pablo cedron

Pablo Cedrón: la obra secreta.

HOY!

Pablo Cedrón: la obra secreta.

pablo cedron

El día sábado visite en la “Casa Nacional del Bicentenario” la muestra “La obra secreta” del actor y guionista argentino Pablo Cedrón, fallecido en el año 2017.

Llegue a la muestra casi de casualidad. Había ido para ver la obra de un grabador argentino y cuando ingrese al lugar me comentaron que había en exposición varias muestras, entre ellas la de Pablo Cedrón, quien para mi hasta ese momento era conocido solo como actor. 

pablo cedron

Al ingresar a la sala de exposición, situada en el segundo piso, me lleve una gran sorpresa. Al principio no comprendía bien, porque como les comente, para mi Pablo Cedrón era un actor argentino que sabia ya había fallecido.

Comencé a recorrer la sala, encontrándome para mi sorpresa con pinturas de todo tipo, realizadas con distintas técnicas, de grandes y pequeños formatos, pero sobre todo pinturas que contaban historias. Pinturas que en su esquina derecha inferior presentaban la firma “Cedrón”. Comprendí entonces que estaba frente a una faceta para mi y seguramente para muchos desconocida de este gran actor. 

Pequeña biografía

Al ingresar a la muestra encontramos el siguiente texto, una pequeña biografía escrita por él mismo:

Mi nombre es Pablo Cedrón, me dediqué a varios oficios: gastronomía, fui guía del parque Nacional Los Glaciares, guía de cabalgatas, cazador, actor, guionista, trabajé en el campo, viví ocho años en París donde también me desempeñé en gastronomía, pintura de casas, fabricación de fijador para el cabello, carpintería. Muchas de esas actividades constituyen los temas que elegí para pintar, cosa que empecé a hacer a fines del 2009. Aunque nunca estudié artes ni participé de exposiciones ni fui a taller alguno de chico me gustaba el dibujo aunque no desconozco que debiera recibir algún tipo de formación”.

pablo cedron
pablo cedron

Comencé a recorrer la muestra sin ninguna idea de lo que encontraría. Me intereso ver que entre las distintas pinturas también había textos que en mi caso me ayudaron a acercarme al pensamiento y sentimiento del artista.

pablo cedron
pablo cedron

“Tenemos algo que nos une a ese lugar. Yo ya habia soñado con ese lugar hace muchos años cuando estaba en Francia, ante de conocerlo, tenía 16 o 17 años y  nunca habia estado en el sur, pero si tenia algunos sueños recurrentes con superficies enormes con lagos, mesetas; yo las veía desde muy arriba y muchos troncos blancos. Cuando la conocí me dí cuenta que era eso”

pablo cedron
pablo cedron
pablo cedron
pablo cedron

Cuadernos y bocetos

En una vitrina se presentaban, como verán en la imagen siguiente, algunos cuadernos con bocetos y escritos del artista.  

pablo cedron
pablo cedron

Por otro lado se observaba un storyboard realizado para el cortometraje “El ojo de la sardina” escrito por Cedrón y Paula Manzone. A su vez, se trata de un extracto de la película “El pájaro de fuego” que relata su historia personal. Ambas piezas se encuentran inéditas. 
Me fue muy interesante ver, que lamentablemente no se aprecia tanto en las fotos, el detalle de cada una de las imágenes, la paleta de colores que utilizó para crear un clima especial, el clima que necesitaba cada escena.

pablo cedron

Aquí vemos bocetos de escenografía/vestuario y personajes para la obra “Jamel”, teatro sin animales, realizados en acuarela. En cada uno de ellos se ve la dedicación y la pasión que claramente le ponía el actor a sus proyectos.

pablo cedron
pablo cedron

En estas fotos verán los bocetos y la versión final del diseño gráfico de la obra, a cargo del historietista e ilustrador Lucas Varela. También hay fotografías de la puesta en escena de la obra, que se realizó en la Ciudad Cultural Konex y en el teatro Lorange. En el centro, fragmentos de textos intervenidos durante los ensayos.

pablo cedron
pablo cedron

En el centro de la sala se encontraba la maqueta de la escenografía de la obra y mascaras utilizadas por los personajes. En la fotografía no se observa tan bien pero los detalles de la maqueta son increíbles. 

Otra de las cosas que descubrí del actor Pablo Cedrón al recorrer la muestra es que vivió en Calafate y fue guía de parques nacionales. Aquí pueden verse varias pinturas de esos paisajes.

pablo cedron

Fui hasta Río Gallegos con otro guía a buscar un contingente de suizos que llegaban, hay que salir a las seis de la mañana a buscarlos al aeropuerto y traerlos al Calafate, creo que debe ser el traslado de turistas hasta el hotel más largo del mundo, el aeroparque esta a trescientos km, regresas a la noche totalmente regalado, cruzas toda Patagonia, el día siguiente los llevas hasta el glaciar Perito Moreno. Había un gallego que se empeñaba en llamarlo Perico Moreno y no hubo forma de hacerle entender el proceso de ruptura ni siquiera cuando estuvo frente al glaciar, creía que cada cuatro años todo el glaciar, desde su nacimiento hasta su frente, unos 35km, se derrumbaba, quién sabe por qué extraño sortilegio, como si de gigantescos palos de bowling se tratase y volvieran a emerger de la nada cuatro años más tarde a la manera de hongos silvestres. Pero fuera de todo comentario jocoso debo decirte que el espectáculo del Moreno es algo impresionante, no podes dejar de verlo, ojalá tengas la ocasion de venir a conocer, no se puede expresar con palabras, yo he ido varias veces, noventa metros de alto que a veces pierde pedazos grandes como vagones de ferrocarril que van a estrellarse en el canal con un estruendo que se escucha a kilometros, cóndores por aca, guanacos por alla, en fin, una maravilla.

Fragmento de una carta a su primo Román Cedrón.
Calafate, 3 de octubre 1990.

pablo cedron
pablo cedron
pablo cedron
pablo cedron

Otra faceta de la cual habla la muestra, es quizás la faceta más conocida de este artista, la faceta actoral. Las distintas pinturas nos acercan nuevamente a su forma de ver su tarea como actor y también sobre el ambiente actoral, los representantes de actores, los actores mismos, los extras. Se cuenta en la muestra que Cedrón tenia una fascinación por lo personajes marginales, en este caso los extras, los olvidados de la industria del entretenimiento, personas/personajes que se utilizan de relleno, ahí él decidió hacer foco y capturar su esencia.

 
pablo cedron

Como siempre la película está fuera de cuadro. Extras, rostros de tenacidad y trabajo y poseedores de una nobleza que ignoran, inocencia, costumbres de morondanga y pasiones paganas que jalonan el sendero de sus vidas castas y dignas, perros que entran por la ventana, ruinas grandiosas del eterno “podría haber sido” de nuestra Argentina, paisaje desesperado de planeta, paisaje de la postergación y la indiferencia, paisaje que no alcanza a ser dramático no obstante caber en él el modesto drama de nuestras existencias actorales.

