ilustracion edward gorey

Edward Gorey

Edward Gorey

Edward Saint John Gorey nació en Chicago, Illinois, el 22 de febrero de 1925. Su madre fue Helen Dunham y su padre Edward Lee Gorey. Se dice que a los tres años y medio ya había aprendido a leer.

Edwar Dorey ilustrador y escritor

Concurrió a varias primarias locales y cuando terminó la secundaria estudio solo un semestre de arte en el Chicago Art Institute por lo que el mismo declaraba que su aprendizaje artístico formal había sido insignificante.

Luego, fue oficinista del servicio militar en una base del Ejercito de los Estados Unidos en Utah. Más tarde, en 1946, estudio en Harvard. Allí conoció a Frank O´Hara (que llegaría a ser el más celebre poeta de la Escuela de Nueva York) Dicen que George llamó la atención desde el comienzo por su aspecto y sus excentricidades. Era muy alto, llevaba los dedos llenos de anillos y hablaba de manera muy histriónica.

Edwar Dorey ilustrador y escritor

A fines de los años 40 junto con otros jóvenes formaron el Poet´s Theater de Cambridge. Algunos escribían, otros actuaban y Gorey hacia los decorados.

En los años 50 vivió en Nueva York donde trabajo ilustrando portadas de libros para el Departamento de Arte de Doubleday Anchor. Allí ilustro portadas de algunos libros como: El Libro de los gatos habilidosos del viejo Possum de T. S. Eliot, Drácula de Bram Stoker y La guerra de los mundos de H. G. Wells.

El primer libro escrito e ilustrado por él mismo fue The Unstrung Harp en 1953. Al principio no tuvo muchos lectores y algunos editores lo aceptaron y lo abandonaron. Fue entonces cuando decidió crear su propio sello: Fantod Press y hacer ediciones artesanales de aquellos libros que nadie le quería publicar.

Algunas veces publicaba bajo el seudónimo Ogdred Weary (anagrama de su primer nombre y apellido)

Edward Gorey

Sus dibujos e historias ilustradas estaban enmarcadas en las épocas victoriana y eduardina. La mayoría de sus dibujos presentan un estilo algo oscuro, un poco macabro y que maneja cierta ironía o humor.  

En 1963 publicó su tríptico La fábrica de vinagre: Tres tomos de enseñanza moral. Dos de los libros se ocupan de trágicos destinos y son un modelo de transgresión: Los pequeños macabros y El dios de los insectos. En el tercero, El ala oeste, no hay palabras y la protagonista es una casa llena de grietas y fantasmas.

la fabrica de vinagre libro
la fabrica de vinagre libro
la fabrica de vinagre libro
ilustracion edward gorey

Su mayor popularidad llegó con su introducción a la serie Mystery! en el año 1980 y también con sus diseños para la obra Drácula en Broadway. Por este último trabajo gano el Tony Award al Mejor Diseño de Vestuario.

Más tarde vivió en Yarmouth Port en Massachusetts en una casona de dos siglos que lleno de libros, películas, muñecos y gatos. Allí escribió y dirigió numerosos espectáculos donde solía utilizar marionetas que el mismo hacía de papel maché. Permaneció allí viviendo solo hasta su fallecimiento.

Edward Gorey tenía un gran amor por el ballet y por los gatos, que a menudo aparecen en su obra. Admiraba mucho al coreógrafo de ballet George Balanchine, quien reconocía que había sido la mayor influencia de su vida.

También dicen que le gustaba mucho el cine y que tenía gran conocimiento del mismo. Incluso el escritor Marcial Souto en una pequeña biografía de Gorey cuenta que dedicaba más tiempo a leer y ver cine y televisión que a escribir y dibujar.

Tenía una gran fascinación por todo lo relacionado con las eras victoriana y eduardina. Su autora preferida dicen que era Jane Austen. Le gustaba también leer libros de Agatha Cristie, Beckett y Borges.

Gorey falleció en abril del año 2000. Publicó en vida más de cien libros y dejo otros setenta escritos pero sin ilustrar.

