves Klein

Esta obra me sorprendió al verla, el hombre pareciera estar saliendo del lienzo dorado. Por otra parte el azul intenso no deja de llamar tu atención durante todo el recorrido de la muestra. Es muy vibrante y “limpio”.

Yves Klein
Yves Klein
Yves Klein
Yves Klein

Para Pinturas de fuego Klein realizó experimentaciones de distinto tipo: por medio de la combustión directa sobre cartón, vertiendo agua sobre el soporte para que la acción de las llamas imprimiera los trazos del agua, combinando además Antropometrías y manchas de color. Buscando la inmaterialización del arte, el fuego significo un paso más cerca del vacío en donde este, para Klein, arde constantemente.

Yves Klein

Esta muestra me mostró una vez más que el mundo del Arte es infinito y que en el podemos encontrar infinitas y diversas miradas sobre lo que nos rodea. 

Yves Klein

☟ Fundación Proa se encuentra en el barrio de La Boca. A continuación les dejo el mapa para quienes quieras visitar futuras exposiciones.

Venecitas y color en el barrio de Barracas.

HOY!

Venecitas y color en el barrio de Barracas.

Por recomendación de una amiga, hoy estuve caminando por el Pasaje Lanin, en el barrio de Barracas, Buenos Aires, Argentina.

En él pude conocer la obra del artista Marino Santa María, vecino del barrio.

Marino Santa María nació en Buenos Aires en 1949. Egresó de las escuelas de Arte “Manuel Belgrano” y “Prilidiano Pueyrredón”.  
Realizo numerosas obras de arte público y muestras individuales, por las que recibió muchos premios y distinciones.

Todo comenzó en 1999 cuando al artista se le ocurrio realizar en la fachada de su casa, en la calle Lanin 33 donde hoy es su taller, una adaptación de uno de sus cuadros. Marino Santa María quería que su obra saliese de los museos y galerias para presentarse imponente en la calle.
A partir de esto, un vecino, luego otro, comenzaron a pedirle que hiciera lo mismo en sus casas.

De esta manera, poco a poco, el artista logro que aquellas callecitas de Barracas, que comprenden tres cuadras entre Suárez, Brandsen, las vías del Roca y Feijoó, se renovasen y llenasen de color con su obra. Un lindo obsequio para aquel barrio que lo vió jugar en sus calles de pequeño y crecer.
A continuación les mostrare algunas fotos de las casas.

Incluso en partes de las veredas y donde hay plantados arboles podemos encontrar decoraciones con venecitas.

Vivo cerca del barrio de Barracas pero no conocía este pasaje. En la ciudad de Buenos Aires hay muchos rincones como este que muchas veces quienes vivimos en ella no conocemos y vale la pena recorrer.

Cada casa podríamos decir que fue transformada en una obra de arte. Cada una tiene su paleta de colores y diseño que la hacen única y diferente al resto. 

Es muy lindo observar como los colores de las venecitas constrastan con el cielo y el verde de los arboles.

La creatividad para el diseño de cada casa es único. Como ven en la foto esta casa incluso tiene una luz decorada con venecitas.

Como les contaba en Lanin 33 se encuentra el taller del artista. Una vecina nos comentaba que a veces esta abierto y se puede visitar pero esta vez no tuvimos esa suerte, realmente me hubiese encantado.

Colores rojos, amarillos, azules y naranjas llaman la atención en las distintas fachadas.

Mientras fotografiaba el lugar, una vecina del barrio se puso a charlar conmigo y mi pareja. Muy amable nos contó que el pasaje es muy visitado por turistas y que incluso personajes famosos lo han visitado. Nos invito a volver para “La noche de los museos” que se realiza en Buenos Aires en el mes de noviembre comentándonos que incluso organizan bailes. Nos mostró cuál es su casa, muy orgullosa de ella. Realmente era muy linda.

A quienes viven en Buenos Aires, o a quienes planeen visitar la ciudad les recomiendo pasar por estas calles y disfrutar de la obra de un artista que cambió con su arte las paredes de su barrio para sus propios vecinos. Después me cuentan, qué les pareció ●

Pintura y memoria

Carlos Alonso

Pintura y memoria

El día domingo estuve en el Museo Nacional de Bellas Artes viendo la muestra “Pintura y memoria” de Carlos Alonso. El museo es muy amplio y tiene todo tipo de muestras, algunas permanentes y otras temporales. Vale la pena recorrerlo pero quizás conviene hacerlo en dos o tres salidas distintas para poder observar con tranquilidad cada espacio y poder detenerse a leer la información que cada sala ofrece.
A continuación les contare un poco de lo que pude aprender de él y les mostrare algunas de sus interesantes obras.