Febrero 17, 2015.

pablo cedron

Hoy entrevista con otro señor que afirma ser representante de actores. No tengo palabras para expresar la mala impresión que me causa. Hay en su oficina un ligero pero persistente olor a talco que me recuerda constantemente a mi abuelo Martín, aunque mi abuelo solo usaba talco en los zapatos cada vez que emprendía un viaje a Buenos Aires. El representante habla y habla con conceptos imprecisos y gomosos destacando sus profundos conocimientos en la materia y cantidad de contactos que maneja en el fascinante mundo del periodismo. Sé que cuando termine de hablar me dirá que lo pensemos y que luego nos comuniquemos, sé que ninguno de los dos lo hará. Me dejo llevar por el olor a talco y éste me conduce hacia unas figuras inciertas que ondulan en un cuadro muy feo detrás de su cabeza. Las figuras, el talco, mi abuelo. De golpe se me aparecen con intensidad los dibujos animados que mi abuelo me llevaba a ver al cine, estaban musicalizados con jazz y allí dentro de las personas de raza negra se movían y bailaban con cadencias ondulantes como las formas de este cuadro. ¿Por qué no vi nunca fantasmas de raza negra? Tiene que haber. Éste hombre también es muy gomoso, pero sin ninguna gracia y también es un fantasma pero que da rica, si miente así ahora que recién me conoce qué no hará a los seis meses de trabajar juntos.

pablo cedron
pablo cedron
pablo cedron
pablo cedron

Maqueta de una ciudad

Otra parte que me sorprendió gratamente  de esta muestra fue esta maqueta de una ciudad. Llamaron mi atención los detalles de las ventanas de los edificios, de las puertas, los pequeños faroles, todo de una minuciosidad que admiro de algunos artistas.

pablo cedron
pablo cedron

Adjuntos a cada obra, como ya leyeron, en la exposición se exhibían escritos del actor que nos permiten acercarnos a su pensamiento y sentir, muchos de esos textos me resultaron algo tristes pero a pesar de ello me parecieron muy bellos.

“Con unas cajitas, de mis antidepresivos vacíos, hice unas casas. Esto después se hizo un pueblo y despues una ciudad… Concebí una sociedad imaginaria, del futuro, cruel, diferente, absurda, hostil, en la que está prohibida la música y el humano es un ser confundido y desamparado que aceptó lo absurdo como normal y lo normal como utopía, que pugna por encontrar un sentido a su camino lleno de dolorosos disparates.”

pablo cedron
pablo cedron
pablo cedron
pablo cedron
pablo cedron
pablo cedron

“En estación Pueyrredón un hombre se ha arrojado a las vías y el tren hizo el resto.
Gran aglomeración y se interrumpe el servicio. Tendré que bajar y tomar la otra línea que queda lejos. Al bajar, en el amontonamiento humano que pugna por ganar la escalera mecánica alcanzo a ver parte del cuerpo del desdichado. Hay poca sangre, lo que a veces resulta todavía más impresionante, un pequeño reguero de un metro de largo, se aprecia que el chorro salió a presión y ha dejado una especie de efecto spray, el cuerpo ha sido rápidamente cubierto por una caja de cartón de papas Pehuamar. Asoma un pie con un zapato, observo que el mismo es de la marca que promociona Pablo Echarri.
Llego tarde al representante que no ha tenido paciencia para esperar veinte minutos y se ha ido.”

pablo cedron

“Hay un bandoneonista en uno de los corredores del subte. Toca del mismo modo que tantos otros, luego de pasar por su interior, la música sale tal como él la va leyendo en la partitura, no hay una sola imagen, un momento particular, una intimidad, una opinión.
No he vuelto a escuchar nunca más el fraseo y el sonido de los bandoneones de mi niñez. Se ha perdido todo aquello y no se si felicitarme o ponerme triste por haberlo conocido porque cuando hayamos muerto los que fuimos testigos de eso, habrán muerto nuevamente esos hombres.”

pablo cedron

Además de ser actor, guionista y pintar, Cedrón también practicó boxeo y tocaba la trompeta. Era un gran admirador del jazz.

pablo cedron
pablo cedron boxeo

El lunes me pondrán un aparato colgado que deberé llevar veinticuatro horas. Es para saber. Saber del corazón. Saber cuánto dolor aún puede resistir el corazón.
Mi existencia amenaza siempre con el vacío, sin emociones, con muy poca expectativa. Falto también de deseo vital, converso únicamente con Reno Dragonziuk, el policía de la esquina. No tengo siquiera una doble vida, para eso primero habría de tener una.

pablo cedron

A continuación observaran algunos afiches de películas en las que participó.

Pablo Cedrón participo también como actor en muchos programas que en Argentina fueron muy conocidos como: Cha Cha Cha, Carola Casini, Campeones, Tiempo final, Malandras, Sin código, Mujeres asesinas, Sos mi vida, Historia de un clan, Farsantes, entre otros.

pablo cedron peliculas

Para finalizar quiero decir que me hubiese gustado conocer la obra de este artista antes. Él nunca realizo ninguna muestra, esta se realiza ya habiendo fallecido, lo cual es una pena porque creo que de haberla hecho en vida hubiese recibido muchos buenos comentarios y siempre es grato cuando uno puede mostrar lo que hizo con tanta pasión y dedicación. 

Lo que rescato de su obra es la continua reflexión, la forma de componer, la paleta que utilizaba, el compromiso. Claramente lo actoral se entrevera en su forma de componer, de crear ciertos climas en sus imágenes, casi como si se tratara de la fotografía de una película. 

Me llaman la atención y me gustan los artistas que logran trasmitir a través de su obra. Me interesan mucho también aquellos artistas integrales. Aquellos que no solo nos dejan imágenes sino que también nos dejan escritos, dejan su historia plasmada de distintas formas, que muestran en su arte su pasión y muchas veces su dolor.

Lamentablemente esta muestra al día siguiente finalizaba, por lo que no puedo recomendarles que vayan a verla, pero les traigo algunas imágenes, que no son lo mismo que ver la muestra “en vivo” pero que es una forma de compartir lo que tanto me agrado y sorprendió ver esta exposición. Ojala vuelvan a mostrarla en alguna otra ocasión y tengan la oportunidad de verla •

pablo cedron
Luis Felipe Noe

¡El orden del caos!

HOY!

Luis Felipe Noe

Luis Felipe Noe

En el año 2017 se realizó en el Museo Nacional de Bellas Artes, en Buenos Aires, Argentina una muestra prospectiva del artista Luis Felipe Noe. 