La casa de dos siglos donde Gorey paso sus últimos catorce años ahora se llama Gorey House y es un museo. Allí se pueden ver exhibidos los diarios de infancia, ositos de felpa, títeres.  También se puede ver allí el famoso abrigo de piel que solía utilizar en una vitrina, el tablero en el que dibujaba, entre muchos otros objetos personales.

Edwar Gorey dejo todo su dinero a grupos protectores de animales.

arboles y mariposa

Marianne North

Marianne North

La artista viajera que pintó la naturaleza

Marianne North artista

Marianne North nació en el año 1830 en Inglaterra. Dicen que desde temprano estudio y se formo para ser cantante pero que como sus aptitudes vocales no eran suficientes terminó renunciando a ese proyecto y fue en ese momento que empezó a pintar flores.
Dicen también que al fallecer su madre, en 1855, realizo algunos viajes junto a su padre que era político adinerado.
Durante algunos de sus viajes a Europa y el Medio Oriente, Marianne tuvo la oportunidad de conocer a distintos artistas botánicos, con quienes aprendió técnicas pictóricas.
Cuando su padre fallece, decide continuar viajando por el mundo para poder dibujar en su recorrido las especies vegetales que fuera conociendo.

flores y frutas de Palmira

Recorrio varios paises, entre ellos, Estados Unidos, Canadá, Jamaica y Brasil. En este último permaneció un año, vivió en la selva y pinto muchísimo. En 1875, estuvo en Tenerife varios meses donde pinto alrededor de 29 obras basadas en la flora característica del lugar. También pinto especies vegetales de Japón, California y Borneo.

En 1878 viajo a la India y luego volvió a su país natal donde realizo una exposición de sus pinturas. 

Más tarde dono al Real Jardín Botánico de Kew parte de su obra con la condición de tener una galería para montar su muestra en ella. Así sucedió.

Luego, siguiendo los consejos de Charles Darwin (que había sido amigo de su padre), se traslado a Australia, Nueva Zelanda y más tarde a Sudáfrica, Seychelles y Chile (pintó más de 30 óleos sobre la flora chilena), donde pudo ampliar su colección con gran cantidad de obra.

arboles y mariposa
piña salvaje

Se puede decir que Marianne North no solo fue una gran artista naturalista sino que su trabajo resulta un gran aporte científico teniendo en cuenta que en la época aun no era habitual el uso de la fotografía.
En honor a esta gran artista inglesa fueron bautizadas con su apellido varias plantas.

Marianne North fallece el 30 de agosto de 1890. Su hermana edito en su recuerdo dos volúmenes de sus diarios de viajes. Estos se titularon: Recollections of a Happy Life (Recuerdos de una vida feliz) y Some Further Recollections of a Happy Life (Más recuerdos de una vida feliz).

Interior de la Galería Marianne North, Real Jardín Botánico de Kew

Marianne fue una artista que dejó una gran cantidad de obras en las que se ve un gran compromiso y observación, en las que combina paletas de colores super vívidos y una composición perfecta. Como si esto fuera poco su obra es una documentación científica y minuciosa sobre la flora y la fauna de distintos lugares del mundo de su época.

Maria Sibylla Merian

Maria Sibylla Merian

HOY!

Maria Sibylla Merian

Maria Sybilla Merian

¿Quién fue Maria Sibylla Merian?
¿La conocés?

María Sibylla Merian nació el 2 de abril de 1647 en la ciudad de Francfort (en el Sacro Imperio Romano Germanico) Su padre fue Matthäus Merian el Viejo y su madre Johanna Sibylla Heim. Su padre, grabador y editor, murió cuando ella tenia tres años.

María tuvo un padrastro, Jacob Marrel que fue famoso por sus cuadros de flores y fue quien le enseño a dibujar, pintar y grabar. Fue asi que a los trece años la niña ya pintaba sus primeras imágenes de insectos y de plantas a partir de lo que observaba.

«En mi juventud me dediqué a buscar insectos. Empecé con los gusanos de seda de mi ciudad natal de Fráncfort. Después me di cuenta de que, a partir de otras orugas, se desarrollaban muchas de las bellas mariposas diurnas, como lo hacen los gusanos de seda. Esto me llevó a recoger todas las orugas que podía encontrar para observar su transformación.»