Carlos Alonso es un pintor, dibujante y grabador argentino nacido en Tunuyan, Mendoza.  A los catorce años ingresó en la Academia Nacional de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Cuyo donde fue alumno de grandes maestros del arte.
En 1947 recibió su primer premio en el Salón de Estudiantes y en 1953 expuso en la Galeria Viau de Buenos Aires. Gracias a esto, obtuvo los fondos necesarios para viajar a Europa donde expuso su obra en París y Madrid. En 1961 descubre en Londres el acrílico, técnica que luego adoptaría en su pintura.
Realizó múltiples exposiciones tanto individuales como colectivas junto a otros artistas de renombre.

Residió en Argentina hasta que un año después del golpe de Estado de 1976, desaparece su hija. Alli es cuando decide exiliarse en Italia para luego en 1979 trasladarse a Madrid.
Dos años después regresa a Argentina donde realiza numerosas exposiciones.

Silencio

La censura ,1969

La siguiente obra forma parte de la serie dedicada al Che Guevara, donde Carlos Alonso muestra su compromiso social y político. Retomando la conocida obra de Rembrandt, el artista realiza una nueva construcción visual en la que podemos observar el cadáver del Che Guevara con distintos personajes alrededor observándolo y preguntándose por su muerte. 

En 1969 el artista argentino fue convocado a participar de la muestra Panorama de la Pintura Argentina 2, en el Palais de Glace, donde expondría dos de sus obras de “Lección de anatomía” pero la subsecretaria de Cultura de la Nación ordeno retirar las piezas en las que aparecía representado el Che Guevara. Por este acto de censura Alonso decidió cancelar su intervención.

Lección de anatomía. 

Por otra parte, algo que llamo mi atención, fue la reconstrucción de la instalación “Manos anónimas”. Esta instalación fue realizada originalmente para ser exhibida en una exposición llamada “Imagen del hombre actual” que tendría lugar en el Museo Nacional de Bellas Artes en 1976 pero que fue suspendida como consecuencia del golpe de Estado. Las imágenes son muy claras en su mensaje.

Manos anónimas – Instalación 1976 / Reconstrucción 2019

La imagen que ven a continuación pertenece al único registro fotográfico conservado de la instalación “Manos anónimas” de 1976 a partir de la cual en la actualidad se realizo su reconstrucción.

Lo que se puede observar en el recorrido de las distintas obras es la recurrente aparición de la carne. Al respecto Andres Duprat (director del museo) expresa:
“En Alonso siempre hay un exceso: de representación, de clausura de la representación, de alegorismo político y de enigma irresuelto. La carne se vuelve violencia, historia del drama argentino que retoma como pesadilla desde la gauchesca del siglo de las montoneras federales hasta los desaparecidos. Pero demás se vuelve carne, materia primaria de la vida que muestra la muerte. Hay cadáveres, una y otra vez. Para que haya Argentina, ha de haber cadáveres (…)”

Sin pan y sin trabajo, 1966

Tres niños, 1968

Mal de amores

Mal de amores n°2, 1986

Pequeña historia, 1966

Juguete rabioso, 1967

Entre las obras que se pueden observar en esta muestra se encuentra una serie de ellas en la que el artista le realiza un homenaje a otros grandes artistas como Lino Enea Spilimbergo y Van Gogh.

El hospital, 1974

La muestra de Carlos Alonso genera muchas sensaciones. Entre colores vívidos se observan imágenes que llevan a la reflexión. Imágenes que tienen que ver con nuestra historia, imágenes de dolor, de censura, de muerte. 
En cuanto a lo técnico es bello observar los gestos de sus pinceladas tanto de acrílico como de oleo. Las paletas de colores que elige utilizar acompañan perfectamente lo que busca expresar ●

Del 12 de abril al 14 de julio.

Una noche distinta en el C. C. Recoleta – Parte II

Una noche distinta en el C. Cultural Recoleta parte II

Como les conté en estos días, el martes por la noche estuve en el Centro Cultural Recoleta.
Hoy paso a dejarles algunas fotos de otras dos muestras que vi ese día en exposición. 