A continuación les mostrare algunas fotografias que saque en la muestra y les contare un poco más de este gran artista. 

Luis Felipe Noe
Luis Felipe Noe

Conocí la obra de Felipe Noe hace unos años gracias a un profesor de la facultad que, a raíz de un trabajo que yo estaba haciendo, me sugirió ver obras del artista.

Al poco tiempo descubrí para mi sorpresa en mi biblioteca, entre unos libros que me habían regalado, un libro con imágenes de obras del artista y al poco tiempo se realizo la exposicion en el Museo Nacional de Bellas Artes.

Luis Felipe Noe
Luis Felipe Noe

Conociendo a Luis Felipe Noé

Luis Felipe Noe nació en Buenos Aires en 1933. En 1951 estudió en la Facultad de Derecho de la Universidad de Buenos Aires y concurrió durante un año y medio al taller de pintura de Horacio Butler. Luego siguió formándose también de manera autodidacta.

En 1955 dejo la facultad de derecho y trabajo en el diario El Mundo, donde ejercio la critica del arte.

En 1959 realizó su primera exposición individual en la Galería Witcomb. 
Fue amigo de Alberto Greco y otros artistas con los que luego compartió un taller que le cedió su padre (un sector de lo que había sido la fábrica de sombreros fundada por su abuelo) ubicado en la calle Independencia entre Bolivar y Defensa (San Telmo)

En esa época realizó exposiciones en la Galeria Kalá, en la Galeria Van Riel y en la Galeria Bonino.

Luis Felipe Noe
Luis Felipe Noe

En 1960 Noé propuso a los artistas Greco, Macció y De la Vega (con quienes había compartido su taller) hacer una exposición que fuese más allá de la separacion habitual entre abstractos y figurativos. La intención era crear un movimiento. Para esto invitaron distintos artistas, algunos aceptaron y otros rechazaron participar. La muestra buscaba superar esa división u oposición entre figuración y abstracción. 
Finalmente, aquella muestra, se realizó en el Salón Peuser y se titulo Otra figuración. El movimiento que surgió a partir de la misma fue denominado por críticos neofigurativo o Nueva Figuración.

Luego Noe, viaja a Europa donde mas tarde se sumarían sus amigos artistas para comenzar a exponer en muestras compartidas.

Luis Felipe Noe
Luis Felipe Noe
Luis Felipe Noe

De vuelta en Buenos Aires, en 1962, los cuatro artistas que habían compartido aquella experiencia artística en Europa (Deira, Macció, Noé y De la Vega) se instalaron en un nuevo taller. A partir de allí realizaron varias exposiciones juntos tanto en Argentina como en Montevideo y Río de Janeiro.

Gracias a un premio que Noe recibió del Instituto Di Tella, se traslado con una beca a Nueva York donde permaneció hasta 1964 compartiendo taller con diversos artistas. Realizo también allí algunas muestras de sus obras y de obras que había realizado con su grupo de Argentina. La presencia de los neofigurativos fue destacada en el New York Times quien los definió como un nuevo grupo sobresaliente en el panorama de la pintura argentina.

Luis Felipe Noe
Luis Felipe Noe

En 1965, el artista presentó en una muestra en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, su primer libro, Antiestética. Este libro puede pensarse como un manifiesto. En el expuso por primera vez su tesis sobre el caos como estructura y sus nociones de “ruptura de la unidad”, “asunción del caos” y “visión quebrada”.

Luis Felipe Noe
Luis Felipe Noe

A fines de 1965 Noé vuelve a Nueva York donde realiza una muestra comprendida por tres instalaciones las cuales más tarde le parecieron difíciles de trasportar y vender asi que a su regreso a Buenos Aires decidió deshacerse de ellas. 

Luego de esta muestra Noe deja de pintar por algunos años. Realizar pinturas-instalaciones se le hacia difícil al momento de guardarlas o moverlas y volver a la pintura plana ya no era una opción ya que en ella no podía reflejar su concepción del caos. 
No obstante, continuó realizando actividades relacionadas con los artístico, creando y escribiendo. Ya en Buenos Aires comenzó a dar también clases de Plastica.

Luego de esto y de realizar terapia, en 1971, vuelve a pintar. En sus sesiones de terapia dibujaba. Esos dibujos más tarde formaron parte de dos series, una llamada “La naturaleza y los mitos”, y otra sobre la conquista de América, “Conquista y violación de la naturaleza”.

Luis Felipe Noe
Luis Felipe Noe

En 1976 el artista viaja a Paris, luego del golpe de Estado que se produjo en Argentina. Allí se dedica a la enseñanza de la pintura y realiza también exposiciones individuales  en París, Madrid y también Buenos Aires, ciudad a la que viaja anualmente a partir de 1978.

Entre 1981 y 1983 fallecen sus padres. En ese año ultimo año, adquiere su casa en la calle Tacuarí, Buenos Aires, donde vive a partir de 1987.

Luis Felipe Noe

En 1991 se realiza la muestra “Deira, Macció, Noé, de la Vega, 1961” en el Centro Cultural Recoleta (Buenos Aires) En los siguientes años se realizan otras muestras restrospectivas del grupo de amigos y artistas junto a los que trabajo Noe.

La obra de Felipe Noe se expuso a lo largo de los siguientes años en numerosas muestras colectivas e individuales, a nivel nacional e internacional. 

En el año 2017 se realiza en el Museo Nacional de Bellas Artes la muestra Mirada prospectiva, de las cuales hoy les muestro imagenes.

Luis Felipe Noe
Luis Felipe Noe
Luis Felipe Noe
Luis Felipe Noe
Luis Felipe Noe

Estética del caos

El artista trabaja sobre la temática del caos, pero no sobre el caos como algo que se opone al orden, sino como una nueva dinámica de funcionamiento de un mundo en permanente cambio. De esto habla Noe en su libro que anteriormente les nombre llamado “Antiestetica”, plantea asumir ese caos, ese cambio. Fue así que desarrollo su “estética del caos”, donde el pasado hace eco en el presente y se proyecta hacia el futuro. La curadora de la muestra Cecilia Ivanchevich explica que por esto la muestra se llama “Mirada prospectiva”, porque su obra y trabajo presenta una continua obsesión por desentrañar el devenir.

Luis Felipe Noe
Luis Felipe Noe
Luis Felipe Noe
Luis Felipe Noe
Luis Felipe Noe
Luis Felipe Noe

Esta muestra fue para mi, una muestra que me encantó recorrer. Me sorprendió sus colores, sus instalaciones, los detalles de los trazos que se observaban al acercarse a cada obra.
Fue para mi una muestra distinta, que a cada paso llamaba la atención del espectador con la infinita gama de colores que presenta, con sus formas irregulares, con el caos que presenta de forma muy pensada en cada una de sus obras. Luego de recorrerla pude confirmar que Luis Felipe Noe es uno de mis artistas preferidos ●

Luis Felipe Noe
Luis Felipe Noe

Les dejo a continuación un video que realizaron del montaje de la muestra “Mirada Prospectiva” En el podrán observar algunas de sus obras y su gran formato.