                                                      Maria Sibylla Merian, en Metamorfosis de los insectos del Surinam

Maria Sibylla Merian

En el año 1665, cuando tenia apenas 18 años se caso con el pintor Johann Andreas Graff con quien dos años más tarde tuvo a su hija Johanna Helena.

En esa época, se creía que los insectos aparecían por la putrefacción del lodo y la Iglesia creía que estos animales eran “bestias del Diablo”. A pesar de todo eso, María tenía otra mirada y se preguntaba como podían surgir las más bellas mariposas de simples orugas. Fue por todo esto que decidió estudiar la metamorfosis, quiso entender los detalles de la crisálida y las plantas de las cuales las orugas se alimentaban. Fue así que realizo bocetos de todos los estadios del desarrollo.

En 1675 la libreta en la que realizaba sus bocetos se convirtió en la trama de su primer libro que publico cuando tenía 28 años, conocido como Nuevo libro de flores. Allí incluía gran cantidad de imágenes de flores ilustradas de forma muy detallada. En 1677 saco dos últimos volúmenes de dicho libro y en 1679, un año después del nacimiento de su segunda hija Dorothea, publicó La oruga, maravillosa transformación y extraña alimentación floral, su segunda gran obra.

En este libro mostro los estadios del desarrollo de las distintas especies de mariposas sobre las plantas de las que se alimentaban.

Maria Sibylla Merian
Maria Sibylla Merian
Maria Sibylla Merian
Maria Sibylla Merian

En 1685 María se separo de su marido y se mudo a Holanda al castillo Waltha con su cuñado. Dicho castillo pertenecía a Cornelis Van Sommelsdijk, gobernador de Surinam. Vivir allí le permitió estudiar desde Holanda la fauna y flora tropical sudamericana gracias a muestras de ejemplares que recibía desde allí.

Luego de la muerte de su cuñado, se instalo en Amsterdam donde conoció a otros naturalistas y a propietarios particulares de orangeries y pajareras.

En 1699, con 52 años, viajó con su hija más joven a Surinam. Sobre dicho viaje escribió:

«En Holanda, constaté, sin embargo, con asombro que se hacían traer cantidad de bellos animales de las Indias orientales y occidentales, y que se me concedía el honor de poder consultar de forma particular la cara colección del bien nacido doctor Nicolaas Witsen, alcalde de la ciudad y director de la sociedad de las Indias orientales, así como la del noble don Jonás Witsen, secretario de esta misma ciudad. Además, veía las colecciones de don Fredericus Ruysch, doctor en medicina y profesor de anatomía y botánica, de don Livinus Vincent y de otras personas. En esas colecciones, encontré este como otros innumerables insectos, pero en fin, si allá su origen y reproducción son desconocidos, hay que preguntarse cómo se van a transformar a partir de orugas en crisálidas y así seguidamente. Todo ello me llevó a emprender un gran viaje, soñado desde hace tiempo, a Surinam.»

Maria Sibylla Merian, en el prólogo del libro Metamorfosis de los insectos del Surinam

Maria Sibylla Merian
Maria Sibylla Merian
Maria Sibylla Merian

A partir de las excursiones al interior de Surinam Maria describió todo lo que fue descubriendo sobre la metamorfosis de los insectos tropicales del lugar y realizó un gran número de acuarelas y dibujos.

Lamentablemente en 1701 se contagio malaria por lo que debió volver a Amsterdam.

Maria Sibylla Merian

Su libro más importante

En 1705 Maria Sibylla Merian publicó su libro más importante: Metamorfosis de los insectos del Surinam.

Sobre este libro escribió:

«Para la realización de este trabajo no fui codiciosa, pero me consideré satisfecha en cuanto recuperé lo que había desembolsado. No he reparado en gastos para la ejecución de esta obra. Hice grabar las placas por un maestro famoso y aporté el mejor papel para satisfacer no solo a los aficionados al arte, sino también a los aficionados a los insectos, y siento mucha alegría cuando oigo decir que alcancé mi meta y que doy felicidad al mismo tiempo.»