Juguete Rabioso:

En esta muestra participaron todo tipo de artistas: pintores, escultores, tejedores, ceramistas, animadores. En ella se exponen más de 100 juguetes no tradicionales. Quienes componen esta muestra crean juguetes que no están pensados o basados en la lógica comercial, en lo que el mercado exige, sino que fueron creados pensando en interpelar a los niños, en generarles nuevos interrogantes que abran paso al juego. 

Grupo Bondi

Viral mural:

Esta muestra esta compuesta por intervenciones murales realizadas por artistas argentinos y extranjeros que provienen del arte urbano o que reflexionan sobre él. 

Desde hace mucho tiempo los muros de las ciudades han sido utilizados para la expresión de la comunidad, ya sea en forma de protesta, en forma de propaganda política o como practica artística. Estas manifestaciones, al estar plasmadas en las pareces de la ciudad, entran en constante vinculo con quienes transitan por el lugar, buscan “atrapar” sus miradas y muchas veces hasta hacer reflexionar. 

A diferencia de las obras tradicionales que se presentan en el ámbito del museo, a las cuales no todo el mundo tiene acceso, los murales se mezclan con lo cotidiano y podríamos decir que son por lo general de “libre acceso”.
Hoy en día hay muchos tipos de propuestas artísticas que conjugan distintas técnicas, ya sea el grafitti, el stencil, la pintura, los afiches callejeros, etc. 

Rodrigo Alonso, curador de esta muestra, expresa:

“La exposición Viral Mural busca poner de manifiesto esta multiplicidad a través del trabajo de algunos destacados protagonistas de este circuito, que actúan tanto en el ámbito nacional como internacional. Mediante intervenciones en lugares destinados a actividades comunitarias, se propone enfatizar, además, que el Centro Cultural Recoleta no sólo es la sede de producciones culturales y artísticas, sino que es, ante todo, un espacio público. 

Murales y pintadas callejeras son antecedentes, por otra parte, de un tipo de expresión que se infiltra hoy en las redes sociales, en memes, tweets, hashtags y acciones virales. La estructura básica de una red como Facebook propone expresarse a través de un “muro”, que incluso otras personas pueden intervenir. Los espacios públicos son cada vez más complejos y expansivos, pero por sobre todas las cosas, debemos celebrar que existan. Ellos aseguran uno de los derechos más genuinos y primordiales de la auténtica vida social.”

⇩ ¿Dónde? ⇩

¡Tomamos el paraíso!

¡Tomamos el paraiso!

Una noche distinta en el Centro Cultural Recoleta

El día lunes comencé hablando sobre cómo encarar la semana cuando lo que nos espera suele ser una rutina de preocupaciones o estrés. No es una fórmula mágica, claro. Solo es una manera de intentar sentirse mejor, de repensar nuestros días, de darnos lugar a nosotros mismos en medio de tanto “deber”.
Por eso, ayer a la noche, decidí darme una vuelta por el Centro Cultural Recoleta al cual hacía mucho que no iba. 
Apenas salí del trabajo – había estado durante la tarde pensando en ir a la salida – me sentí cansada y bastante agobiada. Fue un día muy pesado en lo laboral y por un momento pensé “mejor me voy a casa a cenar y dormir”. 
Por suerte, mi pareja, quien me habia ido a buscar al trabajo y a quien le habia comentado mi idea de ir a ver las muestras que hoy por hoy se exponen me insistió para que fuésemos y nos distrajeramos un rato. ¡Y así fue! 

Empezamos a recorrer las exposiciones entrando por el ala izquierda. Allí nos esperaba un pasillo aparentemente blanco super luminoso que al entrar, te sorprendía con coloridas ilustraciones en sus paredes.  Al detenerme a observarlas me alegre al ver el mensaje que transmitían. Les muestro algunas imágenes. ☟

Recorriendo los pasillos se puede observar una pegada de afiches e ilustraciones cubriendo las paredes con imágenes y frases que invitan a reflexionar y a formar parte de un cambio que busca ponerle un freno a la subestimación, la desigualdad y los femicidios que cada vez son más.  

¿Cómo surgió el nombre de la muestra?

Para elegir el titulo de la muestra la curadora y artista Irana Douer se inspira en el mito de Lilith. Como muchos sabrán siempre se dice que los primeros humanos en el paraíso fueron Adán y Eva. Pero otra leyenda cuenta que existió una mujer antes de Eva llamada Lilith que fue creada a la par de Adán (no a partir de una costilla de él, como se dice se Eva) y de barro. Lilith era una mujer poderosa y libre. Dicen que esto causó su expulsión del paraíso. Hoy en día su mito no es tan conocido, como si lo es el de Eva, quién es relegada bajo la figura de Adán.
Probablemente la propagación de un relato de una mujer libre, a la par del hombre, hubiese hecho de nuestro mundo un lugar distinto en la actualidad, pero no fue así.
Esta muestra encarna entonces el espíritu libre de Lilith a través de varias artistas feministas que pondrán voz a través de las imágenes a lo que por mucho tiempo fue callado. 