Pensamientos

Hoy:

Pensamientos

En el año 2016 empece en la facultad un proyecto de grabado que termine a fines del 2017. La temática que decidí abordar fue la de los pensamientos y comencé trabajando a partir de textos escritos por mi misma.

Pensar, valga la redundancia, sobre los pensamientos fue algo que siempre recorrió mi mente. Reflexionar sobre ellos, sobre su procedencia, sobre su frecuencia siempre me interesó. 

A partir de aquellos textos, me pregunté de que manera representaría los pensamientos de los que hablaba si tuviese que darles forma. De esta manera apareció con la indagación una analogía entre el cabello y los pensamientos; Algunos creen que el cabello es la manifestación física de nuestros pensamientos y una extensión de nosotros mismos y se dice que cada uno de nuestros cabellos nos representa, que son puntos de conexión fuertes tanto de nuestro cuerpo como de nuestro espíritu. Esta relación de los pensamientos con el cabello me sirvió para encontrar su forma de representación: lineas que se ondulan, que pueden cruzarse, trenzarse, entretejerse. Comencé así a realizar bocetos, a dibujar distintas formas de pensamientos, porque claro, no todos son iguales. 

Realice distintos tipos de bocetos, algunos con marcadores, otros incluían collages y a otros les agregue también hilos.

Más tarde empece a realizar las linografías a partir de los bocetos (técnica que nunca había trabajado) 
El grabado no es fácil, es una técnica que requiere mucha paciencia en la realización de las matrices y muchas veces las estampas no salen bien al primer intento, pero es un trabajo para mi muy placentero.

Incluso aquellas estampas que no salían perfectas las utilizaba para realizar nuevos bocetos como los que verán a continuación.

El proceso de poner en imágenes aquello que imaginaba, aquello en lo que creía y que por momentos deseaba fue difícil pero finalmente sentí que de a poco me encaminaba. Obviamente la ayuda de mis profesores fue fundamental.

linocut

Aquel trabajo que comencé en el 2016 sufrió varios cambios a través del tiempo. Primero solo se trato de estampas, luego decidi realizar cajas que contuvieran aquellas estampas en relacion a la idea de contener los pensamientos. Por ultimo deje fluir algunos de esos pensamientos en móviles realizados con estampas caladas. 

Este trabajo formo parte a fines del 2017 de la ultima materia que rendiría para recibirme de Profesora de Artes Visuales. 

linografia pensamientos
linografia pensamientos
linografia pensamientos

En el año 2018, ya recibida, quienes habian sido mis profesores de grabado me invitaron a realizar junto a ellos y mis compañeros de cursada una muestra de grabado donde cada uno presentaria su proyecto. 

linografia

A continuación les muestro algunas fotos de cómo quedo montado. En la caja que verán, cada persona debía escribir y colocar adentro un pensamiento que no la dejara dormir. Al lado de la caja se encuentra un pequeño librito con los textos que dieron inicio a este proyecto. Enmarcadas se encontraban algunas linografías de la serie, linocollages y linografías con gofrados.

linografia pensamientos
linografia pensamientos
linografia pensamientos
linocollage linografia
linografia
linografia

Les comparto un video con el texto que se encontraba en el librito.

Finalmente puedo decir que mi proyecto busco ser un trabajo de indagación sobre los pensamientos como lineas, sobre su recorrido, sobre el lugar que ocupan, sobre los espacios que dejan, sobre su grosor, sobre el momento en el que se cruzan, sobre los nudos y los mundos interiores que generan, sobre mi manera de intentar ordenarlos y a su vez de dejar que fluyan 

Yves Klein

¿Conoces a Yves Klein?

Hoy!

Yves Klein

Yves Klein

En el año 2017 se realizo en Fundación Proa (Buenos Aires, Argentina) una exposición del artista francés Yves Klein. A ella concurrí sin saber de qué se trataba. 

Estudié Artes Visuales por lo que al ver obras hay ciertos aspectos técnicos que puedo llegar a conocer o que no puedo obviar al verlas. Pero siempre me pregunto qué observaran o qué les llamará la atención a aquellos que por ahi no tienen conocimiento o interés acerca de lo técnico. 

Yves Klein

Porque el arte tiene que ver también con la contemplación y algunas veces con la participación. En el caso de obras que no permiten la interacción del público, solo queda observar. 
En mi caso, al observar la obra de Yves Klein, sin pensar en lo técnico, verla me produjo cierta intriga, porque sin dudarlo es diferente, y curiosidad al observar esos inmensos lienzos de aquel color azul vibrante. 

Es común querer “entender” las obras de arte. Cuando uno crea su obra es común recibir preguntas como “¿y con eso que quisiste decir?” o “¿qué significa?” sobre todo cuando son no figurativas. Y cuando uno crea obviamente esta pensando en algo, uno tiene un concepto que quiere plasmar o representar, pero no necesariamente el observador debe conocer ese “detrás de bambalinas”. La obra debe decir por si misma y de alguna forma no importa si “entendimos bien”. 

A pesar de esto, es de utilidad para quienes buscan de todas formas “entender” (porque siempre queremos entender) o saber más de una obra, conocer el contexto histórico-cultural en el que se produjo, conocer sobre el artista, sus motivaciones, sus ideales, muchas veces su formación, etc. Esto nos ayudara a respondernos algunos por qué si nos interesa profundizar y no quedarnos solamente con lo que nos produjo la obra al verla. 
Por esto, además de mostrarles algunas fotos que saqué en la exposicion, hoy les contaré un poco acerca de la vida de Yves Klein.

Yves Klein fue un artista francés que nació en 1928 en Niza. Es considerado una importante figura dentro del movimiento neodadaísta.
Sus padres también fueron pintores. Klein estudió en la “Escuela Nacional de la Marina Mercante” y en la “Escuela Nacional de Lenguas Orientales” En esa época comenzó a pintar.
Se dice que a los diecinueve años, estando en la playa con dos amigos (Arman Fernández y Claude Pascal) decidieron dividir el mundo entre ellos. Uno de sus amigos eligió la tierra, otro las palabras, y Klein escogió el espacio etéreo que rodeaba el planeta. Aquello daría sentido luego a su arte. la búsqueda por alcanzar el lejano lado del infinito.
En el 1947, Klein compuso su primera Sinfonía monótona. La misma consiste en el sonido de un acorde sostenido durante 20 minutos seguido de 20 minutos de silencio. Se la considera un precedente de la obra 4’33” de John Cage.
El artista practicaba además judo y utilizo las técnicas del mismo para pintar.