Maria Sibylla Merian, en el prólogo del libro Metamorfosis de los insectos del Surinam

Maria Sibylla Merian

Maria no podía vivir solo de la pintura, dado que su libro era bastante caro para la época y tenia pocos compradores. Por esto, se dedico también a dar cursos de dibujo y a la venta de herramientas para pintar además de preparaciones a base de plantas.

Trabajo además para la colección de álbumes de láminas de naturaleza encargados por Agnes Block (coleccionista de arte y horticultora)

A los 67 sufrió un ataque de apoplejía que la dejo en silla de ruedas.

María Merian murió en 1717 en Amsterdam con una gran reputación como artista y naturalista.

Maria Sibylla Merian
Maria Sibylla Merian
Maria Sibylla Merian
Maria Sibylla Merian

Dejo un gran legado, un trabajo poco usual para su época. Era raro que en ese entonces alguien se interesara por los insectos y la metamorfosis de los animales era casi desconocida.

María logro mostrar por ejemplo, que cada oruga depende de un pequeño número de plantas para su alimentación y que, por lo tanto, los huevos eran puestos cerca de esas plantas.

Maria Sibylla Merian
Maria Sibylla Merian
Maria Sibylla Merian
Maria Sibylla Merian
Maria Sibylla Merian

Fue una de las primeras en observar realmente a los insectos lo que permitió descubrir mucho sobre su vida y desarrollo.  

En Surinam descubrió toda una serie de animales y plantas completamente nuevos y los clasifico con lujo de detalles. Su clasificación de las mariposas nocturnas y diurnas es válida todavía hoy. 

Espero les haya gustado tanto como a mí conocer un poco más sobre el arte de esta gran mujer. Una artista a la que no le importaron los límites que los pensamientos de su época podían ponerle en su camino y que llevó a cabo su pasión por el estudio, la clasificación y la representación de la naturaleza de forma impecable •

Tarde de acuarelas

Este último tiempo estuve aprovechando para pintar un poco más con acuarelas. Por eso hoy paso a compartirles un pequeño video que realicé. 

La acuarela es un tipo de pintura que da múltiples posibilidades de experimentación. Podemos encontrarla en su versión en forma de pastillas o en pomos y esta compuesta por pigmentos mezclados con goma arábiga (la cual le da cuerpo) y glicerina o miel (para darle viscosidad)

En el siguiente video utilizo la tecnica de humedo sobre seco. La acuarela es diluida con agua y aplicada sobre la superficie del papel seca. Para realizar las transparencias o veladuras que observaran se dejan secar las capas anteriores de pintura antes de aplicar la capa siguiente.

Ustedes, ¿pintaron alguna vez con acuarelas? ¿Les gustaría aprender algunas técnicas? ¡Espero sus comentarios!

Quedate en casa

Quedate en casa

Con motivo de pedirles que quienes tienen la posibilidad se queden en casa, como forma de cuidarse contra el covid 19 (coronavirus) y que de esta forma cuiden a otros, el día de hoy les traigo algunas imágenes de obras de distintos artistas en las que podremos ver como retrataron distintos personajes en interiores.

Edvard Munch

Edward Hopper

Paul Hedley

Henri Lebasque

Marina Chulovich

Henri de Braekeleer

William Ladd Taylor

Karl Harald Alfred Broge

Ernst Kreidolf

Salvador Dalí

Espero les hayan gustado todas estas obras. Sigamos aprovechando para compartir arte.

¡Que tengan un lindo día!

Isabel Emrich

Isabel Emrich

Hoy quiero contarles un poco sobre esta artista que descubrí casi por casualidad y mostrarles algunas de sus obras que me parecieron muy interesantes y desde mi punto de vista, muy bellas.
Todo lo que tiene que ver con el agua, con el mar, suele atraerme por lo que sus pinturas probablemente llamaron mi atención porque conectaron con algo en mi interior. Y claro, ¿no es acaso eso lo que el arte hace?