Irana Douer expresa:  “Si Lilith hubiera reclamado su lugar en el paraíso, las cosas probablemente hoy serían muy distintas. Hechas del mismo barro y no de las sobras de una costilla del hombre, las mujeres hubiesen vivido otra historia. Por eso acá estamos las que luchamos, las que reclamamos lo que nos pertenece, desafiamos los límites y vivimos nuestras vidas sin pedir permiso. Somos las hijas de Lilith y venimos a tomar el Paraíso en su nombre.”

La estrella

Una mujer joven es lo que se ve en la imagen esta a la orilla de un río.

El río se lleva toda la oscuridad del pasado.
Preparándose para un nuevo renacer el cielo está repleto de estrellas, alrededor el terreno es fértil donde todo crece con facilidad.

Las estrellas son también una señal de que no estamos solxs.
Ellas nos iluminan, si levantamos la mirada podremos verlas allí y dejar de sentirnos solxs y abandonadxs.”

Esta muestra me encantó por sus imágenes, sus colores, las hermosas ilustraciones pero sobre todo por el importante mensaje que transmite en una época en la que en distintas partes del mundo las mujeres luchamos para que no haya más femicidios, para poder caminar tranquilas por donde vivimos, por no tener más miedo, por no ser subestimadas, por ser escuchadas.

Realmente espero para las futuras generaciones un mundo en el que las mujeres no sigan muriendo, donde todos podamos caminar hacia delante, uno al lado del otro sin hacer distinciones de genero, sin lastimar al otro. Un mundo con más amor ●

Street Art en Villa Crespo

Street Art en Villa Crespo

Mi día comenzó acompañando a mi novio a tatuarse por la zona de Villa Crespo, uno de los barrios porteños.

Cuando nos conocimos hace diez años, el había comenzado a realizarse un tatuaje en uno de sus brazos. Paso el tiempo y con el la rutina, el trabajo, los vaivenes de la vida misma y nunca se termino el tatuaje.

Hoy, diez años después pudo finalizarlo, con el mismo tatuador de hace diez años.

Cuando salimos del estudio de tatuajes, comenzamos a caminar por el barrio de Villa Crespo.
Allí fue que nos encontramos con un colegio que en sus paredes exteriores le regala al barrio estas obras de arte callejero y sus colores. Los murales fueron realizados por alumnos del taller de Georgina Ciotti.

Artista: Louie Herzog

Artista: Ann Burkiewicz

Mientras yo fotografiaba aquellas obras, mi novio, que en su infancia vivía cerca de Villa Crespo, me contaba que cuando era pequeño muchas tardes corría hacia aquel colegio para ir a jugar al fútbol con sus amigos.

Artista: Pablo Rajs

Seguimos caminando mientras observábamos las pinturas, mientras las fotografiaba. 
Los colores que utilizaron me parecieron hermosos, las paletas muy bien elegidas y las imágenes muy creativas. 

En mi opinión, el arte es importante para la sociedad, para la comunidad y los individuos. El arte nos muestra otra forma de ver el mundo, nos muestra que todo es posible, nos muestra caminos alternativos. Se relaciona con nuestra cultura, con nuestra forma de vivir, de observar, de producir. Se relaciona con nuestro imaginario.
La practica artística nos hace creativos, nos ayuda a abrir la mente, nos permite pensar un mismo objeto, una misma situación, de varias formas diferentes. Resolver problemas de formas creativas.

Por eso me encanta ver en las calles de Buenos Aires arte callejero. Porque acerca a quienes transitan por allí un poco de la magia del arte. Les regalan sus colores, sus formas, sin ninguna pretensión. Da mensajes, muchas veces protesta. Acerca el arte a gente que quizás no suela estar en contacto con el y también a quienes no podemos pensar este mundo sin su existencia.

Artista: Florencia Neve

Artista: Belén Nuñez


Por eso, si llegan a estar por el barrio de Villa Crespo, les sugiero acercarse a los muros del colegio Andres Ferreyra y deleitar su imaginación con sus propios ojos.