Yves Klein
Yves Klein
Yves Klein
Yves Klein

Sus primeros trabajos fueron pinturas monocromáticas en una amplia variedad de colores. Entre ellos utilizo el color rosa, el dorado y el azul y cada color tenía un significado.

Para su producción artística experimentó utilizando diferentes herramientas para aplicar la pintura en el soporte. Utilizo rodillos, esponjas y hasta cuerpos de mujer cubiertos de pintura como pincel. A este ultimo tipo de trabajo lo llamo “antropometría” Por otro lado realizo también grabaciones de lluvia y de su propia voz hablando sobre su obra.

A principios de 1957 realizó en Milán su exposicion Proposte Monocrome, Epoca Blu. La misma consistía en 11 idénticas obras azul ultramarino. Para la creacion del famoso azul Klein utilizaba una resina sintética que al ser mezclada con el oleo conservaba el brillo del pigmento azul.

Yves Klein arte

Esta exposicion tuvo tanto éxito que también se expuso en París, Düsseldorf y Londres. Para la inauguracion de la exposición de París se lanzaron 1001 globos azules y Klein mandó postales azules con sellos del mismo color. Yves patento el azul intenso que utilizaba y lo llamo International Klein Blue (IKB).

Yves Klein murió en Paris en 1962 sin poder conocer a su hijo que nació poco después.

Yves Klein
Yves Klein

La muestra en Fundación Proa presentó las primeras pinturas monocromaticas de Klein, sus célebres cuadros de azul IKB, las pinturas de fuego, Las Cosmogonías, sus esculturas de esponjas y las obras en oro.

Yves Klein

Antropometría sin título – 1960

Yves Klein
Yves Klein

Las esculturas realizadas en esponja se encontraban colocadas en distintas bases de un blanco inmaculado que las hacia resaltar no solo por sus colores sino por sus texturas.Las esponjas naturales fueron para el artista un descubrimiento y lo fascinaron por su poder de absorción del color. Klein explicaba que las esculturas de esponjas podrían ser una metáfora del arte  y de como deseaba que el espectador se impregne de sensibilidad frente a sus monocromos.

Yves Klein
Yves Klein

Esta obra me sorprendió al verla, el hombre pareciera estar saliendo del lienzo dorado. Por otra parte el azul intenso no deja de llamar tu atención durante todo el recorrido de la muestra. Es muy vibrante y “limpio”.

Yves Klein
Yves Klein
Yves Klein
Yves Klein

Para Pinturas de fuego Klein realizó experimentaciones de distinto tipo: por medio de la combustión directa sobre cartón, vertiendo agua sobre el soporte para que la acción de las llamas imprimiera los trazos del agua, combinando además Antropometrías y manchas de color. Buscando la inmaterialización del arte, el fuego significo un paso más cerca del vacío en donde este, para Klein, arde constantemente.

Yves Klein

Esta muestra me mostró una vez más que el mundo del Arte es infinito y que en el podemos encontrar infinitas y diversas miradas sobre lo que nos rodea. 

Yves Klein

☟ Fundación Proa se encuentra en el barrio de La Boca. A continuación les dejo el mapa para quienes quieras visitar futuras exposiciones.

Venecitas y color en el barrio de Barracas.

HOY!

Venecitas y color en el barrio de Barracas.

Por recomendación de una amiga, hoy estuve caminando por el Pasaje Lanin, en el barrio de Barracas, Buenos Aires, Argentina.

En él pude conocer la obra del artista Marino Santa María, vecino del barrio.

Marino Santa María nació en Buenos Aires en 1949. Egresó de las escuelas de Arte “Manuel Belgrano” y “Prilidiano Pueyrredón”.  
Realizo numerosas obras de arte público y muestras individuales, por las que recibió muchos premios y distinciones.

Todo comenzó en 1999 cuando al artista se le ocurrio realizar en la fachada de su casa, en la calle Lanin 33 donde hoy es su taller, una adaptación de uno de sus cuadros. Marino Santa María quería que su obra saliese de los museos y galerias para presentarse imponente en la calle.
A partir de esto, un vecino, luego otro, comenzaron a pedirle que hiciera lo mismo en sus casas.

De esta manera, poco a poco, el artista logro que aquellas callecitas de Barracas, que comprenden tres cuadras entre Suárez, Brandsen, las vías del Roca y Feijoó, se renovasen y llenasen de color con su obra. Un lindo obsequio para aquel barrio que lo vió jugar en sus calles de pequeño y crecer.
A continuación les mostrare algunas fotos de las casas.

Incluso en partes de las veredas y donde hay plantados arboles podemos encontrar decoraciones con venecitas.

Vivo cerca del barrio de Barracas pero no conocía este pasaje. En la ciudad de Buenos Aires hay muchos rincones como este que muchas veces quienes vivimos en ella no conocemos y vale la pena recorrer.

Cada casa podríamos decir que fue transformada en una obra de arte. Cada una tiene su paleta de colores y diseño que la hacen única y diferente al resto. 

Es muy lindo observar como los colores de las venecitas constrastan con el cielo y el verde de los arboles.

La creatividad para el diseño de cada casa es único. Como ven en la foto esta casa incluso tiene una luz decorada con venecitas.

Como les contaba en Lanin 33 se encuentra el taller del artista. Una vecina nos comentaba que a veces esta abierto y se puede visitar pero esta vez no tuvimos esa suerte, realmente me hubiese encantado.

Colores rojos, amarillos, azules y naranjas llaman la atención en las distintas fachadas.

Mientras fotografiaba el lugar, una vecina del barrio se puso a charlar conmigo y mi pareja. Muy amable nos contó que el pasaje es muy visitado por turistas y que incluso personajes famosos lo han visitado. Nos invito a volver para “La noche de los museos” que se realiza en Buenos Aires en el mes de noviembre comentándonos que incluso organizan bailes. Nos mostró cuál es su casa, muy orgullosa de ella. Realmente era muy linda.

A quienes viven en Buenos Aires, o a quienes planeen visitar la ciudad les recomiendo pasar por estas calles y disfrutar de la obra de un artista que cambió con su arte las paredes de su barrio para sus propios vecinos. Después me cuentan, qué les pareció ●

Un regalo muy especial.

Un regalo muy especial

Hace unos años, aproximadamente en el 2010, vi en un stand de la feria del libro que se realizo en Buenos Aires dos libros titulados “Frida Kahlo & Diego Rivera”. Uno comprendía la historia e imágenes de las obras de la famosa pintora mexicana y el otro las del muralista y pintor que fue su pareja. Eran dos libros grandes y pesados, con una calidad de imágenes hermosas pero en ese momento yo no tenía suficiente dinero para comprarlos, los libros de arte suelen ser bastante caros. 
Recuerdo que cuando llegue a casa ese día, le conté a mi tía abuela del hallazgo, y sobre lo mucho que me gustaba aquel libro. Ella había sido vendedora de libros en alguna época por lo que le interesaban mucho.