Sobre ella

«Me sumerjo totalmente en la experiencia de la pintura y cuando lo hago, estoy conectando con el amor, la alegría y la paz. Tengo una necesidad de entender quién soy y quien es la gente que esta en mi vida. Mis pinturas tienen algo inusual porque expreso la música dentro de mi arte. Elijo los colores como instrumentos y defino el ritmo de la textura con la que voy a cantar las emociones que mi pintura expresara. Me esfuerzo por hacer tangibles las experiencias intangibles a través de mi arte; para hacer lo silencioso, resonar; el sin sabor una explosión de sabor, y lo invisible, visto. Hay sanación para mi en el proceso y a través de mi arte espero que haya sanación para el observador también.» Isabel Emrich

Isabel Emrich es una joven artista de California que trabaja en un estilo expresionista que mezcla abstracción y figuración. Sus pinceladas en óleo son fuertes y fluidas, cualidades que hacen eco de la naturaleza del agua.
En sus pinturas podrán ver como captura a la perfección los efectos que el agua presenta al ojo humano, caóticas refracciones en múltiples planos y espacios, luces brillantes, sombras distorsionadas y mucho más.

En sus obras la artista explora las sensaciones de paz y calma que sentimos cuando nos sumergimos en el agua. A su vez podemos ver el dinamismo del cuerpo moviéndose en ella. Vemos cuerpos flotar y sumergirse. Observamos también el cabello de sus figuras expandirse de una forma sutil y armoniosa.

La paleta de color es variada pero se ajusta perfectamente a las sensaciones que quiere transmitir. 

Espero que les hayan gustado sus obras, siempre es lindo conocer algo nuevo y compartirlo con otros.
Les dejo la página de la artista para quienes la quieran visitar y ver más de sus obras: http://www.isabelemrich.com/ También pueden encontrarla en Instagram, @isabelemrich, donde incluso podrán ver algunos videos mostrando cómo realiza sus pinturas.

alice bailly arte

Alice Bailly

Hoy:

Alice Bailly

Alice Bailly nació en Ginebra, Suiza en 1872. La familia de Alice era una familia modesta. Lamentablemente, a sus catorce años, sufre la muerte de su padre quien trabajaba en la oficina de correos.
Su madre era maestra de alemán y se ocupo de educar a Alice y sus dos hermanas.

Comenzó sus estudios de arte en la Escuela de Bellas Artes de Ginebra donde asistió a cursos realizados solo para mujeres. 
Más tarde vivió en Munich y luego, en 1906, se traslado a París. Allí Alice tuvo contacto y forjo amistad con varios pintores como Jean Metzinger, Fernand Léger, Juan Gris, Francis Picabia, Sonia Lewitska, Marie Laurencin y Albert Gleizes. Todos estos artistas influyeron tanto en sus obras como en su vida. 

En Paris, Bailly exhibió sus grabados en madera. Allí también se interesó por el fovismo por sus colores intensos, contornos oscuros y sus formas irrealistas.
En 1908 mostró en el Salón de Otoño algunas de sus obras y en 1912 Alice fue elegida representante de los artistas de Suiza para una muestra itinerante de pintores europeos. 

alice bailly arte

En 1914, ideo las «pinturas de lana» (cuadros pintados con lana) los que no quería que fuesen calificados como bordados.
Como la que ven a la derecha, estas pinturas las realizó con hebras cortas de hilos o lana de colores. La forma en la que estos hilos se entrelazan se asemejan mucho a pinceladas.
Esta técnica la utilizo para aproximadamente cincuenta obras que realizo entre 1913 y 1922.

Durante la Primera Guerra Mundial Bailly residio en Suiza donde participó en el movimiento Dadá que surgió allí.

En 1927, Alice pintó su obra más conocida. La obra consta de un autorretrato con un enfoque vanguardista que abarca varios estilos. (Autorretrato que pueden ver al principio de esta entrada)
El mismo fue ejecutado con un estilo tradicional mientras que los tonos rojos, azules y naranjas tienen una influencia fauvista, mientras que las manos, realizadas con lineas arqueadas muestras un estilo que re puede relacionar con el futurismo italiano.