 

En el año 2011 falleció, lo cual fue un hecho muy triste para mi ya que había compartido toda mi vida con ella y la quería mucho. De ahí en adelante toda la familia la extrañaría.

El día de mi cumpleaños de ese año, el primer cumpleaños que pasaba sin ella, mi mamá me hizo un regalo muy especial. Me contó que cuando mi tía abuela aun se encontraba con nosotras, había estado ahorrando dinero para poder regalarme aquellos libros que tanto me habían gustado. Mi mamá había encontrado el dinero en un monedero junto con un papel en el que se encontraba escrito el nombre del libro para no olvidarlo. Así fue que en ese cumpleaños se encargo de continuar con el deseo de mi tía abuela y me hizo este hermoso regalo que siempre me recordará el enorme cariño que me tenía.

Son dos libros que amo, por eso hoy les muestro algunas imágenes del tomo que pertenece a Frida Kahlo, más adelante les mostraré el de Diego Rivera.

Probablemente muchos de ustedes ya la conozcan pero les contare un poco sobre quién fue.
 

Frida Kahlo fue una pintora mexicana nacida en Coyoacán en 1907.
Su vida estuvo atravesada por bastante sufrimiento físico y enfermedades. En 1913 contrajo poliomielitis lo que la obligo a permanecer nueve meses en cama y le dejo algunas secuelas. Por su limitación motriz y sus constantes tratamientos médicos Frida no tuvo demasiado contacto con otros niños. Por eso cuando fue adulta pinto varios cuadros que reflejaban esa soledad que sintió en su infancia. Entre ellas esta la siguiente obra “Niña con mascara de muerte”. Si bien esta obra tiene que ver también con el Día de los Muertos que se celebra en México también se comenta el sentimiento de soledad y cierta fragilidad que genera la niña representada en este cuadro.

En 1922 Frida ingreso a la Escuela Nacional Preparatoria de Ciudad de México. Esta era una prestigiosa institución que hacia muy poco había comenzado a incluir estudiantes de sexo femenino. En esta escuela conoció a futuros artistas e intelectuales mexicanos y formo parte de un grupo llamado “Los Cachucas” (denominados así por las gorras que usaban) En el había solo dos mujeres, Carmen Jaime y Frida, el resto eran hombres.
El grupo se definía como un grupo político de rebeldes. Criticaban la autoridad y protestaban contra las injusticias.

En 1925 ocurrió un hecho que una vez más marcaría su vida con sufrimiento físico. En septiembre de ese año Frida viajaba en un autobús cuando el mismo fue arrollado por un tranvía quedando aplastado contra un muro y completamente destruido. Dicen que un pasamanos la atravesó y su columna vertebral quedo fracturada en tres partes entre otras heridas de gravedad en sus costillas, clavicula, pelvis, hombros, pies y cadera. Esto la llevo a múltiples operaciones quirúrgicas y a utilizar corses de yeso y de otros tipos.
Antes del accidente Frida ya había comenzado a incursionar en el dibujo pero aún no había mostrado mayor interés por la pintura ni por las artes visuales.
Tras el accidente debió moverse lo menos posible para lograr sanarse. Es allí donde la pintura aparece para tomar un lugar importantisimo en su vida. Durante este largo periodo de sufrimiento y reposo Frida comenzó a pintar de manera más asidua
. En septiembre de 1926 pintó su primer autorretrato al oleo. Así fue que comenzó a reflejar en sus cuadros los sucesos de su vida y los sentimientos que le producían.

De allí en adelante no paro de pintar.

Frida frecuento muchos ambientes políticos, artísticos e intelectuales. Asistió a las reuniones del Partido Comunista de México donde Diego Rivera militaba desde 1922.

Frida conoció a Diego Rivera a través de su amiga Tina Modotti. Compartió con el varias reuniones a las que asistía con su amiga pero nunca había hablado con el. Un día Frida lo visito mientras el trabajaba en una serie de murales que realizaría para el edificio de la Secretaria de Educación Publica y le mostró algunas de sus pinturas. A Diego le causaron una excelente impresión y la animo a seguir pintando.

La artista se caso con Diego Rivera en 1929. Su relación tuvo amor pero también aventuras con otras personas. Tuvieron ademas un gran vínculo creativo. En 1939 se divorciaron y un año después volvieron a casarse. Por las lesionas que había tenido de joven, Frida nunca pudo tener hijos. A pesar de su deseo de hacerlo, su cuerpo no lo resistiría.

Diego admiraba y amaba la pintura de Frida. Dicen que ella por su parte fue la mayor crítica de Diego.

Separar la vida personal de Frida Kahlo de su obra parece una tarea casi imposible ya que en su temática, en su simbología se ve muy reflejada. Frida es sujeto y objeto de su pintura.

Es difícil clasificarla en una escuela, su obra se caracteriza por tener elementos expresionistas y surrealistas con una temática popular. Aun así Frida expresaba al respecto:
“Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad”

Durante un viaje a Paris Frida logra impresionar a Picasso y a Kandinsky con sus trabajos. Picasso escribió más tarde a Diego Rivera donde expresaba sus elogios hacia Frida: 
 «Ni tú, ni Derain, ni yo somos capaces de pintar un rostro como los que pinta Frida Kahlo de Rivera»

En 1953 en la Ciudad de México se organizó una exposición individual de la artista en la Galería de Arte Contemporáneo, la única durante su vida pero su salud estaba deteriorada y solo pudo asistir en ambulancia en una cama de hospital. Todos quedaron muy impresionados. 

Lamentablemente la artista vivió muchos otros momentos duros, como la amputación de una pierna debido a una infección. Esto la llevo a una gran depresion que la hizo intentar suicidarse en un par de ocasiones.

 

Frida Kahlo muere en Coyoacán en julio de 1954. Sus restos fueron velados en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. Sus cenizas se conservan en la Casa Azul de Coyoacán, el lugar que también la vio nacer.

Frida Kahlo nos dejo una extensa cantidad de obras de una gran belleza a pesar de tratar generalmente temas relacionados con el sufrimiento, con el dolor. Pero a pesar de todo lo que vivió a lo largo de los años, expresa en una de sus ultimas pinturas “¡Viva la vida!” 

Lo que me atrae de ella como artista además del uso que realiza de su paleta es su capacidad de transformar el dolor en arte, de utilizar el arte como una forma de sublimación, de transformación. 

Es interesante también recordarla como una de las primeras pintoras que expresó en su obra la identidad femenina desde su propia óptica. Rechazo la visión de lo femenino que se dibujaba desde el tradicional mundo masculino. Ella fue una artista que contribuyo en la formación de un nuevo tipo de identidad para la mujer y es reconocida, hoy, por muchos, como un símbolo.