Alice Bailly fue conocida por su particular visión del cubismo y del fauvismo. Pintó notables retratos, paisajes urbanos y campestres, naturalezas muertas y escenas con figuras.
Sus obras presentan una amplia paleta de colores y formas y composiciones de gran dinamismo. 

En el año 1936, se le encargo a la artista decorar el vestíbulo del Teatro de Lausana. Esta tarea le requirió mucho esfuerzo, lo cual la agoto y le genero daños a su salud. En esa época contrajo tuberculosis lo que lamentablemente causo su muerte en 1938.
Luego de su muerte, en 1946 se creo la Fundación Alice Bailly con el objetivo de sostener a jóvenes artistas suizos y franceses. Este fue un deseo de Alice quien pidió en su testamento que el dinero que se obtuviese de la venta de sus obras fuese a un fondo para ayudar a jóvenes artistas ●

Gabriele Münter

Gabriele Münter

Gabriele Münter nació en Berlín en febrero de 1877. Sus padres, quienes tenían una muy buena situación económica apoyaron su educación artística. A los veinte años asistió a una escuela de arte para mujeres en Düsseldorf (Alemania) 
En 1901, luego de un viaje de dos años por Estados Unidos, se estableció en Munich.
En aquel entonces, La Academia de Bellas Artes de Múnich no estaba abierta para las mujeres por lo que tuvo que estudiar en una asociación femenina de pintura que había en la ciudad. 

Pero al poco tiempo Gabriele se aburrió por lo que dejó la asociación para concurrir a la progresiva escuela de arte Phalanx. En ella trabajaba el artista Vasily Kandinsky con quien se comprometió en 1903.

autorretrato gabriele munter

En ese momento Kandinsky seguía casado y se divorció recién en 1911. Vivieron juntos varios años, hasta 1917 y viajaron a varios destinos como Italia, Holanda, Francia, Túnez, entre otros. 
Durante una de sus primeras visitas a Francia Münter conoció las obras de varios fauvistas (entre ellos Henri Matisse) lo que cambió su estilo.
Gabriele se convirtió en miembro fundadora de la Nueva unión de artistas de Múnich (Neue Künstlervereinigung München) iniciada por Kandinsky y que incluía a varios artistas del Blaue Reiter.

El Blaue Reiter fue un grupo de artistas expresionistas, fundado por Vasili Kandinski y Franz Marc en Berlín en 1911 hasta 1913. Este grupo transformó el expresionismo alemán. Sus fundadores defendían la idea de que cada persona posee una verdadera vivencia o experiencia interna y externa, que se dan la mano gracias al arte. A partir de esto Kandinsky construyó las bases teóricas que fundamentaban esta idea.

Durante la Primera Guerra Mundial, Kandinsky tuvo que salir forzadamente de Alemania. A partir de allí Gabriele vivió cinco años (entre 1915 y 1920) en Escandinavia y vio por última vez a Kandinsky en Estocolmo en 1916.

A partir de allí Münter vivió en varios lugares pero lamentablemente por una profunda depresión dejo de pintar.  En 1925, en Berlín, realizo algunos pocos retratos de mujeres hechos a lápiz y recién en el año 1929 en París volvió a impulsar su actividad artística. 

En 1932 regresó a su casa en Murnau (Alemania). Allí vivió con Johannes Eichner (historiador de arte)
Durante ese tiempo Gabriele realizó varias obras abstractas y pintó sobre todo flores. 

Lamentablemente en el año 1937 los nazis le prohibieron exponer su obra. Afortunadamente para el mundo del arte, durante la Segunda Guerra Mundial, Gabriele escondió muchas de sus obras, más de ochenta obras de su amor Vasily Kandinsky y de otros miembros de Der Blaue Reiter. De esta forma la artista las salvo de la destrucción regalándolas más tarde en 1957 a la ciudad de Múnich.  

Gabriele desarrolló un estilo propio, con brillantes colores, formas fuertes y  sólidos delineados.
Esta gran artista falleció en 1962 y la obra de Münter se encuentra en la actualidad en importantes museos del mundo.

La obra de Gabriele Münter es para mí de una gran belleza y expresión, quizás no tan conocida o quizás hasta un poco «opacada» por la figura de su amante Vasily Kandinsky pero demuestra ser una gran artista por si misma y hay que recalcar también que gracias a ella hemos podido conocer obras de otros muchos artistas que hubiesen sido destruidas y desconocidas para nosotros ●

Sobre obras y paletas

Sobre obras y paletas

Una de las cosas que más me fascinan de la pintura y de los grandes artistas es la variedad y coherencia de sus paletas. 
Por un lado esta la paleta como elemento en el que el pintor deposita las distintas pinturas y por otro lado esta la paleta que refiere a la gama de colores que utilizara el artista para realizar su obra. Analizar ambas puede ser muy interesante.

Para comenzar hablaremos de la paleta como soporte o herramienta del pintor. 
Desde el 2017 un fotógrafo alemán llamado Matthias Schaller comenzó con un proyecto de fotografía en el que retrataría las paletas de distintos pintores. 
Todo comenzó durante una visita que realizo Matthias Schaller al ultimo estudio del artista Cy Twombly. Allí el fotógrafo se dio cuenta de que la paleta del artista puede ser un fiel reflejo de las pinturas del mismo. Fue así que comenzó a realizar una investigación por distintos museos y fundaciones privadas en busca de las paletas de importantes artistas. De esta manera logro realizar una serie de fotografías que reúne aproximadamente setenta pintores de los siglos XIX y XX.

La serie se llamo Das Meisterstück que significa «La obra maestra» ya que parte de la idea de que la paleta del artista en si ya es una obra de arte y puede decirnos mucho de quien la utiliza y de su obra. 

A continuación podrán ver algunas de las paletas que Schaller fotografió. Como verán cada una de ellas es muy distinta y al observarlas incluso se me ocurre pensar en distintas personalidades de quienes las utilizaron.

Claude Monet

Édouard Manet

Pablo Picasso

Henri Matisse

Eugene Delacroix

Georges Seurat

Marc Chagall

Vincent Van Gogh

Edgar Degas

Francis Bacon

Wassily Kandinsky

Paula Modelsohn Becker

J.M.W. Turner

Henri de Toulouse Lautrec

Paletas de color

La paleta, además de ser una herramienta o elemento indispensable para el pintor, también refiere a la gama de colores que el artista elige para cada una de sus obras.

A continuación les mostraré obras de distintos artistas y bajo las mismas observaran una aproximación de la paleta de colores elegida. 

- Cabeza de hombre - Joan Miró

- Ballet romántico - Joan Miró

- Escalera cruza el azul en rueda de fuego - Joan Miró

- Las señoritas de Avignon - Pablo Picasso

- La mujer que llora - Pablo Picasso

- Los girasoles -
Vincent Van Gogh

- Retrato de Joseph Roulin -
Vincent Van Gogh

- La noche estrellada - Vincent Van Gogh

- Bailarinas en la barra - Fernando Botero

- Hombre con guitarra - Fernando Botero

- Niña con flor - Fernando Botero

- La brillantez - Tamara de Lempicka

- La música - Tamara de Lempicka

- La durmiente - Tamara de Lempicka

remedios varo

Remedios Varo

Hoy!

Remedios Varo

remedios varo

Hoy les mostraré algunas imágenes de obras de la artista María de los Remedios Alicia Rodriga Varo y Uranga, también conocida como Remedios Varo.

A su vez, para quienes aún no la conocen, les dejare una pequeña biografía. 

remedios varo
remedios varo

Remedios Varo fue una pintora surrealista, escritora y artista gráfica nacida el 16 de diciembre de 1908 en España. Su padre fue Rodrigo Varo y Zejalvo y su madre  Ignacia Uranga y Begareche. Remedios tuvo dos hermanos, Rodrigo y Luis.  
Desde pequeña, la niña, mostró una gran atracción por la pintura. En 1917 la familia viajó Madrid donde Remedios estudio en colegios católicos y luego recibió formación artística. 

Fue una de las primeras mujeres en estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Allí estuvo desde los quince años y compartió tertulias con personajes como Dalí y Garcia Lorca.