Pintura y memoria

Carlos Alonso

Pintura y memoria

El día domingo estuve en el Museo Nacional de Bellas Artes viendo la muestra “Pintura y memoria” de Carlos Alonso. El museo es muy amplio y tiene todo tipo de muestras, algunas permanentes y otras temporales. Vale la pena recorrerlo pero quizás conviene hacerlo en dos o tres salidas distintas para poder observar con tranquilidad cada espacio y poder detenerse a leer la información que cada sala ofrece.
A continuación les contare un poco de lo que pude aprender de él y les mostrare algunas de sus interesantes obras.

Carlos Alonso es un pintor, dibujante y grabador argentino nacido en Tunuyan, Mendoza.  A los catorce años ingresó en la Academia Nacional de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Cuyo donde fue alumno de grandes maestros del arte.
En 1947 recibió su primer premio en el Salón de Estudiantes y en 1953 expuso en la Galeria Viau de Buenos Aires. Gracias a esto, obtuvo los fondos necesarios para viajar a Europa donde expuso su obra en París y Madrid. En 1961 descubre en Londres el acrílico, técnica que luego adoptaría en su pintura.
Realizó múltiples exposiciones tanto individuales como colectivas junto a otros artistas de renombre.

Residió en Argentina hasta que un año después del golpe de Estado de 1976, desaparece su hija. Alli es cuando decide exiliarse en Italia para luego en 1979 trasladarse a Madrid.
Dos años después regresa a Argentina donde realiza numerosas exposiciones.

Silencio

La censura ,1969

La siguiente obra forma parte de la serie dedicada al Che Guevara, donde Carlos Alonso muestra su compromiso social y político. Retomando la conocida obra de Rembrandt, el artista realiza una nueva construcción visual en la que podemos observar el cadáver del Che Guevara con distintos personajes alrededor observándolo y preguntándose por su muerte. 

En 1969 el artista argentino fue convocado a participar de la muestra Panorama de la Pintura Argentina 2, en el Palais de Glace, donde expondría dos de sus obras de “Lección de anatomía” pero la subsecretaria de Cultura de la Nación ordeno retirar las piezas en las que aparecía representado el Che Guevara. Por este acto de censura Alonso decidió cancelar su intervención.

Lección de anatomía. 

Por otra parte, algo que llamo mi atención, fue la reconstrucción de la instalación “Manos anónimas”. Esta instalación fue realizada originalmente para ser exhibida en una exposición llamada “Imagen del hombre actual” que tendría lugar en el Museo Nacional de Bellas Artes en 1976 pero que fue suspendida como consecuencia del golpe de Estado. Las imágenes son muy claras en su mensaje.

Manos anónimas – Instalación 1976 / Reconstrucción 2019

La imagen que ven a continuación pertenece al único registro fotográfico conservado de la instalación “Manos anónimas” de 1976 a partir de la cual en la actualidad se realizo su reconstrucción.

Lo que se puede observar en el recorrido de las distintas obras es la recurrente aparición de la carne. Al respecto Andres Duprat (director del museo) expresa:
“En Alonso siempre hay un exceso: de representación, de clausura de la representación, de alegorismo político y de enigma irresuelto. La carne se vuelve violencia, historia del drama argentino que retoma como pesadilla desde la gauchesca del siglo de las montoneras federales hasta los desaparecidos. Pero demás se vuelve carne, materia primaria de la vida que muestra la muerte. Hay cadáveres, una y otra vez. Para que haya Argentina, ha de haber cadáveres (…)”

Sin pan y sin trabajo, 1966

Tres niños, 1968

Mal de amores

Mal de amores n°2, 1986

Pequeña historia, 1966

Juguete rabioso, 1967

Entre las obras que se pueden observar en esta muestra se encuentra una serie de ellas en la que el artista le realiza un homenaje a otros grandes artistas como Lino Enea Spilimbergo y Van Gogh.

El hospital, 1974

La muestra de Carlos Alonso genera muchas sensaciones. Entre colores vívidos se observan imágenes que llevan a la reflexión. Imágenes que tienen que ver con nuestra historia, imágenes de dolor, de censura, de muerte. 
En cuanto a lo técnico es bello observar los gestos de sus pinceladas tanto de acrílico como de oleo. Las paletas de colores que elige utilizar acompañan perfectamente lo que busca expresar ●

Del 12 de abril al 14 de julio.

Una noche distinta en el C. C. Recoleta – Parte II

Una noche distinta en el C. Cultural Recoleta parte II

Como les conté en estos días, el martes por la noche estuve en el Centro Cultural Recoleta.
Hoy paso a dejarles algunas fotos de otras dos muestras que vi ese día en exposición. 

Juguete Rabioso:

En esta muestra participaron todo tipo de artistas: pintores, escultores, tejedores, ceramistas, animadores. En ella se exponen más de 100 juguetes no tradicionales. Quienes componen esta muestra crean juguetes que no están pensados o basados en la lógica comercial, en lo que el mercado exige, sino que fueron creados pensando en interpelar a los niños, en generarles nuevos interrogantes que abran paso al juego. 

Grupo Bondi

Viral mural:

Esta muestra esta compuesta por intervenciones murales realizadas por artistas argentinos y extranjeros que provienen del arte urbano o que reflexionan sobre él. 

Desde hace mucho tiempo los muros de las ciudades han sido utilizados para la expresión de la comunidad, ya sea en forma de protesta, en forma de propaganda política o como practica artística. Estas manifestaciones, al estar plasmadas en las pareces de la ciudad, entran en constante vinculo con quienes transitan por el lugar, buscan “atrapar” sus miradas y muchas veces hasta hacer reflexionar. 

A diferencia de las obras tradicionales que se presentan en el ámbito del museo, a las cuales no todo el mundo tiene acceso, los murales se mezclan con lo cotidiano y podríamos decir que son por lo general de “libre acceso”.
Hoy en día hay muchos tipos de propuestas artísticas que conjugan distintas técnicas, ya sea el grafitti, el stencil, la pintura, los afiches callejeros, etc. 

Rodrigo Alonso, curador de esta muestra, expresa:

“La exposición Viral Mural busca poner de manifiesto esta multiplicidad a través del trabajo de algunos destacados protagonistas de este circuito, que actúan tanto en el ámbito nacional como internacional. Mediante intervenciones en lugares destinados a actividades comunitarias, se propone enfatizar, además, que el Centro Cultural Recoleta no sólo es la sede de producciones culturales y artísticas, sino que es, ante todo, un espacio público. 

Murales y pintadas callejeras son antecedentes, por otra parte, de un tipo de expresión que se infiltra hoy en las redes sociales, en memes, tweets, hashtags y acciones virales. La estructura básica de una red como Facebook propone expresarse a través de un “muro”, que incluso otras personas pueden intervenir. Los espacios públicos son cada vez más complejos y expansivos, pero por sobre todas las cosas, debemos celebrar que existan. Ellos aseguran uno de los derechos más genuinos y primordiales de la auténtica vida social.”