Una vez finalizados sus estudios se casó con Gerardo Lizarraga quien había sido compañero suyo en la Academia. Vivieron un año en París y luego se trasladaron a Barcelona.

remedios varo
remedios varo
remedios varo

Allí, en 1932, trabajo como diseñadora publicitaria donde se sumo al grupo surrealista Logicofobista. Este grupo tenía como uno de sus objetivos representar los diferentes estados mentales internos del alma, utilizando distintas formas que sugerían aquellos estados.

Durante la guerra civil española conoció al poeta surrealista Benjamin Péret, quien fue nombrado en las crónicas de la artista como «su gran amor». Por esto, en 1937, rompió su relación con Gerardo Lizarraga y cinco años después viajo a París junto con Benjamin Péret.

Con la llegada de los nazis, Remedios fue detenida por ser la compañera de Péret pero en 1941 lograron exiliarse en México donde pudieron naturalizarse. Allí, Remedios trabajó con otros artistas.

remedios varo
remedios varo
remedios varo
remedios varo
remedios varo

En 1941 se separó de Benjamín Péret quien volvió a París pero siguieron manteniendo el contacto y Remedios lo ayudo económicamente hasta su muerte. 
Luego, la artista viajó a Venezuela donde trabajo como ilustradora entomológica (entomología: parte de la zoología que estudia los insectos) hasta 1949 que volvió a México donde continuó trabajando como ilustradora publicitaria. 

En 1952 se caso con el político refugiado austriaco Walter Gruen quien era gran admirador de su obra y que la convenció de dedicarse totalmente a la pintura brindándole su ayuda económica. 

remedios varo
remedios varo

Durante su estancia en México, Remedios conoció a artistas como Frida Kahlo y Diego Rivera. También creo un gran lazo de amistad con la pintora y escritora surrealista británica Leonora Carrington. 

En 1958 Remedios obtuvo el primer lugar en el Primer Salón de la Plástica Femenina en las Galerías Excélsior.

remedios varo
remedios varo
remedios varo

Como habrán observado en las imágenes, la obra de Varo es muy particular. Nos muestra un mundo donde se mezcla lo místico, lo esotérico, lo mágico y lo científico. Entre sus obras Remedios realiza en 1961 el siguiente tríptico que consta de las obras Hacia la torre, Bordando el manto terrestre La huida. En ellas traduce y muestra su propia historia de vida con una representación surrealista.

remedios varo
remedios varo

El misticismo en las pinturas de Remedios estuvo influido por el psicoanálisis de Sigmund Freud, Carl Jung y Alfred Adler. Esto podemos observarlo en su obra «Mujer Saliendo del Psicoanalista» sobre la cual la artista menciona lo siguiente en una carta a su hermano:

«Esta señora que sale del psicoanalista arrojando a un pozo la cabeza de su padre (como es correcto hacer al salir del psicoanalista). En el cesto lleva otros desperdicios psicológicos: un reloj, símbolo del temor de llegar tarde, etcétera. El doctor se llama Dr. FJA (Freud, Jung, Adler).»

remedios varo
remedios varo

En la obra de Varo aparecen con frecuencia figuras humanas estilizadas realizando tareas simbólicas con elementos pertenecientes al mundo onírico y de los arquetipos. Aparecen también diferentes planos de la realidad: la materia y el espíritu, el mundo animal, el humano y el vegetal.

remedios varo
remedios varo

Lamentablemente Remedios Varo no logro vivir de la pintura, supervivió en parte realizando trabajos como ilustradora publicitaria. Pinto también instrumentos musicales, muebles, decorados. Diseño también trajes y tocados para teatro y ballet junto a su amiga Leonora Carrington.

remedios varo
remedios varo
remedios varo

Remedios Varo falleció el 8 de octubre de 1963 en la Ciudad de México. En este país que la acogió su obra ha tenido un gran impacto en el mundo del arte, Remedios fue allí muy popular. En cambio, en España, a pesar de que su obra fue homenajeada en alguna ocasión en Barcelona, no fue tan conocida. 

A su muerte, el poeta André Breton escribió: “El surrealismo reclama toda la obra de una hechicera que se fue demasiado pronto”