⇩ ¿Dónde? ⇩

¡Tomamos el paraíso!

¡Tomamos el paraiso!

Una noche distinta en el Centro Cultural Recoleta

El día lunes comencé hablando sobre cómo encarar la semana cuando lo que nos espera suele ser una rutina de preocupaciones o estrés. No es una fórmula mágica, claro. Solo es una manera de intentar sentirse mejor, de repensar nuestros días, de darnos lugar a nosotros mismos en medio de tanto “deber”.
Por eso, ayer a la noche, decidí darme una vuelta por el Centro Cultural Recoleta al cual hacía mucho que no iba. 
Apenas salí del trabajo – había estado durante la tarde pensando en ir a la salida – me sentí cansada y bastante agobiada. Fue un día muy pesado en lo laboral y por un momento pensé “mejor me voy a casa a cenar y dormir”. 
Por suerte, mi pareja, quien me habia ido a buscar al trabajo y a quien le habia comentado mi idea de ir a ver las muestras que hoy por hoy se exponen me insistió para que fuésemos y nos distrajeramos un rato. ¡Y así fue! 

Empezamos a recorrer las exposiciones entrando por el ala izquierda. Allí nos esperaba un pasillo aparentemente blanco super luminoso que al entrar, te sorprendía con coloridas ilustraciones en sus paredes.  Al detenerme a observarlas me alegre al ver el mensaje que transmitían. Les muestro algunas imágenes. ☟

Recorriendo los pasillos se puede observar una pegada de afiches e ilustraciones cubriendo las paredes con imágenes y frases que invitan a reflexionar y a formar parte de un cambio que busca ponerle un freno a la subestimación, la desigualdad y los femicidios que cada vez son más.  

¿Cómo surgió el nombre de la muestra?

Para elegir el titulo de la muestra la curadora y artista Irana Douer se inspira en el mito de Lilith. Como muchos sabrán siempre se dice que los primeros humanos en el paraíso fueron Adán y Eva. Pero otra leyenda cuenta que existió una mujer antes de Eva llamada Lilith que fue creada a la par de Adán (no a partir de una costilla de él, como se dice se Eva) y de barro. Lilith era una mujer poderosa y libre. Dicen que esto causó su expulsión del paraíso. Hoy en día su mito no es tan conocido, como si lo es el de Eva, quién es relegada bajo la figura de Adán.
Probablemente la propagación de un relato de una mujer libre, a la par del hombre, hubiese hecho de nuestro mundo un lugar distinto en la actualidad, pero no fue así.
Esta muestra encarna entonces el espíritu libre de Lilith a través de varias artistas feministas que pondrán voz a través de las imágenes a lo que por mucho tiempo fue callado. 

Irana Douer expresa:  “Si Lilith hubiera reclamado su lugar en el paraíso, las cosas probablemente hoy serían muy distintas. Hechas del mismo barro y no de las sobras de una costilla del hombre, las mujeres hubiesen vivido otra historia. Por eso acá estamos las que luchamos, las que reclamamos lo que nos pertenece, desafiamos los límites y vivimos nuestras vidas sin pedir permiso. Somos las hijas de Lilith y venimos a tomar el Paraíso en su nombre.”

La estrella

Una mujer joven es lo que se ve en la imagen esta a la orilla de un río.

El río se lleva toda la oscuridad del pasado.
Preparándose para un nuevo renacer el cielo está repleto de estrellas, alrededor el terreno es fértil donde todo crece con facilidad.

Las estrellas son también una señal de que no estamos solxs.
Ellas nos iluminan, si levantamos la mirada podremos verlas allí y dejar de sentirnos solxs y abandonadxs.”

Esta muestra me encantó por sus imágenes, sus colores, las hermosas ilustraciones pero sobre todo por el importante mensaje que transmite en una época en la que en distintas partes del mundo las mujeres luchamos para que no haya más femicidios, para poder caminar tranquilas por donde vivimos, por no tener más miedo, por no ser subestimadas, por ser escuchadas.

Realmente espero para las futuras generaciones un mundo en el que las mujeres no sigan muriendo, donde todos podamos caminar hacia delante, uno al lado del otro sin hacer distinciones de genero, sin lastimar al otro. Un mundo con más amor ●

Street Art en Villa Crespo

Street Art en Villa Crespo

Mi día comenzó acompañando a mi novio a tatuarse por la zona de Villa Crespo, uno de los barrios porteños.

Cuando nos conocimos hace diez años, el había comenzado a realizarse un tatuaje en uno de sus brazos. Paso el tiempo y con el la rutina, el trabajo, los vaivenes de la vida misma y nunca se termino el tatuaje.

Hoy, diez años después pudo finalizarlo, con el mismo tatuador de hace diez años.

Cuando salimos del estudio de tatuajes, comenzamos a caminar por el barrio de Villa Crespo.
Allí fue que nos encontramos con un colegio que en sus paredes exteriores le regala al barrio estas obras de arte callejero y sus colores. Los murales fueron realizados por alumnos del taller de Georgina Ciotti.

Artista: Louie Herzog

Artista: Ann Burkiewicz

Mientras yo fotografiaba aquellas obras, mi novio, que en su infancia vivía cerca de Villa Crespo, me contaba que cuando era pequeño muchas tardes corría hacia aquel colegio para ir a jugar al fútbol con sus amigos.

Artista: Pablo Rajs

Seguimos caminando mientras observábamos las pinturas, mientras las fotografiaba. 
Los colores que utilizaron me parecieron hermosos, las paletas muy bien elegidas y las imágenes muy creativas. 

En mi opinión, el arte es importante para la sociedad, para la comunidad y los individuos. El arte nos muestra otra forma de ver el mundo, nos muestra que todo es posible, nos muestra caminos alternativos. Se relaciona con nuestra cultura, con nuestra forma de vivir, de observar, de producir. Se relaciona con nuestro imaginario.
La practica artística nos hace creativos, nos ayuda a abrir la mente, nos permite pensar un mismo objeto, una misma situación, de varias formas diferentes. Resolver problemas de formas creativas.

Por eso me encanta ver en las calles de Buenos Aires arte callejero. Porque acerca a quienes transitan por allí un poco de la magia del arte. Les regalan sus colores, sus formas, sin ninguna pretensión. Da mensajes, muchas veces protesta. Acerca el arte a gente que quizás no suela estar en contacto con el y también a quienes no podemos pensar este mundo sin su existencia.

Artista: Florencia Neve

Artista: Belén Nuñez


Por eso, si llegan a estar por el barrio de Villa Crespo, les sugiero acercarse a los muros del colegio Andres Ferreyra y deleitar su imaginación con sus propios ojos.